El cisne negro es película demoledora y oprime.

El cisne negro (2010), cinta dirigida por Darren Aronofsky es cine de autor, o sea, cine cuyas constantes definen e identifican a un cineasta. Basta con mencionar tres títulos de Aronofsky: Pi (1998), Réquiem por un sueño (2000) y El luchador (2008), nuevas fórmulas de la tragedia. El cisne negro es la historia de una bailarina (Natalie Portman) narrada con arte opresivo que conduce a la fatalidad. Nina es balletista que quiere triunfar con una versión diferente de El lago de los cisnes, de Chaikovski. Ella asume bien el Cisne Blanco, limpieza y elegancia, pero no maneja su Cisne Negro, perfidia y sensualidad. Para triunfar, Nina se adentra en la locura del perfeccionismo y se conecta con su lado más oscuro. Las imágenes son agobiantes, pero con inteligencia estética. La banda sonora se impone con agudo juego de la música de Chaikovski reventada por golpes electrónicos. La actriz Natalie Portman está perfecta con los desdoblamientos de la conducta de su personaje. El cisne negro es película demoledora. (wvs)
Crítica completa en:
http://letras-uruguay.espaciolatino.com/aaa/venegas_william/cisne_negro_pasion_por_la_pasion.htm
http://www.nacion.com/2011-02-27/Entretenimiento/NotasSecundarias/Entretenimiento2697088.aspx

Un Áncora para Eddie Mora es aún poco para él

EDDIE MORA

De las cosas buenas que han sucedido con el premio Áncora de La Nación está el Áncora dado al maestro Eddie Mora, quien ha logrado  que una orquesta sinfónica marginal, al menos en lo mediático, se oiga con cuerpo, de manera creativa, firme y armónica, que se oiga bien, ¡caramba!, que yo no tengo tantas palabras para hablar de una Sinfónica. Se trata de la Orquesta Sinfónica Municipal de Heredia (¡qué nombre más largo!). A dicha Orquesta tengo años de oírla, y ahora suena como debe oírse una buena orquesta de tal tipo. Además, el trabajo que hace el maestro Mora para rescatar la música culta o académica costarricense merece un gran premio, un Magón.
El Áncora de cine, dado a la película El último comandante (2010), dirigida por Vicente Ferraz e Isabel Martínez, simplemente no podía ser de otra manera.

Rubén Pagura: ¡Premio Áncora-Viva de Teatro!

Rubén Pagura

Mientras un jurado nacional desacredita los premios nacionales de teatro con sus escogencias, el premio Áncora-Viva del periódico La Nación viene a rescatar la dignidad para el teatro costarricense al concederle su premio, de cada dos años, a ese excelente y comprometido cantante y hombre de teatro que es Rubén Pagura por su trabajo con Julius. Estaba joven cuando leí el libro Reportaje al pie de la horca, del checo Julius Fučík. Me marcó leer a ese brillante filósofo marxista, crítico literario y teatral, ejecutado por las tropas hitlerianas en Berlín, a sus 40 años de edad. Rubén Pagura, con extraordinaria actuación y ardua creatividad escénica, retomó la vida de dicho escritor con su obra Julius. Compromiso personal de Pagura hasta la médula, digno, incluso desde los registros de la música del también checo Bedřich Smetana. Mi alegría por este premio a Pagura es enorme, ¡enorme! (wvs)

Entre noche y niebla: segundo estreno teatral, 2011

Primero fue el estreno de la obra Mi casa escondida, del costarricense Diego Andrés Soto, con la dirección de Amaral Sánchez. Ahora se estrena en el país Entre noche y niebla (escenificada en México en marzo del 2009), del también costarricense Sergio Masís y con su propia dirección. La primera asume un compromiso contra el maltrato a los niños, de manera muy apelativa. Entre noche y niebla, con más sentido dramatúrgico, deviene texto igualmente comprometido en contra de la tortura política. Este texto y su puesta en escena supera lo simplista para internarse en los laberintos de este fenómeno cruel y desglosa la complejidad emocional de torturados y torturadores. Lo hace con valentía, sin olvidar las recientes torturas [firmadas por el expresidente Bush hijo]. Lastimosamente, lo escenográfico no refleja la atmósfera de terror del caso, pero la buena actuación del propio Sergio Masís le da energía al conflicto, aunque Luisa Echandi no está a su altura, lo que hace irregular la dirección de actores de Melvin Méndez. Buen diseño de luces y buena banda sonora para un trabajo que, en general, merece un reconocimiento positivo. (wvs)

Rito: con el diablo ni a misa ni al cine, por lo visto

Uno puede creer o no en posesiones diabólicas y en exorcismos. Sin embargo, si una película aborda dicho tema, al menos debe creer en lo que narra, tener convicción y coherencia interna con su relato: hacerlo creíble y posesionarse del espectador. Esto es lo que le falta a la película El rito (2011), dirigida por el realizador sueco Mikael Håfström, con un guion pusilánime de Michael Petroni, según la novela de Matt Baglio. El rito es una puesta en imágenes monótona, poco creativa y nada creíble de parte de Håfström. Es parte de la torpeza, inverosimilitud y poca vehemencia con que está manejada esta película, anunciada como de terror, cuando lo cierto es que aquí el diablo hace las ollas, pero no las tapas. Me dio pena la actuación de Anthony Hopkins, quien debe lidiar con un personaje mal diseñado (el padre Lucas, exorcista poseído luego por su enemigo Satanás). Ni siquiera Hopkins se toma en serio su trabajo y parece más interesado en cobrar su cheque que andar, en pantalla, espantando leviatanes. (wvs)

"Temple de acero", Oeste con temple de los Coen

Los hermanos Joel y Ethan Coen, sin perder su agudo humor negro, nos dan un buen filme dentro del llamado Oeste crepuscular, con el sostén del actor Jeff Bridges en excelente condición. La película se titula Temple de acero (2010). Los propios hermanos Coen insisten en que se trata de una “lectura” hecha de la novela escrita por Charles Portis, pero más parece que se trata de un refrito de la película homónima con John Wayne, dirigida por Henry Hathaway, de 1969. Por supuesto que los Coen logran darle su propia textura al filme al centrarlo como drama cargado de ironía, pasado por el exceso de diálogos, sin recurrir tanto a la gran imagen propia del Oeste clásico. La  morosidad provoca la ausencia de una sentida emoción, pero, eso sí, el filme tiene un final inolvidable. Temple de acero es buena película, pero pudo ser mil veces mejor; pero, paradoja, si no hubiera sido por los Coen, no habría razones para recomendar este filme, y lo recomiendo. (wvs)

Crítica completa en:

http://letras-uruguay.espaciolatino.com/aaa/venegas_william/temple_de_acero.htm

http://www.nacion.com/2011-02-14/Entretenimiento/OtrasNoticias/Entretenimiento2682569.aspx

"En un rincón del corazón" es cine con sensibilidad

¿Qué tiene la realizadora Sofía Coppola para que sus películas logren conquistar los aplausos de la crítica, pero no los del público en general? Sucede otra vez con En un rincón del corazón (2010). En inglés, el filme se titula Somewhere ("en algún lugar"). Su argumento narra la vida sin freno que lleva el actor de cine Johnny Marco (Stephen Dorff), tipo exitoso cuya vida de excesos cambia cuando se ve obligado a cuidar de su pequeña hija de once años (Elle Fanning). Sofía Coppola denota coraje para traer la película a un lugar de nuestros sentimientos. El filme muestra la relación padre e hija desde su mundo íntimo y no desde el gran espectáculo. Con imágenes pausadas y con ojo estético, la película nos hace sentir lo que sus personajes abrigan en emociones; por eso, es película modesta en lo formal, pero afectuosa en sus resultados. Stephen Dorff y Elle Fanning se prodigan con sus actuaciones. Este filme exige sensibilidad e inteligencia artísticas. (wvs)

Crítica completa en:

http://letras-uruguay.espaciolatino.com/aaa/venegas_william/somewhere.htm

http://www.nacion.com/2010-09-28/Entretenimiento/Criticos.aspx?credit=W%lliam

Nunca te olvidaré, con tu tango, joven María

In Memoriam:
María Schneider

Esta entrada viene desde cuando vi esa extraordinaria película de Bernardo Bertolucci: El último tango en París, 1972, acercamiento frontal al erotismo y sus consecuencias. Las reacciones en contra de la cinta salieron de las bocas conservadoras, clericales y gazmoñas de entonces. El filme se prohibió en distintas partes y, en lo que me toca, la secuencia donde Marlon Brando y María Schneider encarnan a una pareja que hace el amor sin desnudarse, en un piso vacío, me atrapó eróticamente como nunca lo ha hecho ninguna película. Tenía yo 24 años. Con el tiempo, pasé esta película a mis jóvenes estudiantes de Apreciación de Cine en la Universidad Nacional y  me confesaron haberse sentido "provocados" por la película. Las noticias avisan ahora que el 3 de febrero, 2011, María Schneider ha muerto por cáncer y los cables recuerdan su carácter de "actriz maldita" por aquel filme que la marcó para siempre, con sus desnudos de tangos parisinos, cuando ella tenía 19 ó 20 años. (wvs)

127 horas: al Óscar con festín visual barroco

Se ha estrenado el filme 127 horas (2010) del irlandés Danny Boyle, quien cae en la ostentación estético-visual en detrimento de la fluidez del relato: cine barroco. Así, las soluciones formales atentan contra la riqueza narrativa y contra el rigor del filme, pero hay que aceptar que Boyle tiene bastante imaginación para el manejo del lenguaje fílmico. La historia se basa en un hecho real: durante una escalada, en Utah, un joven sufre una caída en una hondura. Tras varios días inmovilizado e incapaz de mover la piedra que lo aprisiona al trabarse con su brazo, tuvo que tomar una dramática medida: cortarse su extremidad o morir ahí por inanición. El momento culminante está narrado con bastante tensión, cambio de género: pasa del drama al terror sanguinolento (“gore”). 127 horas se muestra muy bien en los momentos de silencio. Sin embargo, para su defecto orgánico, la banda sonora hace más bulla de la cuenta con música no siempre apropiada. Es parte de los excesos del filme. La propia actuación de James Franco deviene irregular. (wvs)

Crítica completa en:
http://letras-uruguay.espaciolatino.com/aaa/venegas_william/127_horas_es_cine_barroco.htm
http://www.nacion.com/2010-09-28/Entretenimiento/Criticos.aspx?credit=W%lliam