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lunes, 21 de julio de 2014

"Copia certificada" y "La mejor oferta": sorpresas gratas

Para que una película tenga calidad respetable solo necesita la inteligencia de su autor, su nervio creativo y su deseo para arriesgar. Pues bien, el director Abbas Kiarostami, iraní, tiene el valor de asumirse como tal con su película Copia certificada (2010), que llega con algún atraso a Costa Rica. 
Kiarostami indaga en conceptos vitalistas sin temor a ser culto: le exige al espectador, con manejo solemne en pantalla de las unidades dramáticas de espacio y tiempo, mientras los diálogos rompen esquemas narrativos. Con gran manejo del plano y contraplano, más otro mejor del plano-secuencia, nos vemos involucrados en esas discusiones sobre el papel del arte en la vida. De pronto, con mimetismo, esos conceptos se transfieren a la relación de pareja. Por supuesto que esta propuesta, a manera de ensayo, sería inexpresiva con malas actuaciones. No sucede así porque Juliette Binoche se apodera de su personaje con sutileza dramática en abanico de expresiones. A ella le corresponde el barítono inglés William Shimell con actuación justa.


El realizador italiano Giuseppe Tornatore logra una sentida fábula  para mostrar cómo es posible madurar durante la vida adulta. Se trata de la película italiana La mejor oferta (2013). Con un relato muy bien estructurado, pese a ese terco afán de Tornatore por narrarlo todo o casi todo. La mejor oferta narra la historia de un hombre solitario, huraño y hasta misántropo llamado Virgil (excelente actuación de Geoffrey Rush), experto en arte y agente de subastas, apreciado, pero igualmente estafador. Su vida transcurre al margen de cualquier sentimiento afectivo hasta que conoce a una hermosa y misteriosa joven. La aparición de esta joven, quien sufre de agorafobia, va a evolucionar el universo personal de Virgil, del todo. También el filme es el desarrollo de un proceso amatorio, donde, pese al manejo de ciertos lugares comunes, La mejor oferta se siente película más compacta y abre una situación de misterio. La mejor oferta privilegia la calidad, o sea,  de verdad quiere ser la mejor oferta en la cartelera fílmica.

lunes, 7 de julio de 2014

"Transformers 4": más tonta que las gallinas de noche

Batiburrillo. Suena bien esa palabra. Me resulta descriptiva para sintetizar la película Transformers: La era de la extinción (2014), dirigida por el explosivo Michael Bay. Batiburrillo: mezcla de cosas inconexas y que no vienen a propósito de nada. De verdad que esta película, también conocida con el título de Transformers 4, es arroz con mango como expresión verbal de algo descabellado, ilógico, incongruente y demás adjetivos que ustedes quieran desempolvar. Es paranoico juego visual y, además, sádico bullicio para agredir los sentidos del espectador, donde el montaje tan solo atropella su propio ritmo. Sucede cuatro años después del incidente de Chicago, cuando se supone que los Autobots y los Decepticons ya no están en la Tierra y por enredadas razones de corte político hay diseñadores humanos que buscan fabricar robots más avanzados como instrumentos de poder. No hay cuidado de nada: ni en el ritmo, ni en planos, ni en encuadres, ni en música, ni en definición de personajes, ni en dirección actoral, ni en planteamiento de situaciones, ni en desarrollo de diálogos. Sin ninguna estructura conceptual, Transformers: La era de la extinción es película más larga de lo debido y más tonta que las gallinas de noche, donde uno sale (peor en 3D) con el cerebro más golpeado que rodilla de zapatero.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Transformers-Cine-decadente_0_1425257537.html

domingo, 29 de junio de 2014

"Jersey Boys: Persiguiendo la música"... ¡Clint Eastwood!

Cine biográfico o “biopic”: nos llega uno de Clint Eastwood. Es cine biográfico con presencia protagónica de la música. Se titula Jersey Boys: Persiguiendo la música (2014) y narra la formación, crecimiento y decadencia de un grupo popular en Estados Unidos, por 1960, entre el rock y el pop: la banda The Four Seasons

Esta película tiene distintos momentos emocionales, con esa elegancia que suele dar Clint Eastwood a sus películas. Las diferencias emotivas se dan según el personaje que domine los acontecimientos narrados, a partir de cada uno de los cuatro miembros de la banda citada. Sin embargo, la película no llega a fragmentarse porque el temperamento del filme proviene de la sabia conjunción de los personajes. La diversidad es el elemento unificador del relato. Melómano como pocos, Eastwood le da a la música de la banda The Four Seasons más que presencia sonora: se trata de un elemento significante. Hace uso del narrador protagonista y no siempre funciona de manera adecuada: impone una ruptura emocional en el espectador y una redundancia entre lo que vemos y lo que nos dice tal narrador. En el "biopic", las actuaciones son cardinales; pero en Jersey Boys no mantienen la regularidad justa. Suben y bajan sin sustento. En todo caso Clint Eastwood logra muy buen filme con esta temática, como lo hicieron los hermanos Coen con Balada de un hombre común (2013). Es cine de autor, desde su pulida ambientación de época.

lunes, 23 de junio de 2014

"Cómo entrenar a tu dragón 2": Hipo y Chimuelo regresan

Los dragones vuelan de nuevo. Sus formas y movimientos son colorido ballet en las nubes
Se trata de la esperada película Cómo entrenar a tu dragón 2 (2014), secuela animada de Dean DeBlois, quien repite el éxito con: Cómo entrenar a tu dragón (2010). Cuando se hable de secuelas en el cine, siempre estará Cómo entrenar a tu dragón 2: se nos muestra con espléndidos logros visuales sobre la base de la novela de la británica Cressida CowellHan pasado cinco años. Ahora el deporte favorito en la isla de Berk son las carreras de dragones. Sin embargo, Hipo y su dragón Chimuelo andan lejos y exploran mundos nuevos, solo para enterarse que el universo pacífico de humanos y dragones está en peligro, lo que exige de Chimuelo un gran acto de valentía. No es cine simplón. Para nada. Aquí nada sobra ni nada falta. La verdad es que los guionistas tomaron importantes riesgos. Se la jugaron al hacer más compleja la historia y todo les salió bien al desgranar el relato sin que, en ningún momento, se pierda la unidad temática: es un argumento del todo creíble desde su afán imaginario. Es bueno anotar el atildado logro con los escenarios. Según el estado de ánimo del filme, pueden ser poéticos, coloridos, imponentes, sombríos, gélidos, cálidos, amorosos o tensos. Es perfecta la unidad. ¡Es hora de volar a lomo de dragones!
Para leer la crítica completa, CLIC en:

lunes, 16 de junio de 2014

"Trascender" no trasciende y "Oculus" sí es buen terror

"Trascender", con Johnny Depp
** La investigación sobre el crecimiento de la conciencia, desde la conciencia propiamente dicha hasta la cósmica, pasando por la autoconciencia, ha sido un tema muy serio en la filosofía, pero también ha sido motor de relatos en el cine del llamado género fantástico, donde lo irreal se codea con lo real. Ahora vuelve el asunto con mucha especulación y bastantes incoherencias narrativas en la película Trascender (2014), dirigida por Wally Pfister. Es filme que no puede consigo mismo. Pronto, cualquier idea sobre una gran conciencia manipuladora del bien y del mal no pasa de ser simple apunte: la película se enreda en sus propios mecates. Le sucede entonces lo inevitable: pasa de un posible buen cine de ciencia-ficción a ser película de acción común y silvestre. Con personajes débilmente diseñados, las actuaciones resultan malas (sobre todo la de Johnny Depp), sin nada que salve la tanda. Tiene más emoción una visita al odontólogo que esta película.
Crítica completa:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-trascender_0_1420857952.html


Oculus, bien la actriz Katee Sackhoff
*** En Hollywood, el cine de terror ha venido a menos. Por eso, se debe aplaudir el esfuerzo del director Mike Flanagan por lograr un filme de terror con dignidad propia. Se trata de la película Oculus: El espejo (2013), inquietante. Este filme va bien desde el arranque, con una breve introducción que no solo describe el tono del relato, sino que funciona como signo explicativo de lo que veremos después. El argumento hilvana bien dos historias que se afectan una con la otra, así, con fino arte narrativo. Lo que mejor destaca en Oculus es en el manejo de su banda sonora: estratégica cuando mantiene el aire de suspenso de toda la película y táctica cuando subraya distintas secuencias de impacto. Oculus es película de logrado terror y mejor suspenso, desde lo real a las alucinaciones protagónicas y desde la certeza a lo incógnito.
Crítica completa:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Dentro-espejo_0_1421057920.html

martes, 10 de junio de 2014

"La vida de Adèle": sexo lésbico sin doblez alguna ni disimulos


He aquí cine elegante que, desde la dureza del drama, extrae lirismo para impactar con su historia. Se trata del filme La vida de Adèle (2013), dirigida por el franco-tunecino Abdellatif Kechiche (nacido en 1960). Multipremiada, esta cinta ha generado controversias por sus  logradas escenas de sexo lésbico, que, aunque filmadas con genitales falsos, han sido capaces de “molestar” a personas conservadoras, cuando lo cierto es que están ahí para acentuar emociones que el filme estila. Abdellatif Kechiche exprime todos los momentos de la trama y alarga las más distintas secuencias a favor de la prolijidad emocional. La vida de Adèle es adaptación libre de la novela gráfica titulada El azul es un color cálido, de Julie Maroh.
La película  narra la historia de Adèle, quien, en su primera experiencia amorosa con un muchacho, siente que su sexualidad la confunde. Cuando Adèle conoce a Emma, se siente atraída de manera inevitable. La película muestra cómo las contradicciones del amor de pareja, de lo erótico y de la convivencia no son exclusivas de la heterosexualidad. Es el meollo del drama. En lo formal, es filme muy cuidado, de exquisitez plástica y con espléndida dirección actoral, donde la joven actriz Adèle Exarchopoulos (como Adèle) está por encima de lo posible, con el gran contrapunto de Léa Seydoux (como Emma). Con diálogos inteligentes y viscerales, la banda sonora más parece llenarse de silencios. Estamos ante una película esplendorosa, con secuencias de sexo lésbico como expresión liberadora de la pasión humana.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Adele-amor_0_1419858063.html

miércoles, 4 de junio de 2014

Sobre teatro costarricense, hoy, como apuntes retomados

Apuntes recientes sobre teatro costarricense; glosa de hoy:

* Muy bien por el premio nacional a Óscar Castillo, actor de intensidad dramática que logró darle fuerza a un "Rey Lear" (2013), de Shakespeare, con el tono épico de la tragedia.

* El gran actor Pepe Vásquez logró darle un tono más lírico a su Lear, luego del retiro de Óscar Castillo, interesante, pero no contagió al elenco, tan solo a la buena actriz Laura Montero. Me quedo con Castillo.


* La versión de "El mercader de Venecia", también de Shakespeare, dirigida por
Luis Carlos Vásquez se llenó de ornamentos, pamplinas, coloretes y demás ocurrencias escénicas: aquello parecía una versión disminuida de algún carnaval de algún país pequeño, como Costa Rica.


* Claudia Barrionuevo dio muestras nuevas de sus pocos bríos para dirigir, así con su puesta en escena  de tres obras cortas bajo el título "La bruta espera", del argentino Julio Chávez. Es en la Vargas Calvo, y si no fuera por las actrices del caso, Tatiana y María Chaves, hermanas, quienes se lucen, eso habría sido desastre total.

lunes, 2 de junio de 2014

"Maléfica", a Disney le faltó poco para hacerla santa

El filme La bella durmiente (1959), fue el último de los estudios Disney entintado a mano. De ahí en adelante, para la cofradía Disney, Maléfica pasó a ser la villana más respetada del cine: hoy le dan protagonismo en la película que lleva su nombre, para honra y gloria de las “hadas malas”. Lo que Disney hace ahora es forzar más cuento de otro cuento y más cine de otro filme (“spin-off”: derivado). Dirigida por Robert Stromberg, la película Maléfica (2014), narra los antecedentes que llevaron al clásico pinchazo de Aurora, la noble princesa, e igual narra las secuelas de su despertar, cuando un beso es importante, pero no el beso tradicional del cuento. La película es tan visualmente desbordante que, por contrasentido, termina visualmente desbordada: es mucho con demasiado de lo mismo. Una vez que el filme se ve dominado por esa estética cursi, la narración pierde fuelle. Cuando ha transcurrido algún tiempo de metraje y el filme pretende meterse con los demonios internos de sus personajes, le es tarde: la película ya está consumida por la autocomplacencia. La superficialidad narrativa se le pega al diseño de los personajes y a las actuaciones. Aquí, mal destaca el carácter rígido de Maléfica. Igual, por ese tránsito, la actuación de Angelina Jolie se pasa de estólida.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-emMaleficaem_0_1418258190.html

miércoles, 28 de mayo de 2014

"Italia 90": grata sorpresa de las manos de Miguel Gómez

En el Mundial futbolero de Italia 90, un grupo de jóvenes escribió una historia cardinal para el balompié costarricense. Ahora nos llega una agradable película  para relatarnos los antecedentes de esos hechos: lo sucedido antes de… De manera escueta, el filme se titula Italia 90 (2014) y viene dirigido por el también costarricense Miguel Gómez, de quien recordamos sus películas El cielo rojo (2008), El Sanatorio (2010) y El fin (2012). Con Italia 90 tenemos una hábil operación comercial, pero hecha con inteligencia. Con bien logrados momentos de tensión, que son los mejores de la música, Gómez establece un relato coral, donde las anécdotas en serie de algunos jugadores establecen la unidad del relato y su bien lograda coherencia.
Del drama personal al humor solidario, esta película nunca pierde su acento conmovedor. Logra convencernos de que la tarea de aquellos jóvenes no fue fácil. Ellos fueron pioneros, abrieron camino a las facilidades de las que hoy gozan el futbol costarricense y sus actuales jugadores. Los futbolistas del Mundial de Italia 90 llegaron al triunfo colectivo y personal desde sus propias carencias y por encima de ellas. El filme señala el pesimismo ajeno que pesaba sobre ellos, como la desconfianza de la prensa deportiva, la que incluso hizo escarnio anticipado de estos muchachos.

Elenco de actores como el equipo
de Costa Rica,
en charla antes del Mundial.
El papel importante de algunos jugadores líderes del grupo y la invaluable presencia del director técnico Velibor “Bora” Milutinović (excelente actuación de Luis Montalberth) fueron, a criterio del filme, los signos positivos que catapultaron a muchachos llenos de ansiedades, temores e incertidumbres. La visualización de lo anterior es lo mejor de la película. Es su parte más seductora, con secuencias muy bien logradas, donde el buen humor funciona como agudo contrapunto. Uno podría decir que el elenco se tomó su trabajo con tanta responsabilidad y cariño como lo hicieron en la cancha, en 1990, los futbolistas a los cuales encarnan. Además de Montalberth, es bueno el trabajo de Daniel Ross (como Claudio Jara) y es del todo seductor el de Ólger González (como Mauricio Montero). Es valioso su juego visual para aprovechar el material de archivo y las distintas texturas de las imágenes. La falla grave del filme está en la mezcla de sonido y la menor está en su simplicidad para enfrentar las relaciones de los jugadores con –por ejemplo– sus entornos familiares. Sea como sea, por sí misma, por lo que nos recuerda y cómo nos lo recuerda, Italia 90 es película recomendada. Es el nuevo sendero de Miguel Gómez.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Italia_0_1417258288.html

X-Men: Días del futuro pasado y el arte de Bryan Singer

La intolerancia humana llega a niveles aniquiladores. La raza humana no acepta a nadie diferente a ella, por lo menos en las élites gobernantes. El equilibrio dialéctico entre humanos y mutantes (“los otros”) ha de romperse por el instinto destructor humano. Como gran metáfora o parábola, así discurre la muy buena película X-Men: Días del futuro pasado (2014), dirigida con arte solvente por Bryan Singer.


X-Men: Días del futuro pasado nos presenta un futuro apocalíptico. La raza humana ha creado sus propios “ángeles destructores”, llamados Centinelas. Estos robots están hechos a partir de genes mutantes. La mejor manera de evitar el caos final es viajar al pasado y cambiar el futuro. Alguien debe hacerlo. Bryan Singer, como director, logra hacer creíbles los personajes, propios de un mundo digno del género fantástico (donde lo irreal se codea con lo real). Todavía más: Singer nos da una importante lección de cómo componer un plano, montar una secuencia y crear la justa atmósfera exigida por la trama.
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martes, 20 de mayo de 2014

Cine: "La jaula de oro" ante el inmovilismo político

No sabemos si el director español Diego Quemada-Díez, burgalés por más señas, nacido en 1969, se haya sorprendido ante los muchos premios ganados por su primera película, titulada La jaula de oro (2013), o si los esperaba. Director español, su película tiene nacionalidad mexicana y ha sido filmada casi toda en Guatemala con realismo lacerante. El filme comienza con una afectiva secuencia: una jovencita, Sara, apenas adolescente, se corta su pelo largo y se aprieta sus pechos de señorita con un trapo para ocultar su condición de mujer. Ella, con dos muchachitos, viajará a Estados Unidos en busca de una mejor vida. En el camino conocen a Chauk, indígena de la sierra de Chiapas que no habla castellano. Con diálogos oportunos y los necesarios, La jaula de oro narra una aventura desventurada, donde la crudeza predomina y el dolor humano nos golpea en la cara.  La película no da tregua: nunca simplifica su argumento ni lo vuelve comercialmente más digerible. Por eso, Diego Quemada-Díez le pone tanta atención a la dirección de actores, para que estos logren sobrecogernos con sus personajes, por cierto muy bien diseñados. Tampoco pretende el director ofendernos con su filme. El arte no ofende; aunque tal vez sí logre “rompernos” cualquier virginidad ideológica sobre este tema. La jaula de oro busca sacarnos del inmovilismo político. Para leer la crítica completa, CLIC en:

lunes, 5 de mayo de 2014

Crítica de cine: "Wakolda: El médico alemán": No es poco


TENEMOS el estreno de la más reciente película de la directora argentina Lucía Puenzo. Hablo de Wakolda: El médico alemán, con guion de la propia directora. Con vertebral y seductora presencia del frío paisaje argentino, naturaleza inhóspita en medio de su belleza imponente, el filme nos relata el momento en que un solitario médico alemán se encuentra con una familia argentina en el remoto paraje de la Patagonia. Sucede en 1959. Como el médico no conoce el camino a San Carlos de Bariloche, le solicita a la familia poder seguirlos con su auto. El médico no es otro que Josef Mengele, genocida del nazismo hitleriano, practicante criminal con la genética de entonces. Mengele establece una relación especial con Lilith, niña de 12 años, porque es muy pequeña para su edad. Además, le atrae el embarazo de la madre, Eva, porque tendrá niños gemelos. Para Mengele es oportunidad de continuar con sus crueles ensayos eugenéticos. Por sí sola, la trama es capaz de generar suspenso y de abrir expectativas para, desde ahí, generar sus puntos de giro. Sin embargo, por momentos, la película se contagia de la misma frialdad del paisaje o de la inexpresiva figura de Josef Mengele y narra su historia con menos pasión de la que le corresponde. Por lo demás, Wakolda: El médico alemán tiene importantes logros, sus méritos: recreación de época, dirección de arte, cruce de capas de un mismo argumento (“cebolla cinematográfica”), rigor dramático (no hay golpes bajos), la identificación de lo perverso, su fotografía y su música. Como ven, no es poco.
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lunes, 28 de abril de 2014

Drama vivo y penetrante: "El pasado"; de Asghar Farhadi

Regresa el director iraní Asghar Farhadi con un drama vivo y penetrante titulado El pasado (2013). El filme tiene origen francés, pero no pierde la raigambre persa de su director. Al estilo de Akira Kurosawa, el cine de Farhadi logra establecer un hecho nimio, pero capaz de explotar con la exigencia avasalladora del drama. Con El pasado, se da el proceso de lo simple a lo complejo en seres humanos que no imaginan los demonios que pueden desatar sus actos. Sucede cuando Ahmad llega de Teherán a París para firmarle el divorcio a Marie. Marie tiene un amante y el amante tiene a su esposa en estado de coma, porque quiso suicidarse. El cuadro se completa con una adolescente que quiere salir a toda costa de lo que, para ella, es dantesco. También está la mirada de dos víctimas inmediatas: una niña y un niño, cuyas inocencias están día a día lastimadas. Cuando Ahmad intenta poner un punto de equilibrio, más bien todo salta en caos: la conducta humana es impredecible aún entre quienes se aman. La película se toma su tiempo para auscultar en los escondrijos del alma y encontrar verdades tras las apariencias. Por momentos se aletarga, como si se le empozaran los sentimientos, lástima, pero nunca pierde esa validez del cine que transmite conceptos con autoría de parte del director. Las actuaciones resultan imponentes y sobresale Bérénice Bejo, actriz franco-argentina, como Marie, con quien las emociones se acentúan de manera magistral. 
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/emEl-pasadoem_0_1411258902.html

lunes, 21 de abril de 2014

"Marley": Pese a sus limitaciones, recomiendo este filme.

Antes de escribir la crítica sobre el documental Marley (2012), dirigido por el escocés Kevin Macdonald, he de confesar que sobre el músico jamaicano Robert Nesta Marley Booker, mejor conocido como Bob Marley, no sabía más de lo que veía en las camisetas que usan sus admiradores

Luego de ver el mentado documental, en un cine con bastante público, queda uno con la sensación de que dicho filme ha sido lo bastante explícito en información para conocer, así, sobre la corta vida del ícono del reggae. No solo fue el reggae. También lo fue el pensamiento religioso y político llamado rastafari. La verdad, ese es el punto débil de Marley, el filme: su ausencia de un análisis más profundo de los hechos que muestra. El reggae tiene presencia protagónica y el director Kevin Macdonald maneja muy bien las secuencias donde las imágenes y la banda sonora se plasman en un solo subrayado, incluso por encima del exceso de información y del escaso análisis de esa información.

Podemos resumir que se trata de un documental respetuoso con la figura biografiada, pero se pasa al mostrar exuberancia de datos y voces; eso sí, mantiene la denuncia social. Pese a sus limitaciones, debo recomendarles este filme.

Para leer la crítica completa, haga CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Documental-Marley_0_1409859037.html

viernes, 18 de abril de 2014

"Seis puntos sobre Emma": ¿dónde está la ceguera?

Las películas para desmembrar relaciones humanas corren el peligro de convertirse en dramas innecesariamente oscuros o en melodramas frívolos, que se bañan solo con agua tibia. Con base en guion propio, el joven director español Roberto Pérez Toledo nos da su primer largometraje donde evita caer en ambos extremos. Se trata del filme titulado Seis puntos sobre Emma (2011). Nacido en Canarias, en 1978, Roberto Pérez construye su filme a manera de los puntos en braille que dan lugar a letras. Es fórmula con división en capítulos. Seis puntos sobre Emma se afana por desentrañar las pretensiones de una mujer que, ciega, quiere quedar embarazada y, al no lograrlo, abandona a su novio para ir a la búsqueda del hombre capaz de fecundarla, sin compromiso amoroso alguno. Aquí es cuando la historia necesita más bisturí para darle fuerza dramática al texto. Sin embargo, el guion opta por situaciones cercanas a la comedia, lo que le quita arrestos. Eso no le quita lirismo a la película, sobre todo si la calamos desde la seductora actuación de Verónica Echegui como Emma, aguda en los detalles, sincera con sus expresiones y veraz con su personaje.
Si quiere leer la crítica completa, haga CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Emma-puntos_0_1408259246.html

lunes, 7 de abril de 2014

"El niño de la bicicleta": Los hermanos Dardenne se lucen

Su profundo sentido humanista (lo conceptual), su exquisita e intensa narración (lo formal) y su noble carácter fabulador (moraleja incluida) hacen de la película El niño de la bicicleta (2011) un arte que nos obliga a asistir al cine. Dicho filme es dirigido por dos eximios directores belgas. Se trata de los hermanos Dardenne: Jean-Pierre (1951) y Luc (1954). Ellos escriben, producen y dirigen juntos sus películas. Es suma de talentos, como el buen vino, que es suma de distintas reglas ambientales. Con elegancia y delicadeza, a la vez que con firmeza y presión dramática, El niño de la bicicleta narra la historia de Cyril, chico de 11 años abandonado por su padre, quien conoce a Samantha, mujer adulta con gran capacidad materno-amorosa. Con elegante uso ocasional del plano-secuencia (tomas sin cortes por buen tiempo) y con categórico manejo de la música de Beethoven, El niño de la bicicleta es filme que todo crítico de cine, si se precia, debe recomendar.

viernes, 4 de abril de 2014

"Jazmín Azul" viene desde "Un tranvía llamado Deseo"

En esta sociedad de intertextos, exigirle originalidad al cine es casi una
utopía. En lo que nos corresponde, debemos ver más hacia el tratamiento de una historia que hacia su singularidad. Valga esto para Jazmín Azul (2013), reciente filme de Woody Allen. Así, entre más se piensa en la trama de la película de Allen, más nos acordamos del argumento de ese gran drama teatral escrito por Tennessee Williams, Un tranvía llamado Deseo (1947), llevado al cine con igual título, en 1951, por el director Elia Kazan. No es de extrañar que ahora Woody Allen recurra a esa fuente de inspiración para darnos una de sus películas más redondas sobre la decadencia de la burguesía. Lo simbólico de dicha película se sostiene sobre la excelente labor histriónica de Cate Blanchett (Jasmine). Así, es el viejo Woody Allen cada vez más nuevo. Parece decir poco y nos expone mucho. Parece superficial y es profundo a cada momento: con sus diálogos e imágenes.
Crítica completa en:

lunes, 24 de marzo de 2014

"Ella" ["Her"]: es cine desde el valor de los sentimientos


El director Spike Jonze gusta de indagar en el deseo humano por la pasión del amor. Su breve filmografía lo demuestra y ahora retoma el guante con su película Ella (2013). El guion es del propio Spike Jonze y su concepto básico ha sido tratado por el llamado género fantástico. Trata de la dependencia física o emocional que se establece entre un ser humano y el adelanto propio de la revolución científico-tecnológica: el amor entre un hombre a las puertas del divorcio con ¡un sistema operativo que lo corresponde!
Por esa ruta, el guion diseña tan bien sus personajes, cuenta con tan buena actuación de Joaquin Phoenix, se concentra de manera tan sólida con su núcleo argumental, se aposta tan de manera vehemente en las situaciones y se expresa de manera tan precisa con sus diálogos, que el resultado no puede ser otro que el obtenido: una película valiosa. Desde este punto de admiración por el filme, uno como crítico, explorador majadero, puede sentir que a Ella, en un momento dado, le falta eso que el estructuralismo llama “nudos dramáticos”, momentos que incentivan el proceso dramático de un texto. Sin embargo, también debe uno aceptar que ese “vacío de acontecimientos” nos seduce desde adentro, o sea, desde el valor de los sentimientos. El director Jonze nos proclama algo importante: lo emocional tiene tanto valor de historia como la historia misma. Si la miran con pasión, sentirán –con Ella– que el cine tiene alma y, por el alma, tiene poesía.
Crítica completa, CLIC en:

miércoles, 12 de marzo de 2014

"La piedra paciente" y "300: El nacimiento de un imperio"

En el filme La piedra paciente (2012), dirigida por Atiq Rahimi, tenemos una mujer que, ante el cuerpo inválido de su esposo, por culpa de una bala en el cuello, desgarra ella su propia vida. Desde la interioridad del drama interior, así habla y se muestra La piedra paciente. Lo hace con rigor dramático, con honradez conceptual, con valentía, con arte del monólogo, desde muy adentro de la piel. Las emociones de la mujer son el ropaje del ahogo femenino. El esposo en coma es lo que se llama la piedra de la paciencia, donde ella expone su discurso sufrido, por momentos lírico, pero siempre trágico. Desde el guion se potencia lo brutal de la historia y también lo más humano de la misma. Con inolvidable actuación de la actriz Golshifteh Farahani y, en boca de ella, con este buen filme se tiene la gran posibilidad de usar la tristeza para crear una máquina con grandes alas para volar.

El sino de un crítico: arriba no más recomiendo una buena película afgana, La piedra paciente (2012, de Atiq Rahimi) y, aquí, he de escribir sobre otro filme nada importante. Se titula 300: El nacimiento de un imperio (2014), dirigido por Noam Murro, con Zack Snyder de coguionista, director del primer filme de la saga, titulado 300 (2007). Aquí, los combates entre persas y griegos dan materia para hacer toda la morcilla universal. Todo es exageración en esta película. La textura y tratamiento de 300: El nacimiento de un imperio es puro retocado. Tanta simulación digital hace, de esta película, un mediocre simulacro de cine.

lunes, 10 de marzo de 2014

"El club de los desahuciados" y "El lobo de Wall Street"

El director canadiense Jean-Marc Vallée (Quebec, 1963) convence con su película El club de los desahuciados (2013). Es drama, pero matizado con humor satírico, con ese odio presente en toda sátira rigurosa. Ese rencor es lo que mejor expresa el filme, sin cederle espacio a ninguna actitud melodramática. Narra la historia de Ron Woodroof (Matthew McConaughey), vaquero moderno de rodeos, mujeriego, adicto a drogas fuertes, a quien se le avisa que tiene el virus del sida, cuando los enfermos infectados con VIH son tan solo cobayas de laboratorios farmacéuticos poderosos. Es película que muestra valentía para hablar. Con excelentes actuaciones de McConaughey y de Jared Leto, hasta el humor virulento –sátira– es camino para el desarrollo de lo trágico, sin acciones gratuitas ni diálogos vacíos.

La pregunta es: ¿acaso para representar una vida excéntrica, irresponsable, histérica, desordenada y bulliciosa la película debe tener iguales características con falso halo de cine irreverente? Creo que no y pienso que esa es la debilidad del filme El lobo de Wall Street (2013), dirigido por el afamado Martin Scorsese. Pasados los momentos de genialidad narrativa, otras secuencias son reiterativas, aquellas son más lentas y algunas sufren de excitación innecesaria. Scorsese asume una falsa posición de irreverente, en detrimento del contenido del filme. La vorágine se le contagia a los actores, sobre todo a Leonardo DiCaprio, quien no pasa de sobreactuar plano a plano.

martes, 4 de marzo de 2014

Otros hablan del Oscar; pero aquí, de Alain Resnais

Otro de los grandes de la Orilla Izquierda del cine nos deja a los 91
años de edad; su último filmeAimer, boire et chanter se estrenará en salas francesas el próximo 26 de marzo, 2014...
Resnais joven

El realizador francés Alain Resnais, decano de la Nouvelle Vague (Nueva Ola Francesa),  movimiento que aflojó los corsés autorales del cine con su grito de libertad, murió en París (1922 - 2014 -1 de marzo-)Tras él queda una filmografía de títulos memorables, como “Hiroshima mon amour”, “La religiosa”, “La guerra ha terminado” y “On connait la chanson”. Hombre inclasificable y de contagiosa vitalidad. 

viernes, 28 de febrero de 2014

Títulos: "Escándalo americano" y "12 años de esclavitud"

He aquí una interesante idea: la de ver la vida como constante ejercicio del engaño. De la mano de un buen director, David O. Russell, tenemos la cinta Escándalo americano (2013), que discurre bien y donde se muestra que, tras falsas apariencias, siempre hay un instante para asumir el amor. Dicho director hace descansar la fuerza de sus conceptos (el contenido) en diálogos inteligentes y en la dirección de actores. Es difícil y hasta injusto señalar a alguien sobre otro u otra. El guion narra las peripecias de un estafador cínico y más bien astuto (Christian Bale), quien se enamora de una fémina de su misma estirpe engañosa (Amy Adams) mientras esta casado con otra (Jennifer Lawrence). Esta pareja se ve obligada a trabajar para un megalómano agente del FBI (Bradley Cooper). El agente los arrastra a ese mundo peligroso, donde se juntan la política y la mafia. Es interesante el relato hecho con distintas perspectivas: según cada personaje, con sus voces fuera de cámara.


Steven Rodney McQueen, nacido en Londres en 1969, de origen afrocaribeño, es fotógrafo y escultor; sin embargo, es más conocido como cineasta y tan solo como Steven McQueen. Ahora tenemos su filme 12 años de esclavitud. Se basa en hechos reales, según la autobiografía escrita por Solomon Northup. Con dicha historia se describe el drama de un hombre de raza negra, violinista, hombre libre, quien es secuestrado, llevado a Louisiana y vendido como esclavo utilizable en las plantaciones de algodón. 12 años de esclavitud tiene secuencias muy rudas para mostrar el dolor inhumano de la esclavitud, como forma de producción. En ese tránsito, la película no escatima imágenes. Las actuaciones brillan por su autenticidad, sobre todo la de Michael Fassbender como el esclavista despótico y, junto a él, Lupita Nyong’o, quien expresa con ardor la tragedia de la mujer esclava.

viernes, 21 de febrero de 2014

"100 metros cuadrados" de Rubio, según Mariano González

El director Mariano González nos ofrece una versión reposada de la obra 100 metros cuadrados, escrita por el español (cordobés) Juan Carlos Rubio. Cuando digo reposada, no quiero decir que sea sin dinamismo dramático alguno. Es que González prefiere una puesta escénicamente simple, para que el proceso presente en sus personajes camine por dentro de cada uno de ellos, pero en relación con el otro o los otros. Es el gran mérito de un trabajo que nos resulta drama lírico potenciado por las exactas actuaciones de Silvia Rojas, de Ana María Barrionuevo (llena de detalles según las sutilezas de su personaje) y Arturo Campos, capaz de sorprenderlo a uno cada vez más de manera positiva. Con magnífico diseño de luces (de Pablo Piedra) y el enlace oportuno de la música para distintas secuencias escénicas, 100 metros cuadrados es teatro que uno siente gusto para recomendar y que yo mismo me he permitido ver en dos ocasiones. [SALA VARGAS CALVO].


Silvia Rojas (presencia),
Ana María Barrionuevo (soltura)
 y Arturo Campos (versatilidad).
Sinopsis: La casa que le ofrecen a Sara reúne las características que ella desea: bajo precio, amplitud y hermosa vista. Solo presenta un inconveniente: la dueña de la casa vivirá en ella hasta el día de su fallecimiento. Teresa (de 73 años) ha sido operada del corazón en dos ocasiones y sin duda no aguantará mucho más. Sara decide jugársela: comprar el apartamento y esperar. Sin embargo... donde uno menos lo espera salta la liebre.

lunes, 17 de febrero de 2014

"47 Ronin: La leyenda del samurái" y Eugenio Derbez con "No se aceptan devoluciones"

*** He aquí una película que se mueve entre el drama, la acción y el género fantástico. Se titula 47 ronin: La leyenda del samurái (2013), primer trabajo como director de Carl Rinsch. Se basa en una vieja fábula japonesa que pone sobre el tapete un tema muy de la cultura oriental: el del honor. Los ingredientes dramáticos y mitológicos se sugieren pronto. No lo hace mal Carl Rinsch. Trabaja bien la estructuración del relato y la consiguiente expresión visual de acontecimientos, con acertada atmósfera de un universo que nos resulta exótico. Se muestra con los diálogos, el hilván de acontecimientos, la seductora dirección artística, la fotografía y la impresionante banda sonora. Por momentos, la película peca de solemnidad; en otros, de rendimiento folletinesco, pero –en general– el resultado es gustoso, interesante, fabulador y positivo.

** El propio Eugenio Derbez, actor, director y coguionista de la película No se aceptan devoluciones (2013), ha de haberse sorprendido del éxito económico de su filme. Se trata de un arquetípico melodrama, más bien comedido, sin excesos ni salidas fáciles, que busca llegar a lo más emotivo de los sentimientos del público para hacerlo vibrar con su historia de apegos y desapegos. El problema es el humor débil presente en la historia. Resulta como obligado o más bien machacón, incluso Derbez como actor. Así, el relato comienza a girar sobre sí mismo, se repite con su condición humorística y le da por morderse la cola. Esta receta cinematográfica se queda con un solo medicamento, por lo que parece relato testimonial más que película con criterio.

SINOPSIS de los argumentos en los comentarios...

lunes, 10 de febrero de 2014

"No" y "El mayordomo de la Casa Blanca"... OJO AL NO

***** Al fin se estrena la película titulada No (2012), dirigida por Pablo Larraín, coproducción chileno-mexicana. Sucede en Chile, durante la dictadura de Augusto Pinochet, quien lleva 15 años en el poder (había derrocado a Salvador Allende en 1973). Obligado por la lucha de fuerzas democráticas y por la presión internacional (incluso de quienes lo llevaron al poder), Pinochet se ve obligado a llamar a un plebiscito. En 1988, dicho sufragio marcará la continuación o no del poder militar fascista y, a la vez, la campaña publicitaria del "No" afectará la vida de quienes están al frente de ella. Con determinación narrativa, la película muestra ambos asuntos como portales en comunicación. Ello es lo mejor del filme: su voz intensa para narrar dos dramas en uno solo, sin fisuras. De alguna manera, el director Pablo Larraín nos recuerda el buen cine político del griego Costa-Gavras, incluso con ese aire documental (imágenes de archivo). No es un modo de entender la política; es la mejor manera de entender el cine como arte, donde el actor Gael García Bernal se muestra eximio y, alrededor de él, hay excelencia histriónica.


*** Dice la sentencia que quien mucho abarca, poco aprieta. Le sucede a la película El mayordomo de la Casa Blanca (2013), dirigida por Lee Daniels, filme que, sin duda, merece mayor densidad dramática. El filme narra la historia de Cecil Gaines, joven que huye de la segregación racial del Sur de Estados Unidos y llega a ser mayordomo en la Casa Blanca. El comienzo de la historia se muestra intenso y dramático, con el reflejo de la vergonzosa e inhumana condición de esclavitud a que fue sometida la población negra, luego el relato deviene aséptico: es más intenso con lo que sucede adentro de la familia del mayordomo. Hay buena dirección de actores; aunque Forest Whitaker ofrece momentos de gran calibre emocional como otros donde la complejidad de Gaines se le escapa. Mucho mejor se ve Oprah Winfrey como la señora Gaines.

miércoles, 5 de febrero de 2014

"Ladrona de libros" y "Jack Ryan: Código Sombra"

**** Tenemos un filme con la guerra vista y sentida desde la mirada infantil. Se trata de la película Ladrona de libros (2013), dirigida por el británico Brian Percival, basada en novela homónima de Markus Zusak.El filme narra la historia de una jovencita llamada Liesel, quien llega a una aldea alemana, adoptada por una familia. Lo que vamos viendo es el proceso de transformación de la muchachita y de quienes la rodean, mientras crecen las fuerzas políticas de Hitler, comienza la guerra, su desarrollo y final, pero cuya brutalidad incide de manera trágica en lo cotidiano. Para Liesel, estas circunstancias la hacen descubrir el poder de las palabras y de la literatura: la palabra escrita se convierte en fórmula para mitigar los tumultuosos eventos. Por eso necesita de los libros, los que están en la biblioteca del alcalde del pueblo, y Liesel decide robarlos. Filme narrado con sentimiento y nobleza: cree en lo que nos está diciendo y, para eso, tiene la mejor complicidad de los actores, sobre todo en la pareja que adopta a la jovencita Liesel, encarnada por Emily Watson (excelente) y Geoffrey Rush. En cuanto a Sophie Nélisse, como Liesel, se le siente parca ante el abanico de emociones que pasa por ella. Vale lo que Ladrona de libros ha logrado con nosotros durante su trayecto. Filme recomendado.


** De nuevo el personaje Jack Ryan está en pantalla grande, venido de las novelas de Tom Clancy, mezcla de acción, política conservadora y espionaje. El filme que ahora lo contiene se titula Jack Ryan: Código Sombra (2013) y cuenta con la dirección del británico Kenneth Branagh, no tan certero esta vez. Como el héroe, tenemos un abúlico Chris Pine, muy aniñado para el caso y deficitario. Es cine de consumo instantáneo, capaz de entretener (cierto), pero olvidable mientras se está viendo.Todo se muestra muy apresurado y dictaminado por esa paranoia de Hollywood de sentir a Estados Unidos como la víctima de cuanto loco haya en el mundo o fuera de él.

jueves, 30 de enero de 2014

Elecciones para Presidente y diputados en mi país, Costa Rica

El domingo 2 de febrero, 2014, hay elecciones para Presidente y diputados en mi país, Costa Rica...

Gane o pierda, este muchacho, José María Villalta Florez-Estrada, vino a sacudir la modorra nacional, enamoró a la juventud con su evidente generosidad y reanimó a los viejos soñadores como yo que hemos luchado por una sociedad más justa, equitativa y solidaria, por un país lejos del capitalismo salvaje y por una condición antiimperialista. Por eso le doy mi voto, a sabiendas de que aún queda mucho qué hacer...
[Este comentario lo puse en Facebook y copio algunas reacciones]
Ahora hay comentarios post-electorales, conocidos los resultados que relegan a Villalta al tercer lugar, pero con buena cantidad de diputados. Pueden leerlos.

domingo, 26 de enero de 2014

"Philomena" es humanismo; "El sueño de Walt" es Disney

Solo por la extraordinaria actuación de Judi Dench tenemos razón de sobra para ver la excelente película británica titulada Philomena (2013), dirigida por Stephen Frears. Narra las desventuras de Philomena Lee, mujer irlandesa que, tras quedar embarazada cuando era adolescente y soltera, como castigo, fue recluida en un centro católico regido por monjas intolerantes y, luego, obligada a dar su hijo en adopción. Cuando ella salió de dicho centro, se dedicó durante 50 años a buscar el hijo que le habían arrebato. Durante ese proceso, encontró a un periodista desempleado que hizo de él los afanes de la noble y dolida mujer. La película retrata esa relación y la búsqueda del hijo con profundo sentido humanista. Ahora el tema es tratado desde la perspectiva del perdón (el poner la otra mejilla). Philomena convence con su tema, con sus personajes y con su estilo, gracias a una intensa mirada personal y a los valores que prodiga dentro de su tragedia. No se la pierdan.


No sé si la película Mary Poppins (1964), dirigida por Robert Stevenson para Walt Disney, será popular para las nuevas generaciones. Esto incide con el éxito o no del filme El sueño de Walt (2013), bajo la dirección de John Lee Hancock, ahora en cartelera. Entre el drama y el melodrama, esta segunda película narra el proceso creativo previo a la filmación exacta de Mary Poppins. No hay duda que El sueño de Walt es película comercial a favor de la escudería Disney, incluida Disneylandia. Tampoco hay duda del interés conceptual por presentar al señor Walt como el tío Disney bonachón y sabio en lo suyo. Poco falta para que sea  hagiografía. El filme nos muestra dos historias. Una de ellas es mostrada mediante retrospección: se trata de la compleja infancia de la escritora P.L. Travers. La otra es el proceso de escritura del guion de Mary Poppins. Lo hace bien la película, sin disensiones entre ambos relatos: buena compaginación.

domingo, 19 de enero de 2014

"Rush: Pasión y gloria", autos de carrera; "Metegol", con futbol

Pasión y gloria
Película para demostrar que un filme de entretenimiento masivo también puede ser cine de excelente calidad: Pasión y gloria (2013), con brillante dirección por parte de Ron Howard. Con gran trabajo de montaje, firmado por Daniel P. Hanley, se narra el universo tenso de las carreras de autos de la llamada Fórmula 1 durante su época dorada, cuando se vivió la rivalidad de dos grandes pilotos: Niki Lauda (austriaco) y el inglés James Hunt, el primero metódico y el segundo vivaz. Así lo fueron ambos, tanto en las carreras de autos como también con sus estilos de vida. La peli lo logra captar con actitud prolija, agudo relato, acertado diseño de personajes, trazado firme de sucesos y con avispados diálogos (guion de Peter Morgan). Los actores también cumplen alto: extraordinario tándem de parte de Chris Hemsworth (como Hunt) y de Daniel Brühl (como Lauda). Cada uno transmite justo el carácter de sus personajes. Destacar: la sabia narración, la lógica visual de las ideas y el impecable tratamiento del tema: “cuanto más cerca estás de la muerte, más vivo estás”.


Muchos de ustedes han visto cine del director argentino Juan José Campanella. Se trata del realizador de filmes como El mismo amor, la misma lluvia (1999), El hijo de la novia (2001) y El secreto de sus ojos (2010). Ahora llega en 3D el filme animado Metegol (2013). En Argentina, el metegol es lo que en Costa Rica llamamos futbolín. La historia tiene ingredientes para un acogedor filme animado: tantos gramos de surrealismo como de romance, oportunas cucharadas de magia con fábula y otros tantos de aventura con humor sustancioso. El guion se basa en cuento del humorista argentino Roberto Fontanarrosa. El filme aprovecha bien el relato, con buen comienzo y mejor final (al centro de la historia le falta un volante creativo). Al inicio, alude al filme 2001: Odisea del espacio (1968), de Stanley Kubrick, con tremendo golazo.