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lunes, 25 de mayo de 2015

"Dos aguas", cine tico que igual viaja a dos aguas

A dos aguas camina película costarricense, pero hay buenas razones para verla

Como expresión visual del arte naturalista, la película costarricense Dos aguas (2015), dirigida por Patricia Velásquez, se muestra imponente y arraigadamente telúrica. De alguna manera, podemos decir que está dentro de la intuición del también filme costarricense Caribe (2004), de Esteban Ramírez. Con Dos aguas, la realizadora con el apoyo de la expresiva fotografía de Gustavo Brenes, le ha dado a la Naturaleza un papel más que protagónico: dentro de su belleza profusa, esa Naturaleza es aplastante: es caribeña, aún dentro de algún paisajismo que se permite la directora. En ese ambiente natural, los sujetos humanos se ven más débiles desde sus confictos. Así, el mar, capaz de tragarse al señor Jean Bazim, es presentado con fuerza y exquisitez visual, capaz de recordarnos –con otra sintaxis– a aquella selva que se traga a Arturo Cova, en esa pieza literaria del naturalismo que es La vorágine, del colombiano José Eustasio Rivera. A propósito de dicho personaje, es justo señalar que el actor César Maurel es el único que cumple bien con su trabajo actoral. No siempre es fácil trabajar con actores no profesionales y es evidente que Patricia Velásquez no destaca con este tipo de dirección. Las actuaciones son tan deficitarias que hay momentos en que uno siente que se está ante dos películas (dos aguas): una, muy buena, que es esa con una poética del paisaje y su enlace con los personajes. La otra parte del filme, talón débil, tiene un frágil diseño de personajes, que se “cae” con las pésimas actuaciones, acartonadas, recitadoras de parlamentos, por lo que la trama, mínima y fragmentada, deviene más bien algo didáctico  Se debe agregar el buen subrayado que recibe el filme con la música inteligente de Óscar Herrera. Resulta expresiva la sinergia habida entre música y fotografía. Sin forzar la situación, Dos aguas bebe de aquella conocida frase de Auguste Rodin: “El arte es el placer de un espíritu que penetra en la Naturaleza y descubre que también esta tiene alma”. Este primer trabajo de la realizadora Velásquez merece nuestra asistencia a la salas de cine donde se exhibe.

lunes, 18 de mayo de 2015

"Gloria": la parte oscura de la vida de Gloria Trevi

La vida de Gloria Trevi da lugar 
a filme interesante sobre algo conocido 
y, a la vez, su parte oscura
Sin mucha bulla, se ha estrenado en Costa Rica la película mexicana Gloria (2014), fisgonamente realizada por un suizo: Christian Keller. Es su primer filme como director: se trata de un filme biográfico (“biopic”) sobre la parte más oscura en la vida de la cantante mexicana Gloria TreviContra todo pronóstico y por encima de cualquier prejuicio, este “biopic” asume los rasgos mejores del drama y, de esa manera, tenemos una buena película que sabe narrar su historia. No solo eso, también maneja muy bien el cómo lo cuenta (lo formal). En este filme, la trama nos mete rápido en sus asuntos y comienza con la llegada de Gloria Trevi a la academia musical dirigida por Sergio Andrade, allá, en el México de los años 80. La Trevi soñaba; sin embargo, muy pronto, Andrade le pedirá un desnudo total para medir ¡su talento para la música! Mientras el filme corre por ese su presente, en otros momentos salta adelante y vemos a Gloria Trevi y a Sergio Andrade encarcelados en Brasil. El filme no carga tintas, pero tampoco rehúye hundir el dedo en la llaga, o sea, disparar la verdad de esos hechos. Sergio Andrade es mostrado con toda su brutalidad, cinismo, corrupción y adicción por las mujeres menores de edad. Por su parte, está claro que Gloria Trevi no solo fue víctima erótica y emocional de Andrade, sino que, además, ella fue observadora privilegiada de los delitos y marrullerías de su apoderado musical (en algún momento, fueron marido y esposa). Por eso mismo, al final, sorprende la absolutoria de la Trevi en México (no hay duda, por aquí hay “una papa sin cátsup”). Lástima que el actor Marco Pérez tienda a sobreactuar siempre como Sergio Andrade, con excesivo subrayado del carácter manipulador y chantajista de dicho tipo. Él es superado por la actuación de Sofía Espinosa, tanto cuando ella encarna a Trevi en el escenario o fuera de él. No se oyen mal las canciones de corren durante la película. El buen ritmo que tiene esta película es parte de sus denuncias y de su prolepsis o anticipación narrativa. Queda recomendada, con o sin "el pelo suelto".

domingo, 17 de mayo de 2015

"Corazón de León": con donaire y jocosidad

El amor no mide estaturas: 
el hombre enamora con la palabra y la mujer con su presencia

El director argentino Marcos Carnevale regresa a las pantallas con una comedia realmente divertida, tanto desde sus jocosas situaciones como desde sus personajes tan particulares, quienes revelan la filosofía de la trama. Se titula Corazón de León (2013), donde León es el personaje principal. El filme describe el nacimiento, desarrollo, crisis y nuevo encuentro entre el arquitecto León Godoy y la abogada Ivana Cornejo. Todo va bien, porque el amor es ciego, dicen: León e Ivana piensan en sus diferencias, pero las superan, hasta que esas diferencias se socializan con los demás. No es poco lo que sucede: Ivana es mujer galana, cuya hermosura se mira magnífica desde lo que es: alta y elegante. En cambio, León dejó de crecer en un momento dado y ahora mide tan solo un metro con 35 centímetros. En la calle le gritan “¡enano!”.  Este argumento podría dar lugar a un melodrama digno de cualquier telenovela llorona; sin embargo, desde el guion y su puesta en escena, en manos de Carnevale, la historia marca otra mejor huella: la de la comedia festiva y burlona. Hay mucho donaire y más jocosidad, sobre todo cuando aparece ese magnífico actor, Guillemo Francella, quien encarna a León Godoy con estupenda dignidad. La guapísima Julieta Díaz es el exacto contrapunto de cada situación hilarante. El ambiente social es adecuada atmósfera de esta comedia que insta a respetar a los demás, sobre todo si son capaces de amarse por encima de sus obstinadas diferencias. Por eso, elementos como vestuario, decorados, composición del encuadre, luz, color, música y movimientos de personajes (se utiliza bastante la pantalla dividida con distintos personajes en cada parte) nos permiten entrar de manera más fácil en el juego propuesto por esta película.

sábado, 16 de mayo de 2015

"Mad Max: Furia en el camino": anchurosa imaginación

Majestuosa, visualmente majestuosa con una historia mínima, pero coherente, intensa y atractiva. ¿Cómo hace una película para ser tan demencial y, a la vez, tan lógica con su propuesta? Eso es lo bueno del llamado género fantástico cuando resulta bien trabajado, como lo hace el realizador australiano George Miller, quien salió del anonimato por su trilogía con el antihéroe llamado Max Rockatansky (el actor Mel Gibson), serie titulada Mad Max (1979, 1981 y 1985). Ahora, dicho director vuelve sobre sus huellas con Mad Max: Furia en el camino (2015). En medio de una fantasiosa puesta escénica (maravillosa dirección de arte), se narra una historia cuya visión dura y transgresora se ubica luego de la destrucción de la humanidad, cuando la esperanza ha sido opacada por extrañas tiranías. Es un universo incoherente dentro de una historia narrada de manera coherente y muy bien estructurada según el proceso dramático de sus personajes. Pronto descubrimos que la belleza femenina es el extraño elemento sobre el cual giran los acontecimientos, más que el agua y la gasolina (por ejemplo). La mujer es esperanza no solo para su propia reivindicación, sino también para el logro de una sociedad más justa y equitativa: es cuando el mundo loco y distópico (futurista y anacrónico a la vez) asume una utopía. Por eso, la actuación de Charlize Theron –como Furiosa– resulta mucho más destacable que la de Tom Hardy como Max. El filme peca por el uso excesivo de efectos visuales, o sea, cede ante ese fetichismo moderno: demasiada computadora, aunque algunos “trucos” lo dejan a uno con la boca abierta. Sin embargo, George Miller se las ingenia siempre para no perder el concepto temático dentro de ese apocalipsis. Mad Max: Furia en el camino demuestra que el cine, manejado con inteligencia, es lo mejor para imaginar con imágenes. Para ello, es vital un montaje sabio como el que aquí se muestra, con una buena fotografía. También la música es buena, aunque excesiva en cantidad. Al final, queda el gozo de haber visto cine comercial solvente, pulcro en lo técnico y capaz de manejar conceptos valiosos. De sutil humor, debe verse en pantalla grande y es mejor que NO sea en 3D.

domingo, 10 de mayo de 2015

"Leviatán": cuando el poder político se une al religioso

Andrey Zvyagintsev

Pues sí, he de jactarme que compartí alguna vez con el director ruso Andréi Zvyagintsev, allá por el 2004. Fue en la Sala Garbo, a propósito del estreno de su primera gran película El regreso (2003). Recuerdo su admiración por la literatura de Fiódor Dostoievski y del cine de Andréi Tarkovski. En aquel momento surgió la pregunta de cómo iba a hacer ese joven ruso (nacido en 1964) para superar la gran calidad de su primer filme. Ahora llega al país su más reciente película Leviatán (2014). Para algunos críticos, esta es su mejor obra fílmica. Por mi parte, evitaré las comparaciones. Eso sí, me queda claro que Leviatán es gran película que condensa imágenes de   gran riqueza conceptual con diálogos vitales. 
Su trama es clara alegoría sobre una realidad inmediata; pero, en este caso, sin la cohesión narrativa propia de una obra maestra, porque el filme deja hilos sueltos e, incluso, personajes importantes por ahí abandonados. Por supuesto, eso no quita que Leviatán, de manera sutil, vaya de la sátira al drama, de lo épico a lo trágico y, se le mire como se le mire, resulte cine intenso, brutal y solemne. La lucha de un hombre por no perder la propiedad familiar, apetecida por un alcalde corrupto, asume rasgos de ímpetu dramático como pocas veces se expresa en cine. Es también la lucha del sujeto que ama a su esposa, mientras ella debate su pasión entre dos hombres. Un hijo resulta la víctima de esa vorágine de pasiones llevada con fuerte consumo de vodka. En la trama, el poder político abusivo cuenta con el calculador beneplácito religioso (el sacerdote que convierte la religión en ideología para beneficio propio). He ahí el leviatán del caso: la unión del poder político con el religioso.La película fue acusada de “antirrusa” por el gobierno de Vladimir Putin, por mostrar esa apropiación que funcionarios políticos e iglesia ortodoxa hicieron de bienes públicos, carroñeros al momento de la caída del socialismo. Las imágenes que nos da esta película son de antología (¡esos largos planos!, ¡bravo!), con refuerzo de música vehemente y, sobre todo, señalar sus admirables e impactantes actuaciones. No dejen de ver esta película, ese es mi consejo.

lunes, 4 de mayo de 2015

"Ida": cine es poesía y metáfora, metáfora y poesía

Hay un cine que es poesía antes que narración. También puede conjugar ambas cosas de manera admirable, como lo hace el filme polaco Ida (2013), dirigido con vitalismo por el director también polaco Pawel Pawlikowski, nacido en 1957. Se trata de un poema del dolor, más bien, un poema con la sensación del pesar humano, con aquella idea planteada por el gran poeta romántico Lord Byron: el recuerdo del gozo deja de ser gozo, pero el recuerdo del dolor siempre es dolor. Pawlikowski logra que la caracterización extraordinaria de sus personajes sea resumen de la filosofía de la película, cuyo título, Ida, se refiere a una joven novicia, quien a punto de ser consagrada monja debe salir en búsqueda de la única familiar que le queda: una tía. El encuentro entre ambas se convierte en una suma de conceptos más allá del contraste de dos visiones de mundo: ella, joven católica; la tía, jueza del gobierno socialista del período anterior de la actual Polonia. La joven católica, a quien llaman Anna, en realidad es de origen judío y se llama Ida. Ella invita a su tía, llamada Wanda a buscar a sus padres, desaparecidos durante la invasión hitleriana a Polonia. Sin embargo, para la tía, esa búsqueda implica algo que no solo le revierte dolor, sino que también la lleva a la idea de la paz de la muerte. En Wanda se concentra una Polonia que se va o se ha ido, mientras en la joven Ida está la Polonia por venir y que debe vivir un período que le ha sido negado de manera histórica, tanto como a Ida le ha sido negado el placer de la sensualidad en la claustrofóbica religiosidad del convento. Esta trama-poesía no nos calaría tanto, si no fuera por las buenas actuaciones en pantalla: la de Agata Trzebuchowska como Ida y, sobre todo, la de Agata Kulesza como Wanda. El tono lírico se fundamenta en la excepcional fotografía que hace, del blanco y negro, un elemento narrativo, tanto en su función estética como en su función dramática, eso más la música. Ida es película de carretera, de un viaje en automóvil hacia alguna parte (que aquí debemos ocultar). No se equivocan quienes notan la influencia del cine del sueco Ingmar Bergman y, sobre todo, la del francés jansenista, el gran Robert Bresson. Esta película no es derroche de tecnología, aquí juegan otros valores: inteligencia, sensibilidad, dignidad artística, humanismo, elegantes formas y mejores resultados.

domingo, 3 de mayo de 2015

Los Vengadores: Era de Ultrón: cine para los fans. Punto.


Aún recuerdo las postalitas que uno coleccionaba de superhéroes en álbumes comerciales. Muchos de esos “semidioses” permanecen en el imaginario de lo fantástico, gracias al cine. Las películas con estos sujetos nos vienen igual que las postales de mi niñez, o sea, son coleccionables. Lo escribo a propósito del esperado estreno (para los seguidores) de la película Los Vengadores: Era de Ultrón (2015), dirigida con eficacia visual por Joss Whedon, también guionista según historietas de Stan Lee y Jack Kirby. Ellos pelean contra el mal y también entre sí, por razones pueriles. También se enamoran. Hasta ahora son amores de tipo heterosexual, entre Hulk y Nat, por ejemplo, conocida como Viuda Negra. De pronto, como una moda autoimpuesta, estos héroes tienen sus catarsis individuales y ahondan en sus propios laberintos emocionales: lo traumático. Cuando hay amores, el filme es cursi por melindroso. De erotismo, cero. Ahí no son tan “valientes” los héroes. Si es por traumas de cada quien, esta película tiene buenas secuencias e interesa un tanto más. Las peleas son buenas por sus logros visuales, no conceptualmente. Cada pelea es como una película dentro de otra película más grande: este filme es la suma inorgánica de sus partes sin que el total las supere: no hay sinergia en calidad; la película se siente más grande en refriegas de las que tanto gusta su público, no en conceptos, de ahí tanto diálogo superficial. Hay buen estado histriónico. Estas “pelis” son coleccionables para los “fans”. Según algunos psicoanalistas, ello es expresión adulta de la etapa anal de la infancia, pero esto es otro tema. Entretiene.

lunes, 27 de abril de 2015

"Whiplash: Música y obsesión": buen tratamiento


En Whiplash, el jazz es asunto dramático
 plasmado con sinceridad y devoción


La película Whiplash: Música y obsesión (2014), escrita y dirigida por Damien Chazelle, dice su historia sin alardes narrativos, pero con limpieza visual. Es el paso primero de su bien calada expresividad. Con la dureza misma de un redoble de tambor, esta película relata las contradicciones entre un músico director de una banda de jazz y un joven baterista, a quien se le exige más y más, desde la tiranía del poder del director mentado. El filme pone en el tapete el asunto de si debe haber o no algún límite en las exigencias de un maestro para con su discípulo, asunto llevado –incluso– al plano ético. Como concepto, Whiplash: Música y obsesión es cine sobre el triunfo del individuo por encima de cualquier obstáculo, metáfora del alienante pragmatismo liberal en economía y política. La película se concentra de tal modo en el joven músico, llamado Andrew, que su éxito parece ajeno a la importante noción de conjunto, necesaria en una banda u orquesta, cualquiera que sea. Incluso, dentro de los repetidos diálogos del filme (esto por la presencia de su trama monotemática, lo cual no le es virtud), dentro de tales diálogos se oye decir que si un músico no tiene habilidad para un instrumento, acaba tocando rock. Un roquero podría contestar que si un músico se equivoca una vez es un error, pero si se equivoca dos veces es que ejecuta jazz, pero el guion literario del filme no le da esa oportunidad. Pese a su argumento monotemático, Whiplash: Música y obsesión se permite un buen tratamiento de su historia. Lo hace sin fisuras, con excelente apoyo de su banda sonora, con fino trabajo en fotografía (el color es sígnico) y con logrado punto de giro hacia un clímax dinámico. Como ven, no es poco.

lunes, 13 de abril de 2015

Günter Grass y Eduardo Galeano mueren para ser recordados


El premio Nobel de Literatura alemán Günter Grass ha muerto este lunes 13 de abril a los 87 años en la ciudad de Lübecker. Considerado el más importante escritor en lengua alemana de la posguerra y referente político en su país, Grass alcanzó fama mundial con la publicación de su novela "El tambor de hojalata" en 1959. Oriundo de la ciudad polaca de Gdansk, Grass y encarnó al intelectual de izquierda comprometido y participante activo del debate político alemán. En 2012 retornó al centro de la polémica al considerar a Israel “un peligro para la paz mundial” en su poema "Lo que hay que decir". El tambor de hojalata guarda silencio, guarda sus bolillos.

"Dejemos el pesimismo para tiempos mejores": Eduardo Galeano, revolucionario uruguayo-nuestroamericano, martiano y bolivariano, poeta, apasionado del fútbol, importante escritor y el mejor periodista, amante empedernido de América Latina, el hombre de las palabras-venas abiertas y solidarias, se despidió del mundo y, en especial de su América amada y efervescente, a los 74 años, 13 de abril, 2015. Nos quedan sus palabras en tantos libros. “Soy un escritor que quisiera contribuir al rescate de la memoria secuestrada de toda América, pero sobre todo de América Latina, tierra despreciada y entrañable”.

domingo, 12 de abril de 2015

"El último amor del señor Morgan": película frustrada por cobardía

¿Cómo una película puede comenzar bien y terminar tan mal? Ahora se trata de El último amor del señor Morgan (2013), filme escrito y dirigido por la alemana Sandra Nettelbeck y con actuación del británico Michael Caine. Nos encontramos ante un relato de buen comienzo e interesante al principio. Lo que sucede luego es casi inexplicable. La película pierde fuelle y se hunde en su autocomplacencia: solo queda del ahogado el sombrero: la presencia del actor Michael Caine no es suficiente. Eso sí, en la retina nos queda la exquisita actuación de la joven actriz Clémence Poésy. La historia va a tono del melodrama con un personaje crepuscular: el señor Matt Morgan. Un día, en el bus, en París, el señor Morgan conoce a una jovencita generosa llamada Pauline Laubie (¡aquí Clémence Poésy!) y, entre ellos, surge una galana empatía que roza el más extraño amor. Lo que comienza con deliberado tono poético, como si fuese sonrisa de la vida, empieza a enredarse en sus propios mecates al transcurrir el relato y, entonces, la narración le quema las manos a la directora (pese a tener de base la novela de Françoise Dorner). Pasado el primer tercio, todo parece un despropósito, más bien. En lo que sí este filme no escatima imágenes es para mostrar el encanto de París y esto podría valer el boleto. Eso y Clémence Poésy.

Breve crítica de teatro: no más de lo que se necesita...

Leonardo Perucci es Pablo Neruda
y Arturo Campos es el cartero de Isla Negra
"Ardiente Paciencia: El cartero de Neruda"
Texto de Antonio Skármeta

NOCHE del mejor teatro, del que es cada vez más esporádico en Costa Rica. Acudan al Teatro 1887, Cenac, a ver "ARDIENTE PACIENCIA: EL CARTERO DE NERUDA". Es teatro serio, emotivo, conceptual, bien llevado y mejor actuado con Leonardo Perucci y Arturo Campos (FOTO), con Katia Mora y Arabella Salaverry. Solo quedan funciones sábado 11 y domingo 12 de abril. Esta obra y puesta en escena, dirigida por Leonardo Perucci, es oasis en el desértico teatro costarricense. Valga la metáfora para nada nerudiana. Qué lástima que sean tan pocas funciones, mientras el teatro mediocre se plagia a sí mismo con tantas y tantas funciones de malas comedias en otras salas.

lunes, 6 de abril de 2015

"Rápidos y furiosos 7": busca deleitar con sus propias tonteras

¿Furiosos? Con más presencia mediática que propia calidad, 
llega filme de acción al uso para su desuso
Por más que la mencionen en la película Rápidos y furiosos 7 (2015), lo cierto es que la ley de la calle ya se perdió del todo en dicha saga. Lo que queda ahora, con esta sétima y alargada versión, es pura aventura con más hormonas que talento en el guion. Aceptemos que el director del caso, el malayo James Wan, sabe meterse con cine de acción y no solo de terror. Este joven director (tiene 38 años, por ahí) muestra gusto y elegancia en el movimiento de cámaras. Igual, James Wan se deleita con el diseño coreográfico de los combates en grupo. Y ya. El filme es solo el empalme de distintas circunstancias, al punto que uno se siente ante cuatro cortos en un solo metraje. Es cine que intenta deleitarnos desde sus propias tonteras y desde sus diálogos cajoneros. No solo eso, hay que ver lo cursi que se pone esta película cuando le entra al melodrama familiar. Aquí nadie actúa bien: los histriones (ellos y ellas) son más esquemáticos que el diseño de sus personajes: lo rocambolesco del filme los hunde en la nada. Con banda sonora que aturde y sin precisiones de fotografía, no creo que Rápidos y furiosos 7 ni Dominic Torretto, su personaje, merezcan una película más.

domingo, 5 de abril de 2015

"Fuerza mayor", buen cine al estilo escandinavo y algo más

El patriarcado queda en alitas de cucaracha con la trama de la buena película Fuerza mayor (2014), dirigida por el sueco Ruben Östlun, nacido en 1974. No solo el patriarcado. Así, por ejemplo, en secuencia entre dos mujeres, no solo se discute sobre la importancia o no del hombre en la familia, sino también sobre la validez o no de la fidelidad en la pareja. Las valiosas situaciones dramáticas de esta película y su humor negro , tienen como causa un hecho natural: se trata de un alud de nieve en un hotel de montaña mientras los turistas comen en el restaurante. Con Fuerza mayor, al buen estilo escandinavo, tenemos un drama penetrante donde el humor igual refuerza el desarrollo de lo trágico. El guion es del propio director quien maneja muy bien la progresión dramática, que se afinca en los sentimientos de los personajes, cuando un miembro de la familia, nada menos que el esposo y padre, huye de la avalancha nevada y abandona a los suyos. Este acto tiene consecuencias imprevisibles que aquí no vamos a contar. Son las que le dan sustento e inteligencia al argumento del filme, con resultados convincentes gracias al loable pulso narrativo del director Östlund. Una de sus mejores imágenes la vemos cuando se recrea una especie de Piedad, donde la mujer madre y esposa cubre a sus hijos y marido en medio del lloro colectivo.Las actuaciones son excelentes. Dentro de ellas, la de la actriz noruega Lisa Loven Kongsli: ¡qué intensa ella sin gestos innecesarios! Por su parte, la música subraya bien lo emocional, con repetidos compases del “Verano” de Vivaldi como advertencia o “leitmotiv” (¡en invierno!) y con la suma de penetrantes efectos de sonido. La historia dura cinco días. Así se narra, día a día, de manera circular y con cierre relevante.

lunes, 30 de marzo de 2015

"La sal de la Tierra": fotos revolucionarias que piden humanismo

Tierra y sal: Un filme es capaz de hablarnos cara a cara mientras cuenta la vida de un quijote de la fotografía: Sebastião Salgado


El ser humano está llamado a dominar la Naturaleza, a dirigirla; con ello, procurar el bien a la humanidad. Esa frase llegó a ser parte del cosmismo ruso, sistema filosófico desarrollado por Nicolái F. Fiódorov (1829-1903) con otros pensadores de su época. Ese concepto –hoy ecologista– aún no sabía del carácter depredador del capitalismo, capaz de convertir la Naturaleza en mercancía, de expoliarla, usurparla o desfalcarla para satisfacer el instinto del vano enriquecimiento económico. Ahora llega al cine un documental extraordinario que nos da en el rostro con esa temática. Se trata de La sal de la Tierra (2014), producción francesa dirigida por Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado. El documental nos lleva más allá. Con valentía y arte nos señala que esos instintos llenos de avaricia de la humanidad ante la Naturaleza se extienden –como si nada– a una relación prácticamente criminal entre el género humano: el hombre contra el hombre. Para convencernos de su tesis y mediante emotivo ensayo visual, La sal de la Tierra estructura sus conceptos y los verifica a partir de una situación que no deja de ser narrativa. Así, se nos describe la vida de un hombre puro compromiso: el conocido e indomable fotógrafo brasileño Sebastião Salgado. Desde hace 40 años, Salgado recorre tierras y gentes, paisajes y aprietos, captando con fotografías la mutación negativa de la humanidad. Sebastião Salgado ha convertido su cámara en arma de lucha mientras registra trances que degradan la condición humana. A veces lo hace con dolor. A veces con mucho escepticismo. De pronto le da lugar a la esperanza. ¿Cómo no admirar a Sebastião Salgado?, él clama desde los rostros humanos y desde los paisajes esclavizados que, mediante sus fotos, resultan viscerales. Gran documental, no solo por la validez de sus conceptos, sino porque también es cine genialmente entendido desde su propio lenguaje.

Texto completo en:
http://www.quioscogruponacion.com/es/viva-2015-03-30-013841vivaaaaa-0abc-1111-2222150330/14

lunes, 16 de marzo de 2015

"Viaje": filme fallido, sin intensidad progresiva y final falso


Es evidente que, en términos formales, la joven directora opta por un trato minimalista al narrar sus historias. Podríamos decir que va más en búsqueda del concepto y excluye, de hecho y visualmente, lo que a ella le parece un sobrante. Incluso, ¿por qué no?, la expresión visual de la historia en blanco y negro puede ser parte de ese minimalismo. No dudo que el manejo de los tonos blanquinegros y de lo grisáceo está bien gobernado, aunque no siempre deviene signo de algo (es significante, envoltorio, no significado, según el modelo saussuriano). A ver si me explico mejor: el filme en blanco y negro está bien plasmado, es un trabajo limpio, pero no siempre en función de lo narrado. En esa onda, por ejemplo, uno extraña la ausencia de sombras propiamente dichas (luces y sombras). ¿La historia? Es básica, demasiado: chico encuentra a chica, chica y chico se van juntos a alguna parte, chico y chica se separan, chica y chico se reencuentran. Ese es el viaje de la película Viaje. De original, nada; sin embargo, esto no define la calidad del filme. Es otra cosa: aunque la historia discurre de manera agradable, sin incoherencias que la maltraten, la verdad es que el viaje resulta del todo predecible, sí, lo que comienza como una “travesura” del destino se convierte en sosegada historia de amor. Búsquese cualquier sinónimo del adjetivo calificativo “sosegada” y vale para el caso. En ello, los diálogos brillan por su superficialidad (a menos que se nos quiera decir que los jóvenes de hoy son así de superficiales, lo cual no es cierto). Con ese viaje, encontramos una visión sumamente convencional y hasta blanda del amor, sin ningún trasfondo duro. ¿Eso pretende Paz Fábrega, también guionista? Está bien, pero el cine (sobre todo el cine-arte) es una herramienta para más, no se trata de hacer un duplicado de la realidad. Esto no lo hace ni el realismo. Lo peor es que esa insustancialidad narrativa, con escasa tensión dramática, sin nudos ni funciones cardinales que den lugar a nuevas o más vibrantes situaciones, llevan al filme a ser –sobre todo– mera catálisis, ahí: descriptivo. Diseño flojo. El doble final de la película puede complacer a muchos, tanto más a los que gustan de finales felices, pero no deja de ser también especie de temor narrativo: ¿unir a la pareja de nuevo, para qué? ¿Signo del triunfo del amor sobre la amistad con sexo? Mmmmm, resulta muy conservador el asunto. Bueno, total, cada quien finaliza su historia como quiera, pero la debilidad dramática es sensible en este caso. Otros elementos caminan bien, como música y montaje; pero se debe cuestionar el uso empalagoso de los primerísimos planos para personajes hablando “naderías” o con sexo resuelto de manera tímida. Es muy malo el sonido. Además, ante una expresiva actuación de Kattia González, la de Fernando Bolaños es menos convincente. Total: ¿qué hacer con personajes diseñados de manera floja y sin conflictos internos? Este viaje en Viaje, la película, es exteriorizante, de ahí su superficialidad y la ausencia de un “proceso total”. Filme fallido, sin intensidad progresiva, cuyo “verosímil” peca de no exprimir lo que mejor existe como eje narrativo en cine y literatura: un viaje o una odisea.

domingo, 15 de marzo de 2015

"La cenicienta", según Disney, de 1950 al 2015: sus cambios

En el 2015...
En 1950...
En 1950, Disney realizó para el cine su primera versión del cuento de Cenicienta. La hizo con dibujos animados. Dicho filme se asemeja más al cuento del francés Charles Perrault que a la versión alemana de los hermanos Grimm. Ahora, con el desarrollo tecnológico, Disney se atreve a lanzar de nuevo esa historia dela muchacha llena de ceniza luego de dormir junto al fuego, degradada por culpa de su madrastra y hermanastras. La película nos llega con el nombre de La cenicienta (2015) y se basa en el guion de la película de 1950, solo que los dibujos animados han sido sustituidos por actores reales y por animales logrados a pura computadora. Es versión pensada para nuevas generaciones, sin desestimar a las anteriores, en manos de un buen director, el irlandés Kenneth Branagh, quien le da un bien renovado acento dramático a una historia harto conocida. De esa manera, lo escénico es fundamental para esta película, no solo con criterio teatral, sino también por la colorida y rica ambientación de estilo operático. Por supuesto que la maña de dicho director por algún lado cede al estilo de Disney y persisten escenas lacrimógenas con soluciones visuales cursis, agravadas por las actuaciones no tan convincentes de Lily James (Cenicienta) y de Richard Madden (como el príncipe). Para salvar lo actoral, está Cate Blanchett, como una madrastra singularmente cruel desde un potenciado glamour. Es versión neobarroca.

domingo, 8 de marzo de 2015

"Alma Salvaje": película sobre los fantasmas internos

Un solo viaje con doble sentido (físico y anímico) da lugar a un filme emotivo y tenso: Alma salvaje
La vida es áspera y es un conjunto de retos: es un caminar constante hacia alguna parte. Cuando el cine se plantea premisas así cumple el mejor de sus objetivos: narrar una vida en proceso antes que duplicarla. Sucede ahora con un filme muy bien logrado: Alma salvaje (2014), con el sello autoral de su director canadiense Jean-Marc Vallée. Dicho director nos dio gran lección de dinamismo dramático con la narración de la vida del vaquero Ron Woodroof, enfermo de sida por tener sexo sin protección, en la película El club de los desahuciados (2013). Esta vez, con Alma salvaje, se nos muestra la emocional aventura de Cheryl Strayed, quien emprende una caminata de más de mil millas por las Cimas del Pacífico, Estados Unidos (desierto de Mojave).
 Sola frente a la Naturaleza indomable, ella va tras su propio llamado y su propia catarsis, sin ninguna experiencia, en un medio agreste y machista, luego de la traumática muerte de su madre: Bobbi. Ese difícil viaje no es solo un éxodo físico, es también un viaje anímico. Ella desea despojarse de sus fantasmas internos, de su adicción a drogas fuertes y de su irresponsable conducta sexual, lo que la llevó a perder su matrimonio y al hombre que amaba. La historia no está narrada de manera lineal. Con ayuda del montaje oportuno de Martin Pensa y John McMurray y del buen guion de Nick Hornby, basado en el libro “Salvaje”, de la propia Cheryl Strayed, el director logra darle hondura al relato desde bien logradas retrospecciones. Las actuaciones de Reese Witherspoon y de Laura Dern son superlativas, sobre todo la de Laura Dern, como Bobbi, la madre. Entre ellas dos, en la película, corren la alegría y el dolor, la vida y la muerte, el candor y la aspereza. En fin, Alma salvaje es la historia en presente de una joven hacia su futuro, mientras ella debe luchar con las carlancas del pasado, todo bien narrado, con vigor, pese a algunas pocas secuencias más bien cursis. Buen filme que vale el boleto.

lunes, 2 de marzo de 2015

"Código Enigma": Alan Turing en cine: abarca y no aprieta


Código Enigma: El cine inglés tiene su estilo para rodar filmes biográficos y ahora un noruego lo hace de esa manera

Morten Tyldum es director de cine noruego que estudió para tal en Nueva York. De él es El código Enigma (2014), filme inglés. Dicha película narra de manera amplia la vida del genio criptoanalista y matemático británico Alan Turing (1912-1954), encarnado por Benedict Cumberbatch. De una vez, aclaremos que su actuación es monolítica, en el sentido de que “pescó” su personaje de una manera y así lo sostiene durante todo el filme: ausente de matices. El problema es que un personaje así más parece maniquí que ser humano: Se trata de una caracterización monotemática. Un personaje así trazado, me rompe el concepto de verosimilitud que la propia película se esfuerza por crear y mantener. Los acontecimientos se dan en 1952, cuando Alan Turing es tomado preso y luego acusado de “indecencia grave”. De ahí en adelante, el filme juega bien el manejo del tiempo en su presente histórico y con bien esgrimidas retrospecciones. Dos líneas han de converger en la trama. Una es la del Alan Turing pionero informático, quien fue capaz de descifrar los códigos de los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, los de la máquina Enigma. La otra es la del Turing incapaz de definirse a sí mismo o de descifrar su código emocional de manera determinante, acusado y castigado de manera harto injusta por ser homosexual, lo que lo lleva al suicidio. Otro problema es que cada vertiente argumental tiene sus propias subtramas y, de pronto, la película abarca, pero no aprieta: le falta involucrarse más, le falta teñirse con la sangre que corre por las venas de sus personajes e, incluso, tomar partido ante lo que narra.

domingo, 1 de marzo de 2015

"Kingsman: El servicio secreto": vuelven espías con paraguas

He aquí una película modesta en ambiciones y sencilla en planteamientos, pero incisiva, agradable y entretenida en sus resultados. Se trata del filme inglés titulado Kingsman: El servicio secreto (2015), dirigido por Matthew Vaughn. Es película atractiva, paródica y valiosa. Es la historia de un viaje interno, el de un muchacho desclasado, sujeto marginal dentro de un sector social degradante, quien, de manos de un veterano agente secreto inglés, encuentra la ruptura con aquello que lo aliena y deviene “otra” persona. Al tiempo, una amenaza emerge por culpa de cierto genio del mal y, así, ambas situaciones serán una sola. 
Lástima que la actuación del muchacho, Taron Egerton, no sea la mejor. Peca por su falta de convicción, lo que no sucede con el resto del reparto, donde se lucen Colin Firth, Michael Caine y Samuel L. Jackson (genial como el sujeto sin escrúpulos con ansia de poder total). Pese a sus estereotipos, Kingsman: El servicio secreto maneja bien su propia lógica, incluso con su osado diseño artístico estilo “vintage” (donde, para un agente secreto, un paraguas es más importante que cualquier arma ultramoderna). Hay secuencias excelentes, como aquella mientras se escucha música de Edward Elgar o la de los paracaídas o la pelea con el paraguas. Los giros del relato sorprenden y enriquecen el entretenimiento de manera audaz, para beneficio del público. Esta película sabe reírse de sí misma (ah, y de la monarquía sueca, ¡ja!). Siente cariño por los espías y recordamos a muchos de ellos, del cine y de la televisión, como 007, Súper Agente 86, Los Vengadores, Mini Espías y otros. Ojalá vayan a disfrutarla.

miércoles, 25 de febrero de 2015

"El francotirador": la humanidad en la mirilla del tirador

Una y otra vez hay que lamentarse de películas que se basan en hechos reales: son las menos convincentes. Sin embargo, cuando un director capaz es quien narra, la historia cambia

Eso último sucede con ese buen filme titulado El francotirador (2014), dirigido por Clint Eastwood, eslabón entre el cine clásico de gran peso narrativo a lo John Ford, Howard Hawks o Don Siegel y el megacine que abarrota pantallas en estos tiempos. Sí, cierto, los tiempos míticos del sétimo arte ya han pasado. Con su película, Clint Eastwood nunca defiende la invasión a Irak. La muestra con magníficas imágenes: la guerra es cruel y hace -de un soldado- un asesino, aunque este dude antes de jalar el gatillo. Con la figura de un francotirador, Clint Eastwood establece que la crueldad se anida no solo en un soldado, sino que este es la figura retórica de la barbarie. Cuando el francotirador regresa a su hogar es un tipo inestable, destruido o alienado por su inculcado patriotismo: ese hombre es producto de una sociedad patriarcal, armada y de superhéroes (modelo que el francotirador repite con su hijo: determinismo histórico propio de un país como Estados Unidos). Con la guerra, Eastwood nos deviene cómplices, porque somos más que mirones o fisgones al ver al francotirador acomodar la mirilla de su rifle: nosotros igual vemos desde ahí, apuntamos igual e igual disparamos. Es cuando se luce el actor Bradley Cooper, mientras la actriz Sienna Miller es la mujer que humaniza los acontecimientos. Con diferencia de tono, Clint Eastwood nos acerca a la tragedia griega. El francotirador es “una mirada al horror del hombre contra el hombre”. Esto narrado con arte visual.

martes, 24 de febrero de 2015

"Selma": el cine en la historia con compromiso ético y social

Selma: Un drama personal es el de una población específica y el de un país; esto bien se muestra ahora en cine


La marcha desde Selma

En 1965, el presidente de Estados Unidos, Lyndon B. Johnson, aprobó la ley que le permitió a la población negra el ejercicio del voto; sin embargo, esto no fue un simple acto de buena voluntad.Atrás de la decisión del señor Johnson se daba un fuerte y valiente movimiento popular en las calles. Esto presionaba fuerte, no solo a la Casa Presidencial, sino también al FBI y a los propios republicanos que se oponían a dicha ley. Al frente de esa lucha estaba Martin Luther King Jr., predicadorcomprometido con la importante lucha por la igualdad racial entre blancos y negros. Estos acontecimientos son los que se reflejan ahora en la valiosa película inglesa titulada Selma: El poder de un sueño (2014), dirigida por Ava DuVernay. Este filme logra darnos una sincera caracterización sobre el personaje principal (Luther King) e, igual, un registro bastante completo de esa época (pulcra ambientación). Es significativo lo bien que logra esta película unificar un drama personal, incluso en sus tonos familiares, con el drama social de sujetos excluidos de sus derechos tan solo por el color de su piel. De ambas vertientes, la película logra mostrar los sucesos como un solo drama nacional e histórico. Si bien la película se concentra en la marcha desde Selma hasta Montgomery (Alabama), su defensa de los derechos civiles es discurso bien planteado como actual y procedente. Este filme habría sido mejor si hubiese potenciado las soluciones visuales en lugar de recurrir tanto a diálogos explicativos e ilativos de la historia, aunque ello permite ver mejor el gran calibre de las actuaciones. 

lunes, 23 de febrero de 2015

"En el bosque": sobre cuentos, filme que pierde cohesión

En el bosqueAmasijo de cuentos de los hermanos Grimm que no pasa de ser, en cine, algo así como un tamal mal amarrado. 

El realizador Rob Marshall explotó de manera exitosa en el 2002 con un musical aún muy mentado: Chicago, con dos mujeres en la cárcel, según el argumento. Ahora regresa con otro musical, especie de alocada mixtura de cuentos de los hermanos Grimm. Esta nueva película del señor Marshall (también coreógrafo y director de teatro) viene con el título de En el bosque (2014). Es la versión cinematográfica de un musical exitoso en Broadway, cuya música me parece del todo insípida. La acción se ubica en un bosque mágico. Aquí se trata de una bruja fiel a sus sortilegios: ella desea recuperar su belleza original, para lo cual necesita el rojo abrigo de Caperucita, el zapato dorado de la Cenicienta, un ramillete del cabello de Rapunzel y una vaca blanca como la leche. Para tener eso, la bruja obliga a un panadero y a su bella esposa para que los busquen. A cambio, podrán tener un hijo. Es cuando aparece Jack, quien hace loco con sus frijoles mágicos y con sus idas a lo alto del cielo, donde habitan gigantes. También aparece un par de príncipes vanidosos. El más joven desea liberar a Rapunzel, encerrada por la bruja. El otro quiere enamorar a Cenicienta; sin embargo, seduce a la esposa del panadero. Hay un lobo que canta muy feo y, aún así, se come a la abuela de Caperucita, mientras esta se come las rosquillas del panadero. En fin, de no acabar. La trama de la película se enreda de manera antojadiza, sin lógica alguna, ni con sus causas ni con sus efectos. Es fábula minusválida por su ausencia de moraleja... ¡puro cuento!
Esta crítica continúa en comentarios con otros detalles...

martes, 17 de febrero de 2015

"Boyhood: momentos de una vida": la veneración a Linklater

POLÉMICA ABIERTA: 'BOYHOOD' Y LINKLATER
Dice el refrán: “Para hablar y comer pescado hay que tener cuidado”. Así es, “cuidado” debemos tener para hablar de la película Boyhood: momentos de una vida (2014), dirigida por Richard Linklater. Los filmes de Linklater han contado con la devoción y fidelidad de los críticos, quienes le admiran su afán de hacer cine prácticamente desprovisto de toda narrativa, algo así como ir a misa sin ropa. Eso significa que Linklater se preocupa poco de las estructuras propias de un relato, o sea, no busca narrar una historia; aunque sí la narra y hasta desliza un discurso (digo). Muchos críticos prefieren creer que no lo hace, para venerarlo más. También le elogian su aventura de filmar con escasos movimientos de cámara. Dicen ellos que Linklater solo muestra la vida tal y como es, tal y como fluye, al natural, ¡es la vida! Con Boyhood, filme de alargado metraje sin necesidad alguna, ha sucedido lo mismo. Los vítores de los críticos para Linklater son bulliciosos. Ahora le elogian que gastó 12 años en el rodaje de un drama con los mismos actores, como si esto fuese el más novedoso “toque experimental” del cine en toda su historia. En concreto, Linklater filmó del 2002 al 2013 el crecimiento de un niño llamado Mason (Ellan Coltrane). En la película lo que mejor pasa es el tiempo y son bien mostradas las crisis de la madre de Mason, quien va de un marido a otro, agredida.
¿Necesariamente debe el cine contar una historia? Jean Epstein en su momento escribió: “Deseo filmes donde no ocurra ni nada ni mucho”; de acuerdo. Pero eso no da permiso para hacer un filme aburrido con el pretexto de lo “no-narrado”. Este es el camino más fácil para hacer cine y Linklater anda por ahí. Imagino que la palabra “aburrido” enoja a la crítica académica. Pero eso es Boyhood, la verdad, porque es más interesante ver moverse el rabo de un cerdo que seguir la “no-historia” de dicha película.

En cine, si alguien se decide por desdramatizar un drama, entonces que –al menos– nos dé una realidad plena de misterio o cargada de simbolismos, aunque sean simbolismos latentes. Linklater no lo hace: lo único suyo es filmar durante doce años con actitud de seguimiento de una vida. ¡Vaya, qué genio! De ahí, excepto por Ethan Hawke, es evidente la mala dirección de actores. Hay música sin luz propia. La fotografía es insulsa. Los diálogos son superficiales (así, hasta cuando desprecian al expresidente de EE.UU., George W. Bush). De destacar, sí, el montaje, porque deja al público reconocer las transiciones para el paso del tiempo y para evitar los altibajos en el compás del filme. Igual, están bien las recreaciones de distintas épocas con signos de cada una. “¡Como la vida misma!”, le elogian a Boyhood. Está bien, pero que al menos lo haga mejor (pensemos en Truffaut). Total, como decía Hitchcock, el público no debe pagar un boleto para ver “la vida misma”.

domingo, 15 de febrero de 2015

"Cincuenta sombras de Grey": amor con amarras (bondage)

La novela “Cincuenta sombras de Grey” llega al cine 
y resulta menos agradable que serenata de gatos callejeros

Eroducción, este término se ha acuñado para (también) definir al cine oscilante entre el erotismo y la pornografía, casi siempre transmutado en simple operación comercial para recuperar pronto el dinero invertido. Este es el caso de la película Cincuenta sombras de Grey (2015), dirigida por Sam Taylor-Johnson y basada en el primer libro de la trilogía literaria escrita por la autora inglesa E. L. JamesEste tipo de cine tuvo su empujón definitivo en Suecia, cuando Vilgot Sjöman completó su díptico titulado Soy curiosa (1967), a tal punto que la historia del sexo en el cine se divide en dos partes: antes y después de la citada película sueca. Como glosa, debo insistir en que el cine y la literatura tienen dos gramáticas diferentes. Así pues, afirmo que Cincuenta sombras de Grey es una mala película, y lo alego con independencia del libro, el cual, ciertamente, no he leído ni pienso leer. 
El filme intenta ser un estudio de la relación entre las estructuras emocionales de sus personajes y la conducta sexual enfermiza de ellos.En cuanto estudio de los laberintos psicológicos, la película es más bien superficial, y, en cuanto expresión visual de desnudos o de sexo, le falta maña para ser más sugerente: lo que se ve es más conocido que la ruda y deviene en imágenes repetitivas, algo así como llover sobre mojado.Incluso, las secuencias con “bondage” a bordo tienen más tono televisual que de cine. Se puede rescatar la belleza física de la pareja histriónica, pero nunca un supuesto talento actoral: Jamie Dornan es pésimo actor y Dakota Johnson solo tiene algunos buenos momentos como actriz, siempre y cuando esté vestida, porque cuando se quita la ropa se le cae el talento.

La trama la conoce casi todo el mundo: una joven inocente (Anastasia) se enamora de un tipo millonario cargado de traumas (Grey). Para cuando ella se espabila, él la ha reducido a la sumisión total y a la humillación absoluta.En lo conceptual es donde este filme es un asco, porque en lo formal y como estructura narrativa es solamente película de mala calidad. No hay que ser feminista para sentir pronto el carácter machista y misógino de la trama de la película (¡y eso que la directora es mujer!). Es definitivo que dicha realizadora no supo erotizar el relato ni tampoco profundizar en él. Es como una radiografía del hombre invisible. La única progresión del argumento es llegar a saber si Anastasia irá o no al cuarto lleno de chunches sadomasoquistas (especie de baticueva del sexo).Hay ciertas canciones bien escogidas, más bien para la venta posterior del disco con la banda sonora. Está claro, no se trata solo de quitarles la lana a las ovejas, sino, además, despellejarlas. La fotografía tiene elegancias ocasionales y al parloteo de los personajes le agregaron humor poco oportuno (¿para qué?). Como película, Cincuenta sombras de Grey no calienta ni la pantalla; igual, como acto de narrar es tibio. Sin tonalidades ni vida. Solo sirve para perder el tiempo.

lunes, 9 de febrero de 2015

"Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia)": ¡exc!

 Me encanta que directores latinoamericanos sacudan la pereza argumental del cine de Hollywood, y lo hagan ahí, en el propio patio de esa gran industria. ¡Que sacudan neuronas!

Hace un año lo hizo Alfonso Cuarón con su película titulada Gravedad. Ahora lo hace otro mexicano: Alejandro González Iñárritu, quien nos trae un filme de largo título: Birdman o (La inesperada virtud de la ignorancia), del 2014, película que le da ardor al drama y que, por igual, le da rigor de sátira a la comedia. Birdman es buen ejemplo de eso que llamamos “comedia negra”. En este caso, para hacernos reír –con cierta amargura– de personajes sin control de sus vidas y dominados por obsesiones laberínticas. Son sujetos disfuncionales en una sociedad igualmente disfuncional. Con Birdman, González Iñárritu hace de la película  una singular figura retórica sobre la condición humana en un escenario específico. Con excelente actuación de Michael Keaton, el filme se sumerge en humor negro para narrar la historia de un viejo actor alicaído, quien conoció sus mejores momentos cuando encarnaba a un icónico superhéroe (de esos que se repiten hoy en películas a la carta). En su época, él fue el gran BirdmanLa suma de hechos lo visualiza la película mediante un (falso) plano-secuencia (como una sola hilada con una sola aguja). Es arte dificultoso bien resuelto gracias a la mirada habilidosa del director. Con trabajo de Antonio Sánchez, la música es brillante como énfasis de lo visual. Es perfecta la fotografía de Emmanuel Lubezki, ¡puñeta!, ¡qué bien! Se lucen actrices y actores, quienes encarnan a actrices y actores de teatro en disímiles situaciones. El título del filme aporta poco o nada como primera expresión del contenido. Aún así, una vez que el filme entra en uno o uno entra en el filme, es harto difícil desatender lo que expresa.
Para leer la crítica completa, CLIC en
http://www.nacion.com/ocio/cine/Birdman_0_1468453219.html

martes, 3 de febrero de 2015

"La teoría del todo": ciencia y amor, ateísmo y fe en el cine


Si hay algo hay que alabar de la película inglesa La teoría del todo (2014), dirigida por James Marsh, es el pulido profesionalismo para mostrar aspectos personales de Stephen Hawking, el físico de mayor renombre de la época actual por sus aportes al conocimiento sobre el origen del Universo. El filme es abanico de sentimientos e ideas: ciencia y amor, ateísmo y fe, cosmología y arte. Puede resultar triste sin invadirnos de manera lacrimógena. Es película burlona con buen humor. Es biográfica (biopic) sin temerle a las emociones. El filme se detiene bien en lo más conocido sobre Hawking: su enfermedad motoneuronal relacionada con esclerosis lateral amiotrófica, que lo deforma físicamente y lo obliga a hablar por medio de aparatos generadores de voz. Esto lo muestra con el soporte de la buena y difícil actuación de Eddie Redmayne, quien maneja bien los matices del personaje. Está claro: lo que mejor se expresa en La teoría del todo es la relación amorosa, desde muy jóvenes, entre Hawking y su compañera sentimental por mucho tiempo: Jane, con la sutil actuación de Felicity Jones (el científico se ha casado dos veces y tiene tres hijos). El filme tiene maciza reconstrucción de época; pero a la película bien se le puede exigir más creatividad visual (es muy conservadora al respecto). Con sus señaladas “debilidades”, al juntar sus distintos elementos positivos, tenemos filme para recomendar.

Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-teoria_0_1467253316.html

domingo, 1 de febrero de 2015

"El Codo del Diablo": cuando el terror es asunto político

He aquí un filme documental cuyo título es la primera aproximación al contenido del mismo: El Codo del Diablo 
 El documental (2014) es costarricense y aparece escrito y dirigido por dos hermanos: Ernesto y Antonio Jara Vargas, dueños de una sensibilidad especial para expresar un momento trágico de la historia política de Costa Rica con dolido lirismo. La habilidad de los hermanos Jara Vargas logra que uno, como espectador, nunca sienta su documental como discurso, aunque lo sea; total, dice Emile Benveniste, “un filme tradicional se presenta como historia, no como discurso; sin embargo, es discurso”: es solo que en El Codo del Diablo bien se supera la simple enunciación. Con este documental se nota la exigencia investigativa y el afán por esclarecer un hecho histórico que, en la Costa Rica de 1948, fue “explicado” de determinada manera por los sectores vencedores de la guerra civil. Con imágenes que refuerzan y comentan muy bien lo que se dice, el documental narra primero la encarnación de las ideas sociales en la clase trabajadora de entonces en nuestro país. La presencia del dirigente comunista Manuel Mora va hilando los hechos políticos. Luego investiga sobre la huelga bananera de 1934. Conocemos de los dirigentes de la lucha en Limón. Aparece José Figueres con su afán por evitar la “expansión comunista” más que lograr la pureza del sufragio, algo bien planteado por el documental. Con el triunfo militar de Figueres, se muestra y documenta la siguiente represión sufrida por los llamados “caldero-comunistas”. Es cuando seis dirigentes obreros son llevados de la cárcel de Limón a San José. En un recoveco de la línea del tren, donde llaman el Codo del Diablo, esos prisioneros fueron baleados y muertos por sus guardianes. El oficialismo culpó a los mismos comunistas ese diciembre de 1948. El documental explora, investiga, pregunta, encuentra datos y demuestra que aquello fue un asesinato político que, incluso, pretendía extenderse a otros dirigentes obreros del país (lo que no se cumplió). El problema del documental es que no siempre nos señala bien quién es el entrevistado. Así, se nos pierde el origen de distintas voces entre las imágenes en pantalla. Al final sí explicita quién es quién. Lo hace con fotografías. Sin duda, El Codo del Diablo maneja muy bien las relaciones entre cine e historia: es la historia en el cine y, además, es el cine en la historia, con su importante papel para encontrar la verdad y establecer un nuevo contexto sociopolítico. En este caso, como lo escribe el historiador francés Marc Ferro, el cine es fuente y a la vez es agente de historia. Los hermanos Jara Vargas lo han hecho sin temor y con ventajoso manejo de la sintaxis fílmica, sobre todo de la fotografía, música y montaje, a partir de un guion que todavía da para más (por ejemplo, quiénes dieron la orden a los militares asesinos).