Ahora mis críticas de teatro en una revista y...

ATENCIÓN amigas y amigos

Ahora, mis críticas de teatro se publican en la revista digital CulturaCR, cuyo enlace es http://www.culturacr.net/

Ustedes encontrarán, en la portada de dicha revista, a la izquierda, una columna donde dice Secciones, con el logo que ven aquí, dan clic, y listo.

Las críticas de cine se siguen publicando en el periódico La Nación y se encuentran con este enlace:
http://www.nacion.com/2010-09-28/Entretenimiento/Criticos.aspx?credit=W%lliam Venegas

Wall Street: El dinero nunca duerme, el bisturí sí.

WALL STREET 2

Vuelve Oliver Stone con una secuela de su exitoso filme Wall Street (1987). Ese año, Stone logró una crítica incisiva sobre el capital parasitario, expresión inescrupulosa del capitalismo, cinta que le dio un Óscar a Michael Douglas por su gran actuación. Hoy, con el filme Wall Street: El dinero nunca duerme (2010), Stone vuelve con la crisis del capitalismo en Estados Unidos, que busca socializar las pérdidas. El problema es que Oliver Stone retrata el asunto sin agudeza y, más bien, con alguna somnolencia. Ahora la película se entremezcla y diluye con una historia sentimental nada estimulante. Por allí, la agudeza crítica al sistema se va como agua por un canasto. Con esta secuela, nos encontramos con Gordon Gekko, quien sale de la cárcel dispuesto a ser otra vez el implacable tiburón de las finanzas. Estamos ante un filme presuntuoso, al que le destaco la buena fotografía de Rodrigo Prieto y le cuestiono su música sin rigor. Las actuaciones se notan falsas y sin complejidad. En esta secuela, el bisturí para diseccionar el capítalismo brutal ha sido cambiado por una peineta para hablar de amores y lágrimas filiales, con una débil redención de los personajes al final. (wílliam venegas)

Flame y Citrón: cuando los héroes dudan

FLAME Y CITRÓN

He aquí una película donde el tono épico del relato utiliza, como faja de correa, las contradicciones subjetivas de sus personajes. Hablo de la buena película danesa Flame y Citrón (2008), dirigida por Ole Christian Madsen, a partir de un guion que, por exhaustivo, más bien deja hilos sueltos. Se basa en hechos reales, acontecidos en Copenhague, en 1944, cuando la invasión de la Alemania nazi a Dinamarca. Es la historia de dos patriotas daneses: Bent Faurschou-Hviid, de 23 años y cuyo nombre de guerra es Flame (por su cabello rojo) y Jørgen Haagen Schmith, de 33 años y cuyo nombre de guerra es Citrón (porque había trabajado como mecánico en la Citroën). Con valentía y desprendimiento, ellos se suman a la resistencia clandestina en contra de los nazis. Desde nuestra butaca, somos testigos de los dilemas personales de los patriotas en el clandestinaje. Las aristas del relato no tendrían el impacto tenso si no fuera por la estupenda fotografía que se muestra, siempre con el oportuno apoyo de la música. Las actuaciones son otro plus de la película: aquí no hay actor malo, es portentosa esta escuela histriónica con actores de carácter (el filme apuesta más bien a la tensión interna de los personajes). Sea esta crítica un llamado para que la cinta no sea ignorada. (wílliam venegas)

Grupo "Pies en el Aire" ve sombra de Segismundo

Sueñan todos, lo que son

Fui a ver, al Teatro 1887, la presentación del grupo teatro-titiritero Pies en el aire, nombre que se da dicho grupo de manera expresiva. Me encontré ante un gran espectáculo: Sueñan todos, lo que son (2010) donde el amor de los artistas por su trabajo va más allá del entusiasmo: hay gran calidad con una paráfrasis sutil del proceso vivido por el príncipe Segismundo en el drama La vida es sueño, escrito por Calderón de la Barca y estrenado en 1635. Con la creativa dirección de Olga Luján, los artistas metidos en sus trajes negros hacen creíble la historia de un sujeto en búsqueda de saberse quién es ante el dilema de la libertad versus el destino. El espectáculo goza de sombras chinas, luz negra, títeres, actores reales, muñecos grandes y pequeños y de una presentación escénica estimulante para su tesis conceptual, con el aporte justo de cuatro músicos (chelo, violín, mandolina y guitarra). Es gozoso ver que en la mezcla de teatro, títeres y música se ha logrado un texto escénico inteligente para el adulto, retador para el joven y entretenido para la niñez. (wílliam venegas)

Elegidas 10 obras de ciclo teatral: ¿les parece así?

GIANCARLO PROTTI

NO tengo razón para dudar de la palabra de un caballero como Giancarlo Protti, Director Ejecutivo del Teatro Popular Melico Salazar, cuando me dice que la escogencia de las 10 obras de teatro que estarán en el V Encuentro Nacional de Teatro (del 4 de octubre al 7 de noviembre) fueron escogidas de una manera “bastante democrática y participativa, en un ambiente de madurez”. Agrega que de verdad fue un encuentro con espíritu de encuentro. 14 obras se presentaron a concurso. Cuatro por fuera. Pero me da alergia el proceso para escoger las 10 ganadoras, algo así: en un teatro, se reúnen los grupos interesados (con obras estrenadas antes del 30 de agosto) y ofrecen 10 minutos del trabajo concursante de cada uno y 5 minutos de presentación. Ellos mismos votan, imagino que uno por grupo, en secreto, por las 10 mejores. Riesgo: ¿puede darse aquello de “compadre hablado”, de “juez y parte”? ¿O no? ¿Está siempre garantizado ese ambiente de madurez de que habla el señor Protti? O mejor: ¿está garantizada la calidad de los ganadores? Por experiencia, sé que difícilmente una persona de teatro cuestiona una obra ajena: los teatreros son dados a ser complacientes con sus colegas. No los condeno, pero no me gusta eso de círculos cerrados para autoescoger. En Comentarios doy los 10 textos ganadores, los 4 excluidos y otras menudencias. (wílliam venegas)

'El beso del tiburón' es más discurso que teatro

EL BESO DEL TIBURÓN

El estreno de la obra El beso del tiburón, de Melvin Méndez, en el Teatro Óscar Fessler, plantea dos situaciones:
1- EL TEXTO. Una señora me dice al final: “No es lógico, se dice que un personaje pasa por el estero en Limón, pero el estero está en Puntarenas”, confusión geográfica, indicio de algunos descuidos, incluso en el diseño del personaje femenino, quien –por momentos– parece ser una joven campesina agredida de 1900 y, en otros, una joven de nuestra época también agredida. Es un texto más llamado a reforzar un discurso en contra de la agresión a la mujer que a establecer un proceso dramático.
2- LA PUESTA. Ello se siente en la puesta en escena, colocada al borde del panfleto. Se salva por la riqueza lírica de los parlamentos y por la gustosa creatividad escénica con dos espacios para sendos tiempos y personajes diferentes. Sin embargo, la sensación de discurso permanece: prefiere ser teatro apelativo (predicar algo) que narrar (contar algo) teatralmente. Excepto el trabajo de Ana Ulate como la madre, las demás actuaciones van al desamparo. Mónica Hernández evidencia su impericia, su ausencia de matices y su pésimo manejo de la voz. El suyo es un papel para una actriz con experiencia. Gabriel Sánchez logra momentos mejores con sus personajes, aunque también grita en lugar de proyectar la voz. Es bueno el diseño de luces y mejor el de la música, pero Melvin Méndez –como director– queda debiendo en el manejo del espacio, del ritmo y de los actores. Teatro bien intencionado, pero no bien solventado. (wílliam venegas)

Agente Salt en cine: va de Salto en Salto

AGENTE SALT

Con la película Agente Salt (2010) lograron un filme comercial construido con eficacia en su aparataje visual y acicalado en los aspectos técnicos. Para lograr dichos resultados, un director como Phillip Noyce es importante. La actriz Angelina Jolie ahora hace de mujer de la CIA : ella es Evelyn Salt. La señora Jolie logra matizar su rostro estólido en los tiroteos y peleas con finos matices emocionales. Por lo demás, su personaje es poco creíble, lo que no es culpa de ella, sino del guion. Sucede que los acontecimientos en Agente Salt van a un ritmo tan acelerado que no hay tiempo para pescar –fácilmente– los hilos sueltos de la trama. Esto lo hace uno con una actitud más reposada después de ver la película. Evelyn Salt es tan firme de carácter como Wolverine, golpea más fuerte que Iron Man, es más ágil que el Hombre Araña, tiene la sapiencia de Batman, posee la velocidad de Supermán, dispara con la puntería de Robocop y puede ser tan seductora como la Mujer Maravilla. El problema es que se enamora como una Barbie y eso cambia los planes de los rusos. El texto fílmico se dedica a mostrar violencia y cuanta artimaña le sirva para la febrilidad de la acción, con conductas paranoica y por momentos se atropella a sí mismo. (wílliam venegas)

'Dos hermanos': filme argentino con sentimiento

DOS HERMANOS

Se exhibe una cinta de profundo calado humano: el filme argentino Dos hermanos (2010), dirigido por Daniel Burman. Relata la historia de Marcos y Susana, hermanos que rondan los 60 años de edad y quienes viven en continuo y ácido enfrentamiento. El hermano se ha dedicado más tiempo a cuidar a su madre anciana. Cuando la madre muere, ella y él se ven forzados a mirarse en sus condiciones, cariños y diferencias. Deciden alquilar una casa en Uruguay, sin abandonar sus raíces argentinas. Es cuando la película, con su tratamiento, profundiza en las vivencias de los hermanos: ora se adentra con cariño por sus personajes y luego apenas flota para evitar lo cursi. La historia es totalmente creíble, sentida y asimilada gracias a las extraordinarias actuaciones de tres grandes del cine y teatro: Antonio Gasalla, Graciela Borges y Omar Núñez (los dos primeros como los hermanos en cuestión). La fotografía busca los tonos más cercanos a los estados de ánimo de los personajes. No sucede así con la música, que se siente a la deriva o inoportuna. El filme habla de algo que todos debemos vivir de manera ineludible: la vida misma. (wílliam venegas)

Chabrol: murió este crítico de cine hecho cineasta

IN MEMORIAM

Les Cahiers du Cinéma es revista emblemática en la historia de la crítica de cine. Francesa, dirigida por André Bazin. Quienes escribían fueron luego cineastas/creadores de la Nueva Ola del cine francés (Nouvelle Vague) y marcaron una etapa importante en la historia del sétimo arte. Claude Chabrol fue uno de los creadores de la Nouvelle Vague, con Bazin, Truffaut, Godard, Resnais, Rohmer, Rivette...; fue Chabrol quien mostró que la realidad social no es compleja: son los sujetos que viven en ella y exploró al ser humano como sujeto social, crítico de la burguesía. Su primera cinta fue El bello Sergio (1958). Chabrol nació el 24 de junio de 1930. Ahora se nos avisa que ha muerto, el domingo 12 de setiembre del 2010. Así reza el texto de la Asociación Francesa de Directores de Cine –a propósito del fallecimiento de Chabrol– "Cada vez que desaparece un director de cine, se pierde para siempre una manera particular de mirar el mundo y una expresión de nuestra humanidad." (wílliam venegas)

'Bienvenido a Woodstock': paz, amor y más que eso

WOODSTOCK

El nombre del director taiwanés Ang Lee es buen respaldo para ir al cine. Esto ocurre con la película Bienvenido a Woodstock (2009; Taking Woodstock), que retoma un momento de nostalgia en la música roquera y en la visión de mundo de los jóvenes. Eran los inolvidables años 60, prolongados hasta los 70 y más. Bienvenido a Woodstock es retrato de una época con sus méritos y vacilaciones. El famoso concierto en Woodstock fue la expresión de una generación que predicó, con decisión, el amor y la paz. La película refleja eso una y otra vez. Lo hace con la llegada de los jóvenes al concierto, en agosto de 1969. La cámara indaga con fotografía virtuosa de Eric Gautier. Fue una generación que liberó el sexo de las ataduras religiosas o conservadoras. El llamado amor libre fue libre de verdad. Ang Lee no hace discursos y un drama familiar en Woodstock va hilando las imágenes. Eran jóvenes capaces de alucinarse en un banquete camaraderil de drogas (excepcional secuencia). Se muestra el quehacer político en contra de la guerra sucia de Estados Unidos contra Vietnam. Recomendamos esta cinta a sabiendas de que el director Ang Lee pudo haber hecho algo mejor. (wílliam venegas)

'La Yuma' es cine nicaragüense: ¡Sorpresa valiosa!

LA YUMA

SE nos dice que Nicaragua tiene 20 años de no producir un filme totalmente propio. Ahora se estrena La Yuma (2009), dirigida por una mujer francesa con años de vivir en Nicaragua, Florence Jaugey. Nicaragua es país dulce para el arte. No solo tienen a Sandino capaz de enfrentarse a marines que, en Costa Rica, traemos con permisos legislativos. También afloran los artistas plásticos, los músicos , los poetas con versos universales, los escritores en general y, ahora, gente de cine capaz de narrar historias con fidelidad al arte en medio de la escasez de recursos. La Yuma es cine del bueno, sin concesiones baratas, en búsqueda de identidad: ser tal cuales desde nuestras propias raíces. Esto hace de La Yuma un filme con arrojo artístico y sin complejo alguno. La historia parece sencilla, pero tiene importante complejidad humana. Es la historia de una recia muchacha, de carácter vertical y de belleza paralela con ese carácter. Muy a lo Nicaragua, la apodan La Yuma y ella quiere ser boxeadora. Con alma, la actriz Alma Blanco le da coherencia y hace creíble la narración. No es película perfecta, pero logra tensión con la trama y pasión en los momentos claves. La Yuma merece nuestra recomendación como cine alternativo. (wílliam venegas)

Oxígeno para renacer del Teatro Universitario

"OXÍGENO"

Tardo yo en afirmar en una entrevista a La Nación que el Teatro Universitario (TU) debe desempolvarse a sí mismo y renovarse o morir discretamente (entrada anterior en este blog), cuando esa noche me llevo la más grata sorpresa con la puesta en escena de la obra Oxígeno (de Carl Djerassi y Roald Hoffman) en el Teatro Nacional. Un texto dramático es realmente una narración dialogada para ser escenificada. Ante eso, Oxígeno más bien resulta obra descriptivo-analítica sobre las contradicciones, no de la ciencia, sino de los científicos y de quienes deben dar un premio Nobel retroactivo en Química: son dos situaciones con sendos mundos igualmente recreados y coherentes en sí y entre sí. Interesante. El texto pudo ser más breve, pero la puesta en escena dirigida por Manuel Ruiz lo torna valioso y absorbente, con ritmo ajustado en dos escenarios que, también, se complementan y unifican gracias al buen diseño de luces, vestuario, utilería y la presencia conductora de la música. Excepto el pésimo trabajo y la voz perezosa de José Pablo Umaña, el elenco responde con justeza, donde destacan positivamente Euclides Hernández, Pablo Morales, María Chaves, Moy Arburola y Marion Madrigal, en estricto orden de mi preferencia, entre otros. Oxígeno debe verse y ojalá abra camino al renacer del TU de la Universidad de Costa Rica. (wílliam venegas)

A los 60 años del Teatro Universitario: entrevista

Me entrevista el periodista Melvin Molina para una nota suya publicada en La Nación el pasado jueves 2 de setiembre en VIVA, sobre los 60 años del Teatro Universitario, le contesto:

Logo del Teatro Univesritario

Melvin: - ¿Cuál es el principal aporte que realiza el Teatro Universitario al quehacer teatral del país?

Yo: - Históricamente, ha aportado renovación artística y de histriones, ha alimentado el espíritu crítico. Hoy, solo hace lo último: es conciencia lúcida en temas sociales, pero sin calidad dramática.
Melvin: -En términos generales, ¿cuáles deficiencias ve usted en el Teatro Universitario?
Yo: -En general, da pocas esperanzas cualitativas, sus exploraciones artísticas lo alejan de la rigurosidad teatral en escena y es un grupo poco atractivo para el espectador y menos para el crítico.
Melvin: - ¿Los calificaría como un grupo que siempre se distingue por experimentar?
Yo: -Antes había menos experimentación y más calidad; ahora es un arroz con mango y queda muy poco por esperar.

Melvin: -¿Hay retos que deben enfrentar para el futuro?

Yo: -El reto principal es el de autocriticarse, saber que está en decadencia y tratar de resucitar, de hacer una revolución interna o de, autocríticamente, desaparecer.

En la noche voy al estreno teatral de los 60 años, Oxígeno, y quedo gratamente sorprendido (en próxima entrada pondré mi crítica) (wílliam venegas)

Celda 211, cine español, ¿no es excelente?

CELDA 211

Celda 211 (2009), filme dirigido y coescrito por Daniel Monzón, donde el drama cede a la acción y los acontecimientos se muestran de la piel hacia afuera, con la enorme actuación de Luis Tosar como el temido Malamadre, pero con debilitada presencia del actor Alberto Ammann, como el funcionario de cárcel atrapado por una insurrección de presos. Ese es el subibaja de esta cinta: cada actor en un extremo. Con Tosar, la película se llena de coherencia, de inquietudes brutales y de zozobras. Con Ammann, sucede todo lo contrario y vemos la historia de un sujeto que se degrada, pero no la sentimos. No es que sea película mala, para nada, es solo que pudo ser excelente y no lo logró por sus concesiones al estilo del thriller y recurre a situaciones forzadas dentro de la propia lógica del relato (por ejemplo, el caso de la esposa embarazada en medio de una revuelta con la policía). El universo de los reos no está prolijamente mostrado ni estudiado: el filme es superficial en ello. Hay momentos en que no pasa de ser cuadro de costumbres con algún aliento propio del naturalismo literario, pero este aliento no nos da en la cara como debiera, no nos arruga la mirada. Lo trepidante está bien manejado y los diálogos atan a la película. La música y la fotografía responden bien. (wílliam venegas)