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lunes, 7 de abril de 2014

"El niño de la bicicleta": Los hermanos Dardenne se lucen

Su profundo sentido humanista (lo conceptual), su exquisita e intensa narración (lo formal) y su noble carácter fabulador (moraleja incluida) hacen de la película El niño de la bicicleta (2011) un arte que nos obliga a asistir al cine. Dicho filme es dirigido por dos eximios directores belgas. Se trata de los hermanos Dardenne: Jean-Pierre (1951) y Luc (1954). Ellos escriben, producen y dirigen juntos sus películas. Es suma de talentos, como el buen vino, que es suma de distintas reglas ambientales. Con elegancia y delicadeza, a la vez que con firmeza y presión dramática, El niño de la bicicleta narra la historia de Cyril, chico de 11 años abandonado por su padre, quien conoce a Samantha, mujer adulta con gran capacidad materno-amorosa. Con elegante uso ocasional del plano-secuencia (tomas sin cortes por buen tiempo) y con categórico manejo de la música de Beethoven, El niño de la bicicleta es filme que todo crítico de cine, si se precia, debe recomendar.

viernes, 4 de abril de 2014

"Jazmín Azul" viene desde "Un tranvía llamado Deseo"

En esta sociedad de intertextos, exigirle originalidad al cine es casi una
utopía. En lo que nos corresponde, debemos ver más hacia el tratamiento de una historia que hacia su singularidad. Valga esto para Jazmín Azul (2013), reciente filme de Woody Allen. Así, entre más se piensa en la trama de la película de Allen, más nos acordamos del argumento de ese gran drama teatral escrito por Tennessee Williams, Un tranvía llamado Deseo (1947), llevado al cine con igual título, en 1951, por el director Elia Kazan. No es de extrañar que ahora Woody Allen recurra a esa fuente de inspiración para darnos una de sus películas más redondas sobre la decadencia de la burguesía. Lo simbólico de dicha película se sostiene sobre la excelente labor histriónica de Cate Blanchett (Jasmine). Así, es el viejo Woody Allen cada vez más nuevo. Parece decir poco y nos expone mucho. Parece superficial y es profundo a cada momento: con sus diálogos e imágenes.
Crítica completa en:

lunes, 24 de marzo de 2014

"Ella" ["Her"]: es cine desde el valor de los sentimientos


El director Spike Jonze gusta de indagar en el deseo humano por la pasión del amor. Su breve filmografía lo demuestra y ahora retoma el guante con su película Ella (2013). El guion es del propio Spike Jonze y su concepto básico ha sido tratado por el llamado género fantástico. Trata de la dependencia física o emocional que se establece entre un ser humano y el adelanto propio de la revolución científico-tecnológica: el amor entre un hombre a las puertas del divorcio con ¡un sistema operativo que lo corresponde!
Por esa ruta, el guion diseña tan bien sus personajes, cuenta con tan buena actuación de Joaquin Phoenix, se concentra de manera tan sólida con su núcleo argumental, se aposta tan de manera vehemente en las situaciones y se expresa de manera tan precisa con sus diálogos, que el resultado no puede ser otro que el obtenido: una película valiosa. Desde este punto de admiración por el filme, uno como crítico, explorador majadero, puede sentir que a Ella, en un momento dado, le falta eso que el estructuralismo llama “nudos dramáticos”, momentos que incentivan el proceso dramático de un texto. Sin embargo, también debe uno aceptar que ese “vacío de acontecimientos” nos seduce desde adentro, o sea, desde el valor de los sentimientos. El director Jonze nos proclama algo importante: lo emocional tiene tanto valor de historia como la historia misma. Si la miran con pasión, sentirán –con Ella– que el cine tiene alma y, por el alma, tiene poesía.
Crítica completa, CLIC en:

miércoles, 12 de marzo de 2014

"La piedra paciente" y "300: El nacimiento de un imperio"

En el filme La piedra paciente (2012), dirigida por Atiq Rahimi, tenemos una mujer que, ante el cuerpo inválido de su esposo, por culpa de una bala en el cuello, desgarra ella su propia vida. Desde la interioridad del drama interior, así habla y se muestra La piedra paciente. Lo hace con rigor dramático, con honradez conceptual, con valentía, con arte del monólogo, desde muy adentro de la piel. Las emociones de la mujer son el ropaje del ahogo femenino. El esposo en coma es lo que se llama la piedra de la paciencia, donde ella expone su discurso sufrido, por momentos lírico, pero siempre trágico. Desde el guion se potencia lo brutal de la historia y también lo más humano de la misma. Con inolvidable actuación de la actriz Golshifteh Farahani y, en boca de ella, con este buen filme se tiene la gran posibilidad de usar la tristeza para crear una máquina con grandes alas para volar.

El sino de un crítico: arriba no más recomiendo una buena película afgana, La piedra paciente (2012, de Atiq Rahimi) y, aquí, he de escribir sobre otro filme nada importante. Se titula 300: El nacimiento de un imperio (2014), dirigido por Noam Murro, con Zack Snyder de coguionista, director del primer filme de la saga, titulado 300 (2007). Aquí, los combates entre persas y griegos dan materia para hacer toda la morcilla universal. Todo es exageración en esta película. La textura y tratamiento de 300: El nacimiento de un imperio es puro retocado. Tanta simulación digital hace, de esta película, un mediocre simulacro de cine.

lunes, 10 de marzo de 2014

"El club de los desahuciados" y "El lobo de Wall Street"

El director canadiense Jean-Marc Vallée (Quebec, 1963) convence con su película El club de los desahuciados (2013). Es drama, pero matizado con humor satírico, con ese odio presente en toda sátira rigurosa. Ese rencor es lo que mejor expresa el filme, sin cederle espacio a ninguna actitud melodramática. Narra la historia de Ron Woodroof (Matthew McConaughey), vaquero moderno de rodeos, mujeriego, adicto a drogas fuertes, a quien se le avisa que tiene el virus del sida, cuando los enfermos infectados con VIH son tan solo cobayas de laboratorios farmacéuticos poderosos. Es película que muestra valentía para hablar. Con excelentes actuaciones de McConaughey y de Jared Leto, hasta el humor virulento –sátira– es camino para el desarrollo de lo trágico, sin acciones gratuitas ni diálogos vacíos.

La pregunta es: ¿acaso para representar una vida excéntrica, irresponsable, histérica, desordenada y bulliciosa la película debe tener iguales características con falso halo de cine irreverente? Creo que no y pienso que esa es la debilidad del filme El lobo de Wall Street (2013), dirigido por el afamado Martin Scorsese. Pasados los momentos de genialidad narrativa, otras secuencias son reiterativas, aquellas son más lentas y algunas sufren de excitación innecesaria. Scorsese asume una falsa posición de irreverente, en detrimento del contenido del filme. La vorágine se le contagia a los actores, sobre todo a Leonardo DiCaprio, quien no pasa de sobreactuar plano a plano.

martes, 4 de marzo de 2014

Otros hablan del Oscar; pero aquí, de Alain Resnais

Otro de los grandes de la Orilla Izquierda del cine nos deja a los 91
años de edad; su último filmeAimer, boire et chanter se estrenará en salas francesas el próximo 26 de marzo, 2014...
Resnais joven

El realizador francés Alain Resnais, decano de la Nouvelle Vague (Nueva Ola Francesa),  movimiento que aflojó los corsés autorales del cine con su grito de libertad, murió en París (1922 - 2014 -1 de marzo-)Tras él queda una filmografía de títulos memorables, como “Hiroshima mon amour”, “La religiosa”, “La guerra ha terminado” y “On connait la chanson”. Hombre inclasificable y de contagiosa vitalidad. 

viernes, 28 de febrero de 2014

Títulos: "Escándalo americano" y "12 años de esclavitud"

He aquí una interesante idea: la de ver la vida como constante ejercicio del engaño. De la mano de un buen director, David O. Russell, tenemos la cinta Escándalo americano (2013), que discurre bien y donde se muestra que, tras falsas apariencias, siempre hay un instante para asumir el amor. Dicho director hace descansar la fuerza de sus conceptos (el contenido) en diálogos inteligentes y en la dirección de actores. Es difícil y hasta injusto señalar a alguien sobre otro u otra. El guion narra las peripecias de un estafador cínico y más bien astuto (Christian Bale), quien se enamora de una fémina de su misma estirpe engañosa (Amy Adams) mientras esta casado con otra (Jennifer Lawrence). Esta pareja se ve obligada a trabajar para un megalómano agente del FBI (Bradley Cooper). El agente los arrastra a ese mundo peligroso, donde se juntan la política y la mafia. Es interesante el relato hecho con distintas perspectivas: según cada personaje, con sus voces fuera de cámara.


Steven Rodney McQueen, nacido en Londres en 1969, de origen afrocaribeño, es fotógrafo y escultor; sin embargo, es más conocido como cineasta y tan solo como Steven McQueen. Ahora tenemos su filme 12 años de esclavitud. Se basa en hechos reales, según la autobiografía escrita por Solomon Northup. Con dicha historia se describe el drama de un hombre de raza negra, violinista, hombre libre, quien es secuestrado, llevado a Louisiana y vendido como esclavo utilizable en las plantaciones de algodón. 12 años de esclavitud tiene secuencias muy rudas para mostrar el dolor inhumano de la esclavitud, como forma de producción. En ese tránsito, la película no escatima imágenes. Las actuaciones brillan por su autenticidad, sobre todo la de Michael Fassbender como el esclavista despótico y, junto a él, Lupita Nyong’o, quien expresa con ardor la tragedia de la mujer esclava.

viernes, 21 de febrero de 2014

"100 metros cuadrados" de Rubio, según Mariano González

El director Mariano González nos ofrece una versión reposada de la obra 100 metros cuadrados, escrita por el español (cordobés) Juan Carlos Rubio. Cuando digo reposada, no quiero decir que sea sin dinamismo dramático alguno. Es que González prefiere una puesta escénicamente simple, para que el proceso presente en sus personajes camine por dentro de cada uno de ellos, pero en relación con el otro o los otros. Es el gran mérito de un trabajo que nos resulta drama lírico potenciado por las exactas actuaciones de Silvia Rojas, de Ana María Barrionuevo (llena de detalles según las sutilezas de su personaje) y Arturo Campos, capaz de sorprenderlo a uno cada vez más de manera positiva. Con magnífico diseño de luces (de Pablo Piedra) y el enlace oportuno de la música para distintas secuencias escénicas, 100 metros cuadrados es teatro que uno siente gusto para recomendar y que yo mismo me he permitido ver en dos ocasiones. [SALA VARGAS CALVO].


Silvia Rojas (presencia),
Ana María Barrionuevo (soltura)
 y Arturo Campos (versatilidad).
Sinopsis: La casa que le ofrecen a Sara reúne las características que ella desea: bajo precio, amplitud y hermosa vista. Solo presenta un inconveniente: la dueña de la casa vivirá en ella hasta el día de su fallecimiento. Teresa (de 73 años) ha sido operada del corazón en dos ocasiones y sin duda no aguantará mucho más. Sara decide jugársela: comprar el apartamento y esperar. Sin embargo... donde uno menos lo espera salta la liebre.

lunes, 17 de febrero de 2014

"47 Ronin: La leyenda del samurái" y Eugenio Derbez con "No se aceptan devoluciones"

*** He aquí una película que se mueve entre el drama, la acción y el género fantástico. Se titula 47 ronin: La leyenda del samurái (2013), primer trabajo como director de Carl Rinsch. Se basa en una vieja fábula japonesa que pone sobre el tapete un tema muy de la cultura oriental: el del honor. Los ingredientes dramáticos y mitológicos se sugieren pronto. No lo hace mal Carl Rinsch. Trabaja bien la estructuración del relato y la consiguiente expresión visual de acontecimientos, con acertada atmósfera de un universo que nos resulta exótico. Se muestra con los diálogos, el hilván de acontecimientos, la seductora dirección artística, la fotografía y la impresionante banda sonora. Por momentos, la película peca de solemnidad; en otros, de rendimiento folletinesco, pero –en general– el resultado es gustoso, interesante, fabulador y positivo.

** El propio Eugenio Derbez, actor, director y coguionista de la película No se aceptan devoluciones (2013), ha de haberse sorprendido del éxito económico de su filme. Se trata de un arquetípico melodrama, más bien comedido, sin excesos ni salidas fáciles, que busca llegar a lo más emotivo de los sentimientos del público para hacerlo vibrar con su historia de apegos y desapegos. El problema es el humor débil presente en la historia. Resulta como obligado o más bien machacón, incluso Derbez como actor. Así, el relato comienza a girar sobre sí mismo, se repite con su condición humorística y le da por morderse la cola. Esta receta cinematográfica se queda con un solo medicamento, por lo que parece relato testimonial más que película con criterio.

SINOPSIS de los argumentos en los comentarios...

lunes, 10 de febrero de 2014

"No" y "El mayordomo de la Casa Blanca"... OJO AL NO

***** Al fin se estrena la película titulada No (2012), dirigida por Pablo Larraín, coproducción chileno-mexicana. Sucede en Chile, durante la dictadura de Augusto Pinochet, quien lleva 15 años en el poder (había derrocado a Salvador Allende en 1973). Obligado por la lucha de fuerzas democráticas y por la presión internacional (incluso de quienes lo llevaron al poder), Pinochet se ve obligado a llamar a un plebiscito. En 1988, dicho sufragio marcará la continuación o no del poder militar fascista y, a la vez, la campaña publicitaria del "No" afectará la vida de quienes están al frente de ella. Con determinación narrativa, la película muestra ambos asuntos como portales en comunicación. Ello es lo mejor del filme: su voz intensa para narrar dos dramas en uno solo, sin fisuras. De alguna manera, el director Pablo Larraín nos recuerda el buen cine político del griego Costa-Gavras, incluso con ese aire documental (imágenes de archivo). No es un modo de entender la política; es la mejor manera de entender el cine como arte, donde el actor Gael García Bernal se muestra eximio y, alrededor de él, hay excelencia histriónica.


*** Dice la sentencia que quien mucho abarca, poco aprieta. Le sucede a la película El mayordomo de la Casa Blanca (2013), dirigida por Lee Daniels, filme que, sin duda, merece mayor densidad dramática. El filme narra la historia de Cecil Gaines, joven que huye de la segregación racial del Sur de Estados Unidos y llega a ser mayordomo en la Casa Blanca. El comienzo de la historia se muestra intenso y dramático, con el reflejo de la vergonzosa e inhumana condición de esclavitud a que fue sometida la población negra, luego el relato deviene aséptico: es más intenso con lo que sucede adentro de la familia del mayordomo. Hay buena dirección de actores; aunque Forest Whitaker ofrece momentos de gran calibre emocional como otros donde la complejidad de Gaines se le escapa. Mucho mejor se ve Oprah Winfrey como la señora Gaines.

miércoles, 5 de febrero de 2014

"Ladrona de libros" y "Jack Ryan: Código Sombra"

**** Tenemos un filme con la guerra vista y sentida desde la mirada infantil. Se trata de la película Ladrona de libros (2013), dirigida por el británico Brian Percival, basada en novela homónima de Markus Zusak.El filme narra la historia de una jovencita llamada Liesel, quien llega a una aldea alemana, adoptada por una familia. Lo que vamos viendo es el proceso de transformación de la muchachita y de quienes la rodean, mientras crecen las fuerzas políticas de Hitler, comienza la guerra, su desarrollo y final, pero cuya brutalidad incide de manera trágica en lo cotidiano. Para Liesel, estas circunstancias la hacen descubrir el poder de las palabras y de la literatura: la palabra escrita se convierte en fórmula para mitigar los tumultuosos eventos. Por eso necesita de los libros, los que están en la biblioteca del alcalde del pueblo, y Liesel decide robarlos. Filme narrado con sentimiento y nobleza: cree en lo que nos está diciendo y, para eso, tiene la mejor complicidad de los actores, sobre todo en la pareja que adopta a la jovencita Liesel, encarnada por Emily Watson (excelente) y Geoffrey Rush. En cuanto a Sophie Nélisse, como Liesel, se le siente parca ante el abanico de emociones que pasa por ella. Vale lo que Ladrona de libros ha logrado con nosotros durante su trayecto. Filme recomendado.


** De nuevo el personaje Jack Ryan está en pantalla grande, venido de las novelas de Tom Clancy, mezcla de acción, política conservadora y espionaje. El filme que ahora lo contiene se titula Jack Ryan: Código Sombra (2013) y cuenta con la dirección del británico Kenneth Branagh, no tan certero esta vez. Como el héroe, tenemos un abúlico Chris Pine, muy aniñado para el caso y deficitario. Es cine de consumo instantáneo, capaz de entretener (cierto), pero olvidable mientras se está viendo.Todo se muestra muy apresurado y dictaminado por esa paranoia de Hollywood de sentir a Estados Unidos como la víctima de cuanto loco haya en el mundo o fuera de él.

jueves, 30 de enero de 2014

Elecciones para Presidente y diputados en mi país, Costa Rica

El domingo 2 de febrero, 2014, hay elecciones para Presidente y diputados en mi país, Costa Rica...

Gane o pierda, este muchacho, José María Villalta Florez-Estrada, vino a sacudir la modorra nacional, enamoró a la juventud con su evidente generosidad y reanimó a los viejos soñadores como yo que hemos luchado por una sociedad más justa, equitativa y solidaria, por un país lejos del capitalismo salvaje y por una condición antiimperialista. Por eso le doy mi voto, a sabiendas de que aún queda mucho qué hacer...
[Este comentario lo puse en Facebook y copio algunas reacciones]
Ahora hay comentarios post-electorales, conocidos los resultados que relegan a Villalta al tercer lugar, pero con buena cantidad de diputados. Pueden leerlos.

domingo, 26 de enero de 2014

"Philomena" es humanismo; "El sueño de Walt" es Disney

Solo por la extraordinaria actuación de Judi Dench tenemos razón de sobra para ver la excelente película británica titulada Philomena (2013), dirigida por Stephen Frears. Narra las desventuras de Philomena Lee, mujer irlandesa que, tras quedar embarazada cuando era adolescente y soltera, como castigo, fue recluida en un centro católico regido por monjas intolerantes y, luego, obligada a dar su hijo en adopción. Cuando ella salió de dicho centro, se dedicó durante 50 años a buscar el hijo que le habían arrebato. Durante ese proceso, encontró a un periodista desempleado que hizo de él los afanes de la noble y dolida mujer. La película retrata esa relación y la búsqueda del hijo con profundo sentido humanista. Ahora el tema es tratado desde la perspectiva del perdón (el poner la otra mejilla). Philomena convence con su tema, con sus personajes y con su estilo, gracias a una intensa mirada personal y a los valores que prodiga dentro de su tragedia. No se la pierdan.


No sé si la película Mary Poppins (1964), dirigida por Robert Stevenson para Walt Disney, será popular para las nuevas generaciones. Esto incide con el éxito o no del filme El sueño de Walt (2013), bajo la dirección de John Lee Hancock, ahora en cartelera. Entre el drama y el melodrama, esta segunda película narra el proceso creativo previo a la filmación exacta de Mary Poppins. No hay duda que El sueño de Walt es película comercial a favor de la escudería Disney, incluida Disneylandia. Tampoco hay duda del interés conceptual por presentar al señor Walt como el tío Disney bonachón y sabio en lo suyo. Poco falta para que sea  hagiografía. El filme nos muestra dos historias. Una de ellas es mostrada mediante retrospección: se trata de la compleja infancia de la escritora P.L. Travers. La otra es el proceso de escritura del guion de Mary Poppins. Lo hace bien la película, sin disensiones entre ambos relatos: buena compaginación.

domingo, 19 de enero de 2014

"Rush: Pasión y gloria", autos de carrera; "Metegol", con futbol

Pasión y gloria
Película para demostrar que un filme de entretenimiento masivo también puede ser cine de excelente calidad: Pasión y gloria (2013), con brillante dirección por parte de Ron Howard. Con gran trabajo de montaje, firmado por Daniel P. Hanley, se narra el universo tenso de las carreras de autos de la llamada Fórmula 1 durante su época dorada, cuando se vivió la rivalidad de dos grandes pilotos: Niki Lauda (austriaco) y el inglés James Hunt, el primero metódico y el segundo vivaz. Así lo fueron ambos, tanto en las carreras de autos como también con sus estilos de vida. La peli lo logra captar con actitud prolija, agudo relato, acertado diseño de personajes, trazado firme de sucesos y con avispados diálogos (guion de Peter Morgan). Los actores también cumplen alto: extraordinario tándem de parte de Chris Hemsworth (como Hunt) y de Daniel Brühl (como Lauda). Cada uno transmite justo el carácter de sus personajes. Destacar: la sabia narración, la lógica visual de las ideas y el impecable tratamiento del tema: “cuanto más cerca estás de la muerte, más vivo estás”.


Muchos de ustedes han visto cine del director argentino Juan José Campanella. Se trata del realizador de filmes como El mismo amor, la misma lluvia (1999), El hijo de la novia (2001) y El secreto de sus ojos (2010). Ahora llega en 3D el filme animado Metegol (2013). En Argentina, el metegol es lo que en Costa Rica llamamos futbolín. La historia tiene ingredientes para un acogedor filme animado: tantos gramos de surrealismo como de romance, oportunas cucharadas de magia con fábula y otros tantos de aventura con humor sustancioso. El guion se basa en cuento del humorista argentino Roberto Fontanarrosa. El filme aprovecha bien el relato, con buen comienzo y mejor final (al centro de la historia le falta un volante creativo). Al inicio, alude al filme 2001: Odisea del espacio (1968), de Stanley Kubrick, con tremendo golazo.

miércoles, 15 de enero de 2014

"El juego de Ender" y... ojo - ojo: "Balada de un hombre común"

De nuevo el cine incursiona en la literatura de ciencia-ficción y diseña otra saga de filmes para adolescentes que guste a mucho público. Es cine industrial. El autor literario es el estadounidense Orson Scott Card, misionero mormón. La novela es llevada a la pantalla por Gavin Hood. Se exhibe, así, el filme El juego de Ender (2013), relato futurista, donde una generación de adolescentes es preparada con rigor militar para desarrollar una guerra preventiva contra cierta raza alienígena. Este pesimismo futurista cansa: siempre plantea un universo en guerra, donde no hay lugar para la paz. El problema es que para llegar a los conceptos más importantes, tenemos que esperar mucho tiempo con secuencias de lo mismo: el entrenamiento duro y manipulador de los adolescentes soldados. Este filme juega demasiado a romper oídos y retinas más que a desdoblar ideas. Las actuaciones también pasan a segundo plano, con Harrison Ford del todo desganado y Asa Butterfield (como el joven héroe) muy rígido siempre.


He aquí la historia de un artista, Llewyn Davis, quien no renuncia a serlo: es su don, su voluntad, su vocación, su afán y su destino. Sucede en 1961, con un invierno severo de Nueva York a Chicago. 

Esa historia es narrada en cine con el filme Balada de un hombre común (Inside Llewyn Davis) (2013), dirigida por dos virtuosos del sétimo arte: los hermanos Coen (Joel y Ethan, también guionistas). Es cine inteligente para público inteligente, o sea, película de buen arte para los amantes del arte. Con la trama y su magnífica ambientación, tenemos la imagen nostálgica de un signo melódico, el folk, y de los clubes nocturnos que lo respiraron. Así, Balada de un hombre común es película que habla con sinceridad. Los hermanos Coen cuentan con ayuda de eximia fotografía, firmada por Bruno Delbonnel. Igual, con canciones sobre cuyas melodías el argumento es pentagrama. El actor Óscar Isaac da un trabajo vibrante como Llewyn Davis: dramático y lírico a la vez. Con él, se lucen la actriz Carey Mulligan (intensa) y John Goodman (portentoso).
Hermanos Coen
No es solo el laberinto del dolor humano el que se expresa en Balada de un hombre común. Los Coen muestran de nuevo su agudo y puntilloso humor seco, que juega de manera notable con la burla y la paradoja. Entre ambos (dolor e ironía), los géneros del cine se mezclan fácilmente. Ethan y Joel Coen han sido llamados por la crítica con el apodo de “director bicéfalo”, pero sus inteligencias suman más que dos cabezas. No ver esta película es algo imperdonable.

domingo, 5 de enero de 2014

"Último viaje a Las Vegas" y "Caminando con dinosaurios"

Cuatro chamacos forjan su amistad y los vemos al comienzo de la película Último viaje a Las Vegas (2013), de Jon Turteltaub. Luego, el argumento pega un salto de 58 años hasta llegar a la tercera edad de estos amigos, quienes se reúnen porque uno de ellos va a casarse con una joven de 31 años. Los cuatro viejos deciden darse un viaje a Las Vegas, donde descubren que muchas cosas han cambiado. Pudo ser película interesante, pero no es así. Es historia cansina, con chistes ralos sobre los años de senectud y con circunstancias más bien anodinas. Último viaje a Las Vegas es filme desaprovechado: como comedia, le falta aliento narrativo y como fábula le falta sentido del humor. Apuesta a su elenco: Robert de Niro, Michael Douglas, Morgan Freeman y Kevin Kline, quienes buscan volver graciosos sus personajes, sin lograrlo. ¿Qué diantres hacen tales actores en una cinta así?

Película animada para niños: Caminando con dinosaurios (2013),
dirigido a cuatro manos por Barry Cook y Neil Nightingale. Se ubica en el momento de las migraciones de animales debido a los cambios climáticos de entonces. Semidocumental, se incluye un personaje animado sobre el cual se sostienen la información y la aventura, incluida una sugerente historia de amor dinosáurica. El problema es que el guion da poco para lograr algo interesante y el relato nunca fluye de mejor manera. La escasa calidad de la animación se complementa con diálogos poco inteligentes, aunque el halo de buen humor hace que el filme sea agradable. No es la mejor experiencia animada, pero tampoco es para rechazarla del todo.

lunes, 30 de diciembre de 2013

"Frozen: Una aventura congelada" y "Mejor... ni me caso"

Los estudios Disney recogen algo de sus mejores tiempos fílmicos (cuando los dibujos animados), y lo hacen con la versión digital del cuento La reina de las nieves, escrito por el danés Hans Christian Andersen (1805-1875); eso sí, con más variables de la cuenta. La película de ahora se titula Frozen: Una aventura congelada (2013). Su trama narra la historia de dos hermanas, las princesas Anna y Elsa, donde la segunda viene marcada por el don de convertir lo que la rodea en hielo. Elsa es personaje con poderes digno de la serie X-Men. Podemos afirmar que entre sus virtudes y deficiencias, más lo primero que lo segundo, Frozen: Una aventura congelada resulta filme bastante agradable para la familia.

He aquí una comedia cuya premisa es la siguiente: ¿desde cuándo una boda es asunto de dos personas? Se trata de la película titulada Mejor… ¡Ni me caso! (2013) dirigida con irregularidad por Justin ZackhamDicho filme es refrito de la película franco-suiza titulada Mi hermano se casa (2006), escrita y dirigida por Jean-Stéphane Bron. La trama de Mejor… ¡Ni me caso! es típica de una comedia de enredo; pero el filme, en lugar de explotar dicha condición, prefiere irse por el tono más cursi y hasta por chistes escatológicos (“cochinos”). Es así como el argumento bordea el drama ramplón o de telenovela. Cuando intenta de nuevo lo gracioso es en vano: el filme ha sucumbido ante lo cursi y, por la misma razón, ante una puesta visual de mal gusto (kitsch). 

miércoles, 25 de diciembre de 2013

"El Hobbit: La desolación de Smaug" y "Nosotros los nobles"

He aquí una película que apuesta a narrar poco; en cambio, busca exhibirse con su parafernalia visual (desarrollo tecnológico). El director neozelandés Peter Jackson sabe cómo llegarle a la miel del éxito. Lo hizo con sus filmes sobre el anillo imaginado para la literatura por J.R.R: Tolkien. Ahora, bebe del mismo cáliz y estamos ante su segundo filme de la saga hobbitiana El Hobbit: La desolación de Smaug (2013). Esta película se sostiene al alargar eventos y rumiarlos con su elegante puesta en escena. El placer y encanto del filme están ahí.Lo que se pierde es la articulación narrativa de la historia. Lo peor es la sensación de puente que tiene este filme entre el anterior y el que le sigue. Despierta la capacidad de asombro, pero no la de pensar.

Cuando el director español Luis Buñuel llegó a México, le ofrecieron rodar la película Gran Casino (1947), con Jorge Negrete y Libertad Lamarque. Fue un fracaso. Buñuel estuvo a punto de abandonar el cine; pero he aquí que le dieron a filmar El gran calavera (1949) y el éxito le llegó. Ahora, aparece un novel director mexicano, Gary Alazraki, quien realiza su primer filme con base en El gran calavera. Es lo que se llama un refrito. La película se titula Nosotros los Nobles (2013), sátira sobre el estilo de vida de jóvenes "niños-bien", hijos consentidos de la burguesía: los "fresas" a quienes ahora les dicen "pipis". El filme hila secuencias con ironía y burlas sangronas e igual procura una abierta crítica sobre males modernos como el egoísmo, la vanidad social, el individualismo, el pragmatismo burgués, el consumismo y la pedantería de los adinerados. Nosotros los Nobles sirve para reírnos de los ricos cuando estos lloran algunas penas.

domingo, 15 de diciembre de 2013

"Los amantes pasajeros", la mala película; "Intriga", la buena

El director manchego Pedro Almodóvar vuelve por sus primeros pasos, aquellos que, poco a poco, lo hicieron famoso y le dieron lustre artístico en el cine. El problema es que perdió la horma del zapato y su filme de hoy camina sin plantillas cuando le hacen falta. Con Los amantes pasajeros (2013), Almodóvar cree hacer una gracia y le salen sapos, mientras lo visual resulta poco creativo y abigarrado (sin orden ni conexión), arbitrario y de poco deleite (el peor manejo del mal gusto). La homosexualidad es signo común del erotismo en la película, lo que no le es defecto; sin embargo, Almodóvar lo presenta de manera tan chambona que se queda uno sin entender su propósito: si Pedro Almodóvar quería tirarle al cura, se pegó al sacristán. Esta película es como que uno tenga hambre y le den bicarbonato.


Una buena película sabe narrar con imágenes, por eso necesita de una buena historia que contar y de esa historia bien contada. Esto se cumple con el filme titulado Intriga (2013), policial dirigido con bastante mérito por el canadiense Denis Villeneuve, quien narra una buena historia en desarrollo constante y administra con buen cálculo la complejidad de los sucesos y la de sus protagonistas. Con suspenso, lo policial se manifiesta dentro de un laberinto de pasiones y traumas, donde lo oscuro del ser humano se sostiene –incluso– con percepciones religiosas y donde los valores tradicionales se confunden con visiones degeneradas o espurias sobre la existencia humana. (Todo parte del secuestro de dos niñas). La trama es cada vez más interesante y los personajes se enriquecen con sus propios diseños: las actuaciones le dan fuerza dramática al relato, donde destacan Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal.

viernes, 6 de diciembre de 2013

No sé qué será el 1111 en la numerología: aquí sí significa

No sé qué será el 1111 en la numerología, pero estoy entre alegre y sorprendido de ver que mi blog, La huella del ojo, haya alcanzado esa cantidad de seguidores. No es fácil. Esto no es Facebook ni Tuiter. Implica algo más, sobre todo conceptualmente ("lo importante es el concepto"), o sea, el contenido y, a la vez, en la tradición bloguera, la forma de cómo presentamos ese contenido. Sí, hay un ejercicio de presentación: la búsqueda del resultado visual. Fue mi amiga Evelyn Ugalde la que me invitó a hacer un blog. Lo hice y lo cerré al tiempo. Luego volví con este y me he quedado. He hecho muchas amistades dentro y fuera del país gracias a esta huella del ojo, a la mirada crítica. No solo es asunto de amistades, he conocido gente talentosa para pensar y escribir: me ha servido para aprender y no solo para escribir. Me siento satisfecho. Algún día cerraré este blog, pero no será pronto. Gracias a tanto bloguero y bloguera, seguimos en contacto.

Wílliam Venegas Segura

jueves, 5 de diciembre de 2013

"Kon Tiki: Un viaje fantástico", un gran libro es buen filme

La expedición de la Kon Tiki, capitaneada por el explorador noruego Thor Heyerdahl, es traída a la pantalla grande. Primero fue éxito literario; luego fue documental que ganó el Oscar en 1951; ahora se narra como cine de aventuras, sin perder lo real: Kon Tiki: Un viaje fantástico (2012), dirigido a cuatro manos por Joachim Rønning y Espen Sandberg, filme realizado con solvencia, cariño y elegancia estética a partir del guion firmado por Petter Skavlan, bien apuntalado por la música y por la deslumbrante fotografía. Lo cierto es que el equipo responsable de la película se tomó con mucho amor la recreación del viaje de Thor Heyerdahl, en 1947, de Perú a la Polinesia (a Tuamotu), para demostrar que incas precolombinos llegaron a la Polinesia y que, por consiguiente, el mar no fue obstáculo, sino ruta de comunicación. La tripulación navegó en una balsa construida según el modelo usado por los indígenas, tal cual, y se dejó llevar por las corrientes marinas, por las mareas y por la fuerza del viento. Queda aquí el encargo para ver este filme.
Crítica completa, CLIC enhttp://www.nacion.com/ocio/cine/Kon-Tiki-Viaje-olvido_0_1382261805.html

lunes, 2 de diciembre de 2013

"Los juegos del hambre: En llamas": tiene presencia política

Es buen filme: Los juegos del hambre: En llamas (2013), dirigido por Francis Lawrence. Hilvana bien lo fantástico del género, el drama de los personajes y el umbral político.

El filme habría ganado más con menos tiempo de metraje: habría sido menos superficial y menos discursivo, con más acción y más intensidad. Aún así, el argumento es emocionante, incluso con la desventaja de ser película puente entre el filme anterior y el que le sigue (o los que le siguen). Así, supera su propia condición ilativa y logra atemorizar ante la posibilidad de un futuro deshumanizado, donde los poderosos concentran aún más su poder para ejercerlo de manera bestial. ¡Qué bien muestra esta película su carácter distópico! La alegoría política es sustancial. Sin duda, Jennifer Lawrence es actriz excelente: ella es punto alto con su personaje principal, la joven Katniss. No sucede igual con Josh Hutcherson, como Peeta, y la trama se resiente con la diferencia. Hay tres secundarios de lujo: Woody Harrelson, Donald Sutherland y, sobre todo, Philip Seymour Hoffman, gran actor dramático.

lunes, 25 de noviembre de 2013

"La chispa de la vida": hay varapalos muchos para la prensa

El nombre del director español Álex de la Iglesia es garantía de que, en sus manos, una comedia cinematográfica camina por la ruta del humor más sulfuroso. Su cine es bueno entre el humor negro y el esperpento español, esa deformación de la realidad que el conocido escritor Ramón del Valle-Inclán convirtiese en género propio, en teatro como en la novela. Se exhibe ahora La chispa de la vida (2011), que retoma su tránsito habitual, aunque sin el desenfado ni la capacidad hiriente de otros títulos suyos.  Allí hay varapalos muy distintos; aunque son la prensa y el ejercicio mediático de la realidad quienes se llevan la peor parte. La trama sucede en plena crisis económica, que chispea al creador de la frase de la Coca Cola, la que dice “la chispa de la vida”. El personaje se llama Roberto (gran actuación de José Mota), dispuesto a sacarle jugo a su desgracia, por un brutal accidente que sufre. Hay acentos de las comedias de Shakespeare, que tienden –a su manera– al desarrollo de lo trágico. De lo que no hay duda es que De la Iglesia sabe narrar  bien y sabe estructurar los acontecimientos con distintos acentos en su ritmo. Con humor cercano al de Billy Wilder por su filme titulado El gran carnaval (Cadenas de roca, de 1951), debo recomendarles que asistan a ver La chispa de la vida, definida como comedia de despropósitos.

domingo, 24 de noviembre de 2013

"Capitán Phillips", pese a su indebida duración es buen filme

Si algo tiene la película Capitán Phillips (2013) es nervio, gracias a la habilidad de su director inglés Paul Greengrass para narrar con imágenes y con ese juego que lo caracteriza, donde la ficción semeja lo real y lo real deviene ficción. Capitán Phillips narra la historia real de Richard Phillips, capitán del carguero norteamericano Maersk Alabama, que fue asaltado en el 2009 por piratas somalíes. Se narra con gran tensión y con la firmeza propia de un buen “thriller”, sobre todo en su primera mitad (la presencia de los piratas al ataque). Los hechos van al borde mismo de lo más emocionante. Sin embargo, el filme no desdeña oportunidades para hacer apuntes sociológicos:
Sin justificar el método de la piratería, entendemos que los trabajadores pesqueros de Somalia se ven obligados a cambiar su labor ante el empuje inescrupuloso de las grandes compañías, porque les arrebatan terrenos de mar para la pesca. Luego aparecen mafias que los organizan para convertirlos en piratas, a los que les toca el trabajo duro por poca paga. Por dicha hay un buen actor:  Tom Hanks, memorable en el epílogo, le da cuerpo escénico y sustento a esta propuesta de Greengrass. Lo que sí, con menos duración o metraje, este filme habría sido mejor.

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martes, 19 de noviembre de 2013

"Puerto Padre": película narrada con poco ímpetu y arte

Con tonos propios del naturalismo literario, se estrena la película costarricense titulada Puerto Padre (2013), dirigida por Gustavo Fallas. El filme habla de utopías para mostrar una realidad indeseable en sí misma que amarra –a los personajes– al determinismo: no hay manera de encontrar el mejoramiento social soñado. El personaje central es quien unifica dichos conceptos. Él vive en el golfo de Nicoya y viaja en búsqueda del padre ausente y con afán de encontrar trabajo en un barco. Es así como el joven, llamado Daniel, llega a Puntarenas. En un hotelucho conoce a otros sujetos igualmente disminuidos por su condición de marginados sociales. Ella es joven y madre soltera, abusada emocionalmente y obligada a la prostitución para rentabilidad del viejo que la explota. De manera significativa, ella se llama Soledad. El viejo se llama Chico. Con este trío y algunos personajes secundarios (sin que haya subtramas enriquecedoras), se establece el núcleo argumental. Lo malo es que esta historia está narrada con poco ímpetu y con un tratamiento del tema más bien superficial, anecdótico y hasta melodramático. La música y la fotografía ayudan poco. Las actuaciones son deficientes y, en el caso de Gabriel Retes, es tan mala que más bien resulta estorbosa. Jason Pérez es del todo inexpresivo y Adriana Álvarez queda debiendo según su probada capacidad. Lo otro, de cómo esta película ganó el Festival Internacional de Cine recién terminado en San José, de eso mejor ni hablemos.
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domingo, 17 de noviembre de 2013

"Princesas rojas": cine hecho con talento y corazón

Vuelve el cine costarricense con una muy buena película. Ahora la directora Laura Astorga se ha atrevido con un tema complejo y tenemos el filme Princesas rojas (2013), emotivo y poético
No es solo lo emotivo del argumento, sino también la inteligente estructuración del relato que lo convalida, el justo planteo de situaciones y el tratamiento fílmico que hace coherente lo narrado. La historia de un matrimonio involucrado en un proceso revolucionario que acentúa dificultades de la vida en pareja, esa historia tan adulta es vista desde la mirada de dos niñas que intentan construir su propia realidad.Por eso es que Princesas rojas tiene una dosis alta de persuación y a ella responden muy bien los diálogos, la definición de personajes y la sensibilidad de las imágenes. Aquí es donde hay que exaltar el gran trabajo de dirección con las niñas actrices: Valeria Conejo (como Claudia, la hermanita mayor) lleva su personaje a la altura del filme. Si bien la fuerza de Princesas rojas reside en la lograda estructura de sus ideas y de su tema, está claro que dicha niña le da a ese relato la vitalidad que necesita. Como su hermanita menor, la niña Aura Dinarte responde con sinceridad, “duende” y convicción. Con estas jovencitas, el filme adquiere su tierno y ajustado tono poético en medio de la crudeza del drama adulto. Esto se vigoriza con ritmo preciso. Lástima que los actores adultos no respondan con el mismo ánimo histriónico de las niñas. Más parecen figuras robóticas, monolíticas o estólidas: sin matices. Estamos ante una película admirable tanto en su concepción como en sus resultados; es cine hecho con el corazón y con mucha sensibilidad, sin caer en la sensiblería desfasada, de ahí que mantenga su estimable pulso narrativo. Cine para recomendar.
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martes, 12 de noviembre de 2013

'Tesis sobre un homicidio': la soberbia de los asesinos...

Hablemos del filme argentino Tesis sobre un homicidio (2013), dirigido por Hernán Goldfrid. Como es lógico, hay un asesino y un investigador. Al asesino no lo conocemos, pero a quien investiga sí. Se llama Roberto Bermúdez, abogado de cierta edad, profesor de Derecho Penal. Un día, mientras Roberto imparte un seminario, afuera del aula, una joven aparece violada y asesinada. Roberto percibe que se trata de un delito adrede para provocarlo a él y sospecha de uno de sus alumnos. ¿Tendrá o no razón Roberto? ¿Quién es el asesino? ¿Por qué el carácter metódico de dicho crimen? ¿A qué el debate sobre el papel de la justicia en la sociedad actual? ¿Existe el azar en la conducta criminal y, por tanto, en la aplicación de la justicia?, ¿es la justicia tan solo un instrumento del poder político?, ¿hay soberbia en la conducta de un asesino?, ¿existe la lógica por sí o es mera invención humana? El filme se las trae con el aporte de conceptos. Su problema está en el tratamiento de la historia narrada por ese carácter abúlico presente en el desarrollo de los acontecimientos. La pereza narrativa es evidente. La gran excepción es la música y el ejemplar uso que se hace de ella. También es cuando los actores Ricardo Darín y Alberto Ammann se ven obligados a sacar pecho con sus personajes (bien diseñados). Lo hacen bien, aunque queda la sensación de que podrían haberlo hecho con más tensión dramática.

lunes, 11 de noviembre de 2013

"Me han secuestrado, aló, 911...": Línea de emergencia

He aquí película capaz de hacerlo palpitar a uno desde cualquier parte del cuerpo, mientras la ansiedad se mezcla con el suspenso: Línea de emergencia (2013), dirigida con talento y tono preciso por el director Brad Anderson, quien se luce con su manejo de la gramática del cine de acción. Línea de emergencia es película más bien atípica dentro del “thriller” hollywoodense, porque logra mantener un alto nivel de suspenso sin alardes económicos y con un estilo narrativo bastante limpio. A la vez, tiene un importante acercamiento a esos personajes que se pasan el tiempo laboral ahí, casi olvidados, en constante ayuda hacia quienes la necesitan. Se trata de los servidores que atienden las líneas de emergencia del 911, de sus cavilaciones personales e, incluso, de sus forzados distanciamientos ante las llamadas de auxilio. Si Línea de emergencia aumenta en uno el ritmo cardiaco, de eso se trata; total, sarna con gusto no pica. Podríamos pedirle al guion un mejor perfil psicológico del personaje secuestrador; pero el que no lo haga no rompe –para nada– el alto voltaje de la trama. Buenas actuaciones de Halle Berry y de Abigail Broslin. Filme recomendado.

martes, 5 de noviembre de 2013

Thor: un mundo oscuro; pues sí, como el de Obama

Siguen los superhéroes engrosando pantallas de cine con películas, secuelas, precuelas o lo que sea. Con ellos, la mirada de la industria del cine está en las boleterías. Ahora llega Thor: Un mundo oscuro (2013), dirigida por Alan Taylor, sujeto venido de la televisión, donde fue director de la serie Juego de tronos (2011). Esta nueva aventura del hombre del martillo endiosado, con el cual no hay mona que pegue tres brincos, nos muestra que todo es guerra, porque la guerra sirve para conseguir la paz, dice el padre de Thor. [Recuerden el discurso de Obama, presidente de Estados Unidos] Los “fans” de superhéroes lo perdonan todo; por eso, no les molesta que haya naves espaciales del todo futuristas mientras, igual, se combate con flechas y espadas. A veces, uno siente que se está ante un filme peplum de héroes grecorromanos; igual, semeja versión retro de cualquier guerra galáctica. Arroz con mango. Como nota al margen: ¿qué será que esta industria del cine sustenta sus emociones en lo bélico, en guerras de nunca acabar? Ello podría hacerle creer al espectador menos crítico que la guerra es un estado natural de la condición humana. Ideológico el asunto. ¿No les parece? Dejo más opiniones: ver "Comentarios".

miércoles, 30 de octubre de 2013

De aquella "Carrie" a esta "Carrie": largo muy largo trecho...

En mis largos años de escribir y hablar sobre cine pienso que el mejor crítico de cine es... 

...el cubano Guillermo Cabrera Infante, quien durante mucho tiempo firmó como G. Caín (contracción de su nombre y apellidos) en la revista cubana Carteles y siguió haciéndolo en el exilio. Esto a cuento de lo que Cabrera Infante escribió sobre la película Carrie (1976), dirigida por Brian de Palma. Dijo: “Film hermoso visualmente, obra de un virtuoso artístico, de un técnico maestro, de una brillantez rara aún en un cine técnicamente perfecto como el cine norteamericano actual”. Una frase como esa es la que no se le puede aplicar, para nada, a la nueva versión de la novela escrita por Stephen King, dirigida por Kimberly Peirce, con igual título: Carrie (2013). Esta última es película que languidece por ausencia de creatividad: su historia es contada sin mayor imaginación y sin hondura dramática. Todo es esquemático con esta película. Los personajes parecen monigotes. Lo que sí es novedoso y razón por la cual Carrie (2013) podría ser útil para cineforos con adolescentes, es la presencia de eso que ahora llaman bullying, hostigamiento llevado al maltrato psicológico propio de esta era tecnológica, que Brian de Palma no tuvo en sus manos ni Cabrera Infante para su crítica.

miércoles, 23 de octubre de 2013

La otra cara de un cuento: "Blancanieves", buen cine español

Estamos ante una película española con valor para narrar el cuento de los hermanos Grimm con libertad y criterio, tanto en su contenido como en su expresión fílmica: Blancanieves (2012), dirigida por Pablo Berger. La película se narra a sí misma en blanco y negro, de manera silente y con ocasionales cartelitos para conceptualizar mejor algún diálogo o para resaltar algún estado emocional. El hilo conductor de la trama es la música, ejercicio entre jazz, tango, flamenco y pasodobles (aunque hay momentos en que es necesario cerrar los oídos, para no sentir el exceso). Los elementos sígnicos del cuento se manifiestan bien; pero Pablo Berger (también guionista) no se limita al realismo tradicional, sino que igual recurre a elementos surreales y oníricos (a lo Buñuel). Blancanieves logra adentrarse en los laberintos del enigma al enfatizar el tono de ciertas reacciones humanas, sobre todo las del personaje femenino ante su pasado, ante su madrastra y ante lo que le significa simbólico (el gallo Pepe, la tauromaquia, el baile flamenco y el amor por el padre que la abandonó). Con el tratamiento visual escogido por Berger, el énfasis narrativo se nutre a partir del diseño de personajes (excelente) y, por tanto, de las buenas caracterizaciones que de ellos logran los actores y, sobre todo, las actrices.
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martes, 22 de octubre de 2013

Por sus películas lo conoceréis: Alfonso Cuarón y "Gravedad"

Alfonso Cuarón se luce con su más reciente trabajo titulado Gravedad (2013). Es película de alta calidad visual, drama armonioso por su brillantez estética. Pareciera que hubiese sido filmada con cámaras sobre zapatillas de satén, las de ballet: el movimiento es melódico-armonioso, aún en sus secuencias de choque, que las hay. La dirección escénica es meticulosa, llevada con gran cuidado y con criterio lírico-épico, para adentrarnos en la vastedad ilimitada del espacio, que la película ofrece con la extraordinaria fotografía de Emmanuel Lubezki, la buena actuación de Sandra Bullock y el carisma de George Clooney. Este filme enseña que el 3D es válido si se maneja con criterio retórico. Para filmes como este es que nació la tecnología tridimensional: lo visual de Gravedad está en absoluta coincidencia con las cualidades narrativas del filme y con sus distintos estados emotivos, de lo que aún está por ser conocido en el espacio. Es cine hecho con sensible inteligencia y con sensibilidad inteligente, valga el juego de palabras.
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