SEGUIDORES: SE TRATA DE LA HUELLA DE CADA SEGUIDOR, ¡AL OJO! ¡DEJE AQUÍ SU HUELLA!

lunes, 29 de septiembre de 2014

Lo económico en el sexo enajena: es teatro color de piel

Gustavo Rojas y Andrea Oriza
en uno de los desnudos de Ilegal
Ilegal es propuesta riesgosa. Esto es bueno cuando se hace teatro a sabiendas de que en un escenario se inventa la libertad. El texto, interesante, le pertenece al dramaturgo Luis Araújo, quien, con la conducta humana, señala hasta dónde son alienantes las relaciones de mercado, las que convierten en mercancía la condición humana. Es el destino trágico, cargado de determinismo, de una mujer prostituta, inmigrante y sin protección social. Es ella ante hombre-animal de rapiña. Este tiene dinero para dar rienda suelta a sus perversiones ante el desamparo de la mujer. (Ella: Yo vendo lo que tú compras; Él: Yo compro lo que está en venta). El actor Gustavo Rojas logra darle intensidad a su personaje, lo llena de matices, convence con él y con su carnalidad descarnada. La actriz Andrea Oriza no le soporta el tren dramático y solo por momentos logra sacudirnos con la supuesta angustia de una mujer-víctima. La música y la escenografía se dan como signos valiosos para darle ímpetu a los acontecimientos. Los desnudos de actor y actriz no siempre son oportunos, por momentos son vacíos y, en otros, más bien contaminan la naturaleza dramática del texto: "es bueno el culantro, pero no tanto". Pese a esto, es de elogiar el gusto e instinto del director Jaime Hernández para llevar este tema de impacto social a buen puerto dramático.

martes, 23 de septiembre de 2014

"La colección" de Harold Pinter según el Teatro Estudio

Harold Pinter es un gran dramaturgo, no hay duda, y siempre sus textos son sugerentes para que alguien los lleve a escena y uno quiera verlos 

En Costa Rica, ahora, el grupo Teatro Estudio ganó un proyecto (Escena Viva) y acaba de cerrar temporada con la obra de Harold Pinter titulada La colección. Se trata de una comedia para desenmascarar los juegos de la hipocresía, sobre todo cuando hay asuntos amorosos de por medio. Son dos parejas. La esposa de una le cuenta a su marido que estuvo con un colega en determinado hotel. El marido busca al tipo y comienza un juego de mentiras que puede ser de verdades o uno de verdades que puede ser de mentiras. Pinter solo desnuda ese juego de apariencias. El problema de la puesta es escena del grupo es su falta de dinamismo, al punto que ni parece comedia ni se convierte en drama. Culpa de la deficiente dirección de mi amigo Leonardo Perucci
Su lentitud es ceremoniosa, de funeral, mientas los personajes se la pasan tomando licor sin que nunca se vean ebrios. La verdad es que las actuaciones, en su conjunto, son deficitarias, superficiales, sin retro-alimentación entre ellas: van de malas a peores, como si solo encarnaran una anécdota. Luis Carlos Vásquez es el peor, parece principiante asustado. Bernardo Barquero no corrige aún su pésima dicción. Tatiana Zamora solo flotó por ahí y Arturo Campos se esforzó, él solo. Interesante la escenografía, sin ser original con este texto; buen trabajo de luces, pero nunca fue acertada la banda sonora (no funcionó como subrayado). Resultado frustrado para un intento pinteriano.

lunes, 15 de septiembre de 2014

Luego del 1, obvio, ahora el Volumen 2 de "Ninfomanía"

El filme ajusta el duelo entre coherencia y caos. Entre razón y pasión. Entre sexo y cultura. Orgasmo y arte. Clítoris y religión. Lo sagrado con la blasfemia. Metáforas del duelo entre este cine provocador con respecto al cine convencional de la gran industria.

Un promedio de cinco horas para una película es demasiado, así nos la dividan en dos partes. Estamos ahora con Ninfomanía Volumen 2 (2013) de Lars von Trier y sigue la misma trama: una mujer -Joe- se confiesa de ser hipersexuada, cada vez con menos culpa, pero en búsqueda de redención. Su deuteragonista es un viejo solterón -Seligman-, quien oye a dicha ninfómana con paciencia cuaresmal. En esta segunda parte, se impone la presencia sólida de la actriz Charlotte Gainsbourg. Ella le da peso dramático al filme, pero extraño a la actriz Stacy Martin de la primera parte, quien encarna dicho personaje -más joven- con sugerente erotismo. Ninfomanía Volumen 2 llega con ritmo más lento, con diálogos más académicos y con sucesos que se alargan más de la cuenta. Sucede que Von Trier  defenestra su trabajo con la aceleración final de la película: injustificado cambio narrativo, donde un personaje gira sin explicación para, así, imponer “lo trágico”. Hay momentos más bien cansinos, como la secuencia sadomasoquista, que solo define la buena actuación de Jamie Biell.
Para leer la crítica completa, CLIC en este enlace:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Ninfomania_0_1439256078.html

miércoles, 3 de septiembre de 2014

El Volumen 1. "Ninfomanía" del danés Lars von Trier

Con su cine y sus reglas del manifiesto Dogma 95, no sé si el realizador danés Lars von Trier es un provocador inteligente o un alborotador excéntrico. Lo cierto es que tanto Lars von Trier como su colega Thomas Vinterberg, con dicho manifiesto, proclamaron un arte alejado de los efectos especiales dominantes en el cine actual. Von Trier ofrece ahora una película de cinco horas promedio que ha sido dividida en dos partes para su explotación comercial: Ninfomanía (2013). Dicho filme es parte de una trilogía llamada “De la depresión”, pero a los cines de Costa Rica solo ha llegado ésta. Antes de Ninfomanía están Anticristo (2009) y Melancolía (2011). En todo caso, el “final” de Ninfomanía Volumen 1 no está nada mal: cierra bien una situación y abre expectativas sobre lo que vendrá (especie de celada narrativa). La película es la suma de situaciones distintas unidas por una mujer que le habla a un viejo solterón sobre su “yerro” de la hipersexualidad. Aún se discute sobre si la ninfomanía es obsesión, adicción o compulsión, pero en el filme comienza a verse como pecado, con alguna misoginia. Luego sentimos que se nos lleva hacia otra explicación, gracias a la presencia del viejo, quien contagia el tema del sexo con otros asuntos. Ese discurrir es lo mejor del filme, apuntalado con bien logradas imágenes (bien lograda la relación entre la música de Bach con los distintos tipos de acercamiento sexual). Todo ello dicho todo con naturalidad, sin pedantería intelectual. La relación entre culpa y ninfomanía se formula bien en esta parte, sin alardes freudianos para expresar la búsqueda incesante del erotismo y del orgasmo. Se trata de la mujer, a quien la sociedad le niega la sexualidad que sí le permite al hombre. Los diálogos son transgresores: nos hacen sentir ante un buen filme, aunque por secuencias resulte disperso.
Para leer la crítica completa:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Ninfomania-Cine-Von-Trier-misterio_0_1436856311.html

domingo, 31 de agosto de 2014

Pasemos a otra película: "Las vueltas del destino" o "Agosto"

Cuando una obra de teatro cambia su sintaxis para asumir la del cine, pierde densidad dramática, pero gana en expresividad visual. [No es una regla].No conozco el exitoso texto dramático de Tracy Letts titulado August: Osage County, pero siento que la película mantiene su tensión dramática. El propio Tracy Letts es quien ha escrito el guion del filme, dirigido por John Wells. En Costa Rica, esta película se titula Las vueltas del destino (2013). En otros países se presenta con el más escueto de Agosto. La historia narra el develamiento brutal del lado más oscuro en la personalidad colectiva de una familia disociada. Sucede al suicidio del señor de la casa, en Oklahoma, cuando saltan en la familia los instintos reprimidos y los reproches mal guardados. Lo mejor de la película es que cuando ese eje dramático llega a un punto alto y no baja más: mantiene un compás dramático siempre inquietante. Con música excelente de Gustavo Santaolalla, el elenco es aplastante con sus tensas y densas actuaciones (sobre todo, Julia Roberts). Las actuaciones exprimen con fibra las desventuras de los personajes. El director privilegia la búsqueda de la autenticidad sobre el efecto melodramático: hay rigor y honestidad en ello. Lo fallido es que el predominio del diálogo pesa mucho para decretar el contenido del filme. ¿Será por eso mismo que Meryl Streep, por momentos, subraya su personaje de manera teatral? Solo queda recomendarles este filme.

Para leer la crítica completa, haga clic en
http://www.nacion.com/ocio/cine/Drama-agosto_0_1434856564.html

martes, 19 de agosto de 2014

"Paraíso: Amor" y "Los indestructibles 3": agua y aceite.

Meritoria película: Paraíso: Amor (2012), dirigida por el austriaco Ulrich Seidl. Es primera película de una trilogía, cada una con su unidad dramática propia (entendible por sí sola)

LAS otras de este triple estudio se titulan Paraíso: Fe (2012) y Paraíso: Esperanza (2013). El director Seidl nos habla sobre esas carencias sentimentales capaces de punzar o de angustiar al más entonado. Como pintura realista, pero con colores más bien pálidos y con cierta llamativa quietud, Paraíso: Amor relata la conducta de las llamadas “sugar mamas”, quienes van de Europa a Kenia en búsqueda de sexo, tras el mito fálico del negro africano. Tras la desolación de los personajes, algo queda claro: el amor es inútil en la gran industria del turismo, mercancía transmutada en sexo, por lo que en la desnudez de una cama es inútil mirarse a los ojos. En Paraíso: Amor hay una buena actriz para el personaje principal: Margarete Tiesel.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Eden-amor_0_1433456714.html



Testosterona idiotizada: Con esa frase podemos resumir la mala calidad de la película Los indestructibles 3, perpetrada por Patrick Hughes

AQUÍ, actores pésimos encarnan a un grupo de “machos” capaz de matar y matar, y de hacerlo con gusto. La trama es lo de menos. Lo único que interesa es el zipizape ruidoso e ilógico que se arma por cualquier cosa. El peor actor, si le cabe la palabra, es Sylvester Stallone. Es posible que este tipo de cine tan violento tenga su cofradía de seguidores por ahí, con gustos fascistoides. Los indestructibles 3 es cine en estado de coma, cuya narración va a puros manotazos de ahogado. Uno se queda sin entender cómo alguien paga por ver este “churro” o, peor, que alguien cobre por exhibirlo.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Indestructibles_0_1433656676.html

jueves, 14 de agosto de 2014

"Hércules" y "La eterna noche de las doce lunas

He aquí otra película de superhéroes, pero esta no sucede en Nueva York ni en Chicago. Eso sí, llena de efectos especiales y con poco seso en el guion. En este filme, el superhéroe del caso no sabe que, más bien, él es un semidiós. Esta “peli” tiene como título Hércules (2014) y viene dirigida por Brett Ratner. Llega desde un cómic planteado por el británico Steve Moore. En esta la película, con ayuda de la pésima y hasta risible actuación de Dwayne Johnson, este “héroe” no pasa de ser un mercenario que vende su fuerza y estupidez. Lo único salvable en este filme tan mal dirigido es la música de Fernando Velázquez. Nada más. Asuntos como decorados, vestuario, composición en las batallas, sensación de movimiento y ritmo, con este Hércules son menos que baratijas. Este cine se llena de efes: filme feo, flojo, frágil, frío, falso, farsesco y farragoso.


He aquí un título poético y sugerente. Se trata del documental La eterna noche de las doce lunas (2013), de Priscila Padilla, colombiana estudiada en el Conservatoire Libre du Cinemá Francaise, en París, Francia. Al verlo, pronto nos damos cuenta de su valía poética, lleno de plasticidad visual y de solidaridad, pero confuso en su propuesta, por lo que las imágenes juegan hacia un lado y que se dice va por otro. Con este documental, los bueyes no jalan parejo. La eterna noche de las doce lunas muestra, en estampa costumbrista, el encierro ritual en una casita de barro, durante doce lunas (un año) de una niña en su tiempo de menstruación, cuando de muchachita pasa a mujer, esto en la comunidad wayúu, en la frontera colombo-venezolana. Fuera de su tratamiento lírico, La eterna noche de las doce lunas no tiene mayores logros cinematográficos: es pariente pobre del cine.

lunes, 4 de agosto de 2014

"Guardianes de la galaxia" y "Dos vidas": bien y distintas

Con más y más superhéroes del cómic, he aquí otro filme del género fantástico que –como tal– huele y sabe a historieta. Se titula Guardianes de la galaxia (2014), dirigido por James Gunn. Si algo hay que alabarle a esta película es su poco afán por tomarse en serio a sí misma, por lo que construye una aventura descuadernada cuyo sostén está en el humor, el buen humor, ese que transita a lo largo del argumento y aparece para tapar algunas fisuras narrativas. Aún con su demencia visual y artificioso trucaje, Guardianes de la galaxia, gracias a su fino humor y a sus bien diseñados personajes, se convierte en filme entretenido. Con su idea de presentar héroes con pinta de antihéroes, gana en peculiaridad.
Crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Guardianes-galaxia_0_1430656979.html


He aquí un filme de suspenso emotivo. Se titula Dos vidas (2012) y viene dirigido a cuatro manos: las de Georg Maas y Judith Kaufmann. Dos vidas recoge uno de los tantos momentos dolorosos luego del trauma de la Segunda Guerra Mundial. El tratamiento de la película es el del  “thriller psicológico”: la acción se conjunta con la tirantez emocional de los personajes, esto es, con lo que ellos sienten de manera agónica, lo que al fin marca la fuerza dramática del relato. Un poco de historia: Para contextualizar la película, su trama sucede cuando la Alemania nazi dio lugar al programa Lebensborn, diseñado para mantener el dominio y pureza de la raza aria. Entonces, los hijos de soldados alemanes con escandinavas (noruegas, en el caso del filme) les eran quitados a las familias y llevados a centros de “germanización”. A los niños y niñas se les cambiaban todos sus datos y después se daban en adopción a familias alemanas muy escogidas. Al terminar la guerra, a tales infantes se les llamó “hijos de la vergüenza”, porque era imposible recomponerles su pasado y devolverlos a sus familias originales. Vuelta al filme: Con esos datos, tenemos una película densa y tensa, que nos atrapa pronto y hace crecer en el espectador el suspenso vehemente muy bien manejado gracias a su buen ritmo, siempre creciente hacia un clímax con rigor dramático. Aparte de la lograda caracterización de época, se debe señalar la intensidad actoral de su elenco, sobre todo de Liv Ullmann.
Crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-vidas_0_1430856921.html

domingo, 27 de julio de 2014

"El planeta de los simios: Confrontación": cine como alegoría

En la memoria cinéfila perdura esa gran película titulada El planeta de los simios (1968), dirigida por Franklin J. Schaffner, convertida luego en saga exitosa, según la novela escrita por Pierre Boulle. En el 2001, otra versión apareció: relectura frustrada de Tim Burton. En el 2011, el mundo de los simios asomó de nuevo en filme de Rupert Wyatt. Precuela. Ahora seestrena la segunda película de esta nueva saga, con el título de El planeta de los simios: Confrontación (2014), con la atinada dirección de Mat Reeves. Su argumento enlaza bien y del todo con el filme del 2011.

La trama comienza cuando la llamada peste de los simios se ha convertido en pandemia (del final de la película anterior). Por otra parte, el chimpancé César es ahora indiscutido líder de la enorme población simia. No solo César tiene poder: a su sombra está un bonobo o chimpancé pigmeo, llamado Koba, quien sufre consecuencias emocionales de su tiempo en cautiverio. Desde ahí, el tratamiento se plantea como alegoría de la actual realidad humana y resulta bien lograda expresión del llamado género fantástico + acción + drama. También teoriza sobre el desatino de especies que se dicen con inteligencia superior. Las actuaciones, fotografía y música contribuyen a la creación de un “estado de ánimo” que se sostiene bien. Las secuencias con movimientos colectivos (sobre todo de simios) están cercanas a la perfección, con soporte digital. No hay más que decir: filme recomendado.

Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/musica/Critica-cine-planeta-simios-Confrontacion_0_1429257104.html

lunes, 21 de julio de 2014

"Copia certificada" y "La mejor oferta": sorpresas gratas

Para que una película tenga calidad respetable solo necesita la inteligencia de su autor, su nervio creativo y su deseo para arriesgar. Pues bien, el director Abbas Kiarostami, iraní, tiene el valor de asumirse como tal con su película Copia certificada (2010), que llega con algún atraso a Costa Rica. 
Kiarostami indaga en conceptos vitalistas sin temor a ser culto: le exige al espectador, con manejo solemne en pantalla de las unidades dramáticas de espacio y tiempo, mientras los diálogos rompen esquemas narrativos. Con gran manejo del plano y contraplano, más otro mejor del plano-secuencia, nos vemos involucrados en esas discusiones sobre el papel del arte en la vida. De pronto, con mimetismo, esos conceptos se transfieren a la relación de pareja. Por supuesto que esta propuesta, a manera de ensayo, sería inexpresiva con malas actuaciones. No sucede así porque Juliette Binoche se apodera de su personaje con sutileza dramática en abanico de expresiones. A ella le corresponde el barítono inglés William Shimell con actuación justa.


El realizador italiano Giuseppe Tornatore logra una sentida fábula  para mostrar cómo es posible madurar durante la vida adulta. Se trata de la película italiana La mejor oferta (2013). Con un relato muy bien estructurado, pese a ese terco afán de Tornatore por narrarlo todo o casi todo. La mejor oferta narra la historia de un hombre solitario, huraño y hasta misántropo llamado Virgil (excelente actuación de Geoffrey Rush), experto en arte y agente de subastas, apreciado, pero igualmente estafador. Su vida transcurre al margen de cualquier sentimiento afectivo hasta que conoce a una hermosa y misteriosa joven. La aparición de esta joven, quien sufre de agorafobia, va a evolucionar el universo personal de Virgil, del todo. También el filme es el desarrollo de un proceso amatorio, donde, pese al manejo de ciertos lugares comunes, La mejor oferta se siente película más compacta y abre una situación de misterio. La mejor oferta privilegia la calidad, o sea,  de verdad quiere ser la mejor oferta en la cartelera fílmica.

lunes, 7 de julio de 2014

"Transformers 4": más tonta que las gallinas de noche

Batiburrillo. Suena bien esa palabra. Me resulta descriptiva para sintetizar la película Transformers: La era de la extinción (2014), dirigida por el explosivo Michael Bay. Batiburrillo: mezcla de cosas inconexas y que no vienen a propósito de nada. De verdad que esta película, también conocida con el título de Transformers 4, es arroz con mango como expresión verbal de algo descabellado, ilógico, incongruente y demás adjetivos que ustedes quieran desempolvar. Es paranoico juego visual y, además, sádico bullicio para agredir los sentidos del espectador, donde el montaje tan solo atropella su propio ritmo. Sucede cuatro años después del incidente de Chicago, cuando se supone que los Autobots y los Decepticons ya no están en la Tierra y por enredadas razones de corte político hay diseñadores humanos que buscan fabricar robots más avanzados como instrumentos de poder. No hay cuidado de nada: ni en el ritmo, ni en planos, ni en encuadres, ni en música, ni en definición de personajes, ni en dirección actoral, ni en planteamiento de situaciones, ni en desarrollo de diálogos. Sin ninguna estructura conceptual, Transformers: La era de la extinción es película más larga de lo debido y más tonta que las gallinas de noche, donde uno sale (peor en 3D) con el cerebro más golpeado que rodilla de zapatero.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Transformers-Cine-decadente_0_1425257537.html

domingo, 29 de junio de 2014

"Jersey Boys: Persiguiendo la música"... ¡Clint Eastwood!

Cine biográfico o “biopic”: nos llega uno de Clint Eastwood. Es cine biográfico con presencia protagónica de la música. Se titula Jersey Boys: Persiguiendo la música (2014) y narra la formación, crecimiento y decadencia de un grupo popular en Estados Unidos, por 1960, entre el rock y el pop: la banda The Four Seasons

Esta película tiene distintos momentos emocionales, con esa elegancia que suele dar Clint Eastwood a sus películas. Las diferencias emotivas se dan según el personaje que domine los acontecimientos narrados, a partir de cada uno de los cuatro miembros de la banda citada. Sin embargo, la película no llega a fragmentarse porque el temperamento del filme proviene de la sabia conjunción de los personajes. La diversidad es el elemento unificador del relato. Melómano como pocos, Eastwood le da a la música de la banda The Four Seasons más que presencia sonora: se trata de un elemento significante. Hace uso del narrador protagonista y no siempre funciona de manera adecuada: impone una ruptura emocional en el espectador y una redundancia entre lo que vemos y lo que nos dice tal narrador. En el "biopic", las actuaciones son cardinales; pero en Jersey Boys no mantienen la regularidad justa. Suben y bajan sin sustento. En todo caso Clint Eastwood logra muy buen filme con esta temática, como lo hicieron los hermanos Coen con Balada de un hombre común (2013). Es cine de autor, desde su pulida ambientación de época.

lunes, 23 de junio de 2014

"Cómo entrenar a tu dragón 2": Hipo y Chimuelo regresan

Los dragones vuelan de nuevo. Sus formas y movimientos son colorido ballet en las nubes
Se trata de la esperada película Cómo entrenar a tu dragón 2 (2014), secuela animada de Dean DeBlois, quien repite el éxito con: Cómo entrenar a tu dragón (2010). Cuando se hable de secuelas en el cine, siempre estará Cómo entrenar a tu dragón 2: se nos muestra con espléndidos logros visuales sobre la base de la novela de la británica Cressida CowellHan pasado cinco años. Ahora el deporte favorito en la isla de Berk son las carreras de dragones. Sin embargo, Hipo y su dragón Chimuelo andan lejos y exploran mundos nuevos, solo para enterarse que el universo pacífico de humanos y dragones está en peligro, lo que exige de Chimuelo un gran acto de valentía. No es cine simplón. Para nada. Aquí nada sobra ni nada falta. La verdad es que los guionistas tomaron importantes riesgos. Se la jugaron al hacer más compleja la historia y todo les salió bien al desgranar el relato sin que, en ningún momento, se pierda la unidad temática: es un argumento del todo creíble desde su afán imaginario. Es bueno anotar el atildado logro con los escenarios. Según el estado de ánimo del filme, pueden ser poéticos, coloridos, imponentes, sombríos, gélidos, cálidos, amorosos o tensos. Es perfecta la unidad. ¡Es hora de volar a lomo de dragones!
Para leer la crítica completa, CLIC en:

lunes, 16 de junio de 2014

"Trascender" no trasciende y "Oculus" sí es buen terror

"Trascender", con Johnny Depp
** La investigación sobre el crecimiento de la conciencia, desde la conciencia propiamente dicha hasta la cósmica, pasando por la autoconciencia, ha sido un tema muy serio en la filosofía, pero también ha sido motor de relatos en el cine del llamado género fantástico, donde lo irreal se codea con lo real. Ahora vuelve el asunto con mucha especulación y bastantes incoherencias narrativas en la película Trascender (2014), dirigida por Wally Pfister. Es filme que no puede consigo mismo. Pronto, cualquier idea sobre una gran conciencia manipuladora del bien y del mal no pasa de ser simple apunte: la película se enreda en sus propios mecates. Le sucede entonces lo inevitable: pasa de un posible buen cine de ciencia-ficción a ser película de acción común y silvestre. Con personajes débilmente diseñados, las actuaciones resultan malas (sobre todo la de Johnny Depp), sin nada que salve la tanda. Tiene más emoción una visita al odontólogo que esta película.
Crítica completa:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-trascender_0_1420857952.html


Oculus, bien la actriz Katee Sackhoff
*** En Hollywood, el cine de terror ha venido a menos. Por eso, se debe aplaudir el esfuerzo del director Mike Flanagan por lograr un filme de terror con dignidad propia. Se trata de la película Oculus: El espejo (2013), inquietante. Este filme va bien desde el arranque, con una breve introducción que no solo describe el tono del relato, sino que funciona como signo explicativo de lo que veremos después. El argumento hilvana bien dos historias que se afectan una con la otra, así, con fino arte narrativo. Lo que mejor destaca en Oculus es en el manejo de su banda sonora: estratégica cuando mantiene el aire de suspenso de toda la película y táctica cuando subraya distintas secuencias de impacto. Oculus es película de logrado terror y mejor suspenso, desde lo real a las alucinaciones protagónicas y desde la certeza a lo incógnito.
Crítica completa:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Dentro-espejo_0_1421057920.html

martes, 10 de junio de 2014

"La vida de Adèle": sexo lésbico sin doblez alguna ni disimulos


He aquí cine elegante que, desde la dureza del drama, extrae lirismo para impactar con su historia. Se trata del filme La vida de Adèle (2013), dirigida por el franco-tunecino Abdellatif Kechiche (nacido en 1960). Multipremiada, esta cinta ha generado controversias por sus  logradas escenas de sexo lésbico, que, aunque filmadas con genitales falsos, han sido capaces de “molestar” a personas conservadoras, cuando lo cierto es que están ahí para acentuar emociones que el filme estila. Abdellatif Kechiche exprime todos los momentos de la trama y alarga las más distintas secuencias a favor de la prolijidad emocional. La vida de Adèle es adaptación libre de la novela gráfica titulada El azul es un color cálido, de Julie Maroh.
La película  narra la historia de Adèle, quien, en su primera experiencia amorosa con un muchacho, siente que su sexualidad la confunde. Cuando Adèle conoce a Emma, se siente atraída de manera inevitable. La película muestra cómo las contradicciones del amor de pareja, de lo erótico y de la convivencia no son exclusivas de la heterosexualidad. Es el meollo del drama. En lo formal, es filme muy cuidado, de exquisitez plástica y con espléndida dirección actoral, donde la joven actriz Adèle Exarchopoulos (como Adèle) está por encima de lo posible, con el gran contrapunto de Léa Seydoux (como Emma). Con diálogos inteligentes y viscerales, la banda sonora más parece llenarse de silencios. Estamos ante una película esplendorosa, con secuencias de sexo lésbico como expresión liberadora de la pasión humana.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Adele-amor_0_1419858063.html

miércoles, 4 de junio de 2014

Sobre teatro costarricense, hoy, como apuntes retomados

Apuntes recientes sobre teatro costarricense; glosa de hoy:

* Muy bien por el premio nacional a Óscar Castillo, actor de intensidad dramática que logró darle fuerza a un "Rey Lear" (2013), de Shakespeare, con el tono épico de la tragedia.

* El gran actor Pepe Vásquez logró darle un tono más lírico a su Lear, luego del retiro de Óscar Castillo, interesante, pero no contagió al elenco, tan solo a la buena actriz Laura Montero. Me quedo con Castillo.


* La versión de "El mercader de Venecia", también de Shakespeare, dirigida por
Luis Carlos Vásquez se llenó de ornamentos, pamplinas, coloretes y demás ocurrencias escénicas: aquello parecía una versión disminuida de algún carnaval de algún país pequeño, como Costa Rica.


* Claudia Barrionuevo dio muestras nuevas de sus pocos bríos para dirigir, así con su puesta en escena  de tres obras cortas bajo el título "La bruta espera", del argentino Julio Chávez. Es en la Vargas Calvo, y si no fuera por las actrices del caso, Tatiana y María Chaves, hermanas, quienes se lucen, eso habría sido desastre total.

lunes, 2 de junio de 2014

"Maléfica", a Disney le faltó poco para hacerla santa

El filme La bella durmiente (1959), fue el último de los estudios Disney entintado a mano. De ahí en adelante, para la cofradía Disney, Maléfica pasó a ser la villana más respetada del cine: hoy le dan protagonismo en la película que lleva su nombre, para honra y gloria de las “hadas malas”. Lo que Disney hace ahora es forzar más cuento de otro cuento y más cine de otro filme (“spin-off”: derivado). Dirigida por Robert Stromberg, la película Maléfica (2014), narra los antecedentes que llevaron al clásico pinchazo de Aurora, la noble princesa, e igual narra las secuelas de su despertar, cuando un beso es importante, pero no el beso tradicional del cuento. La película es tan visualmente desbordante que, por contrasentido, termina visualmente desbordada: es mucho con demasiado de lo mismo. Una vez que el filme se ve dominado por esa estética cursi, la narración pierde fuelle. Cuando ha transcurrido algún tiempo de metraje y el filme pretende meterse con los demonios internos de sus personajes, le es tarde: la película ya está consumida por la autocomplacencia. La superficialidad narrativa se le pega al diseño de los personajes y a las actuaciones. Aquí, mal destaca el carácter rígido de Maléfica. Igual, por ese tránsito, la actuación de Angelina Jolie se pasa de estólida.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-emMaleficaem_0_1418258190.html

miércoles, 28 de mayo de 2014

"Italia 90": grata sorpresa de las manos de Miguel Gómez

En el Mundial futbolero de Italia 90, un grupo de jóvenes escribió una historia cardinal para el balompié costarricense. Ahora nos llega una agradable película  para relatarnos los antecedentes de esos hechos: lo sucedido antes de… De manera escueta, el filme se titula Italia 90 (2014) y viene dirigido por el también costarricense Miguel Gómez, de quien recordamos sus películas El cielo rojo (2008), El Sanatorio (2010) y El fin (2012). Con Italia 90 tenemos una hábil operación comercial, pero hecha con inteligencia. Con bien logrados momentos de tensión, que son los mejores de la música, Gómez establece un relato coral, donde las anécdotas en serie de algunos jugadores establecen la unidad del relato y su bien lograda coherencia.
Del drama personal al humor solidario, esta película nunca pierde su acento conmovedor. Logra convencernos de que la tarea de aquellos jóvenes no fue fácil. Ellos fueron pioneros, abrieron camino a las facilidades de las que hoy gozan el futbol costarricense y sus actuales jugadores. Los futbolistas del Mundial de Italia 90 llegaron al triunfo colectivo y personal desde sus propias carencias y por encima de ellas. El filme señala el pesimismo ajeno que pesaba sobre ellos, como la desconfianza de la prensa deportiva, la que incluso hizo escarnio anticipado de estos muchachos.

Elenco de actores como el equipo
de Costa Rica,
en charla antes del Mundial.
El papel importante de algunos jugadores líderes del grupo y la invaluable presencia del director técnico Velibor “Bora” Milutinović (excelente actuación de Luis Montalberth) fueron, a criterio del filme, los signos positivos que catapultaron a muchachos llenos de ansiedades, temores e incertidumbres. La visualización de lo anterior es lo mejor de la película. Es su parte más seductora, con secuencias muy bien logradas, donde el buen humor funciona como agudo contrapunto. Uno podría decir que el elenco se tomó su trabajo con tanta responsabilidad y cariño como lo hicieron en la cancha, en 1990, los futbolistas a los cuales encarnan. Además de Montalberth, es bueno el trabajo de Daniel Ross (como Claudio Jara) y es del todo seductor el de Ólger González (como Mauricio Montero). Es valioso su juego visual para aprovechar el material de archivo y las distintas texturas de las imágenes. La falla grave del filme está en la mezcla de sonido y la menor está en su simplicidad para enfrentar las relaciones de los jugadores con –por ejemplo– sus entornos familiares. Sea como sea, por sí misma, por lo que nos recuerda y cómo nos lo recuerda, Italia 90 es película recomendada. Es el nuevo sendero de Miguel Gómez.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Italia_0_1417258288.html

X-Men: Días del futuro pasado y el arte de Bryan Singer

La intolerancia humana llega a niveles aniquiladores. La raza humana no acepta a nadie diferente a ella, por lo menos en las élites gobernantes. El equilibrio dialéctico entre humanos y mutantes (“los otros”) ha de romperse por el instinto destructor humano. Como gran metáfora o parábola, así discurre la muy buena película X-Men: Días del futuro pasado (2014), dirigida con arte solvente por Bryan Singer.


X-Men: Días del futuro pasado nos presenta un futuro apocalíptico. La raza humana ha creado sus propios “ángeles destructores”, llamados Centinelas. Estos robots están hechos a partir de genes mutantes. La mejor manera de evitar el caos final es viajar al pasado y cambiar el futuro. Alguien debe hacerlo. Bryan Singer, como director, logra hacer creíbles los personajes, propios de un mundo digno del género fantástico (donde lo irreal se codea con lo real). Todavía más: Singer nos da una importante lección de cómo componer un plano, montar una secuencia y crear la justa atmósfera exigida por la trama.
Para leer la crítica completa, CLIC en:

martes, 20 de mayo de 2014

Cine: "La jaula de oro" ante el inmovilismo político

No sabemos si el director español Diego Quemada-Díez, burgalés por más señas, nacido en 1969, se haya sorprendido ante los muchos premios ganados por su primera película, titulada La jaula de oro (2013), o si los esperaba. Director español, su película tiene nacionalidad mexicana y ha sido filmada casi toda en Guatemala con realismo lacerante. El filme comienza con una afectiva secuencia: una jovencita, Sara, apenas adolescente, se corta su pelo largo y se aprieta sus pechos de señorita con un trapo para ocultar su condición de mujer. Ella, con dos muchachitos, viajará a Estados Unidos en busca de una mejor vida. En el camino conocen a Chauk, indígena de la sierra de Chiapas que no habla castellano. Con diálogos oportunos y los necesarios, La jaula de oro narra una aventura desventurada, donde la crudeza predomina y el dolor humano nos golpea en la cara.  La película no da tregua: nunca simplifica su argumento ni lo vuelve comercialmente más digerible. Por eso, Diego Quemada-Díez le pone tanta atención a la dirección de actores, para que estos logren sobrecogernos con sus personajes, por cierto muy bien diseñados. Tampoco pretende el director ofendernos con su filme. El arte no ofende; aunque tal vez sí logre “rompernos” cualquier virginidad ideológica sobre este tema. La jaula de oro busca sacarnos del inmovilismo político. Para leer la crítica completa, CLIC en:

lunes, 5 de mayo de 2014

Crítica de cine: "Wakolda: El médico alemán": No es poco


TENEMOS el estreno de la más reciente película de la directora argentina Lucía Puenzo. Hablo de Wakolda: El médico alemán, con guion de la propia directora. Con vertebral y seductora presencia del frío paisaje argentino, naturaleza inhóspita en medio de su belleza imponente, el filme nos relata el momento en que un solitario médico alemán se encuentra con una familia argentina en el remoto paraje de la Patagonia. Sucede en 1959. Como el médico no conoce el camino a San Carlos de Bariloche, le solicita a la familia poder seguirlos con su auto. El médico no es otro que Josef Mengele, genocida del nazismo hitleriano, practicante criminal con la genética de entonces. Mengele establece una relación especial con Lilith, niña de 12 años, porque es muy pequeña para su edad. Además, le atrae el embarazo de la madre, Eva, porque tendrá niños gemelos. Para Mengele es oportunidad de continuar con sus crueles ensayos eugenéticos. Por sí sola, la trama es capaz de generar suspenso y de abrir expectativas para, desde ahí, generar sus puntos de giro. Sin embargo, por momentos, la película se contagia de la misma frialdad del paisaje o de la inexpresiva figura de Josef Mengele y narra su historia con menos pasión de la que le corresponde. Por lo demás, Wakolda: El médico alemán tiene importantes logros, sus méritos: recreación de época, dirección de arte, cruce de capas de un mismo argumento (“cebolla cinematográfica”), rigor dramático (no hay golpes bajos), la identificación de lo perverso, su fotografía y su música. Como ven, no es poco.
Para leer la crítica completa, haga CLIC en este enlace:

lunes, 28 de abril de 2014

Drama vivo y penetrante: "El pasado"; de Asghar Farhadi

Regresa el director iraní Asghar Farhadi con un drama vivo y penetrante titulado El pasado (2013). El filme tiene origen francés, pero no pierde la raigambre persa de su director. Al estilo de Akira Kurosawa, el cine de Farhadi logra establecer un hecho nimio, pero capaz de explotar con la exigencia avasalladora del drama. Con El pasado, se da el proceso de lo simple a lo complejo en seres humanos que no imaginan los demonios que pueden desatar sus actos. Sucede cuando Ahmad llega de Teherán a París para firmarle el divorcio a Marie. Marie tiene un amante y el amante tiene a su esposa en estado de coma, porque quiso suicidarse. El cuadro se completa con una adolescente que quiere salir a toda costa de lo que, para ella, es dantesco. También está la mirada de dos víctimas inmediatas: una niña y un niño, cuyas inocencias están día a día lastimadas. Cuando Ahmad intenta poner un punto de equilibrio, más bien todo salta en caos: la conducta humana es impredecible aún entre quienes se aman. La película se toma su tiempo para auscultar en los escondrijos del alma y encontrar verdades tras las apariencias. Por momentos se aletarga, como si se le empozaran los sentimientos, lástima, pero nunca pierde esa validez del cine que transmite conceptos con autoría de parte del director. Las actuaciones resultan imponentes y sobresale Bérénice Bejo, actriz franco-argentina, como Marie, con quien las emociones se acentúan de manera magistral. 
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/emEl-pasadoem_0_1411258902.html

lunes, 21 de abril de 2014

"Marley": Pese a sus limitaciones, recomiendo este filme.

Antes de escribir la crítica sobre el documental Marley (2012), dirigido por el escocés Kevin Macdonald, he de confesar que sobre el músico jamaicano Robert Nesta Marley Booker, mejor conocido como Bob Marley, no sabía más de lo que veía en las camisetas que usan sus admiradores

Luego de ver el mentado documental, en un cine con bastante público, queda uno con la sensación de que dicho filme ha sido lo bastante explícito en información para conocer, así, sobre la corta vida del ícono del reggae. No solo fue el reggae. También lo fue el pensamiento religioso y político llamado rastafari. La verdad, ese es el punto débil de Marley, el filme: su ausencia de un análisis más profundo de los hechos que muestra. El reggae tiene presencia protagónica y el director Kevin Macdonald maneja muy bien las secuencias donde las imágenes y la banda sonora se plasman en un solo subrayado, incluso por encima del exceso de información y del escaso análisis de esa información.

Podemos resumir que se trata de un documental respetuoso con la figura biografiada, pero se pasa al mostrar exuberancia de datos y voces; eso sí, mantiene la denuncia social. Pese a sus limitaciones, debo recomendarles este filme.

Para leer la crítica completa, haga CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Documental-Marley_0_1409859037.html

viernes, 18 de abril de 2014

"Seis puntos sobre Emma": ¿dónde está la ceguera?

Las películas para desmembrar relaciones humanas corren el peligro de convertirse en dramas innecesariamente oscuros o en melodramas frívolos, que se bañan solo con agua tibia. Con base en guion propio, el joven director español Roberto Pérez Toledo nos da su primer largometraje donde evita caer en ambos extremos. Se trata del filme titulado Seis puntos sobre Emma (2011). Nacido en Canarias, en 1978, Roberto Pérez construye su filme a manera de los puntos en braille que dan lugar a letras. Es fórmula con división en capítulos. Seis puntos sobre Emma se afana por desentrañar las pretensiones de una mujer que, ciega, quiere quedar embarazada y, al no lograrlo, abandona a su novio para ir a la búsqueda del hombre capaz de fecundarla, sin compromiso amoroso alguno. Aquí es cuando la historia necesita más bisturí para darle fuerza dramática al texto. Sin embargo, el guion opta por situaciones cercanas a la comedia, lo que le quita arrestos. Eso no le quita lirismo a la película, sobre todo si la calamos desde la seductora actuación de Verónica Echegui como Emma, aguda en los detalles, sincera con sus expresiones y veraz con su personaje.
Si quiere leer la crítica completa, haga CLIC en:
http://www.nacion.com/ocio/cine/Critica-cine-Emma-puntos_0_1408259246.html

lunes, 7 de abril de 2014

"El niño de la bicicleta": Los hermanos Dardenne se lucen

Su profundo sentido humanista (lo conceptual), su exquisita e intensa narración (lo formal) y su noble carácter fabulador (moraleja incluida) hacen de la película El niño de la bicicleta (2011) un arte que nos obliga a asistir al cine. Dicho filme es dirigido por dos eximios directores belgas. Se trata de los hermanos Dardenne: Jean-Pierre (1951) y Luc (1954). Ellos escriben, producen y dirigen juntos sus películas. Es suma de talentos, como el buen vino, que es suma de distintas reglas ambientales. Con elegancia y delicadeza, a la vez que con firmeza y presión dramática, El niño de la bicicleta narra la historia de Cyril, chico de 11 años abandonado por su padre, quien conoce a Samantha, mujer adulta con gran capacidad materno-amorosa. Con elegante uso ocasional del plano-secuencia (tomas sin cortes por buen tiempo) y con categórico manejo de la música de Beethoven, El niño de la bicicleta es filme que todo crítico de cine, si se precia, debe recomendar.

viernes, 4 de abril de 2014

"Jazmín Azul" viene desde "Un tranvía llamado Deseo"

En esta sociedad de intertextos, exigirle originalidad al cine es casi una
utopía. En lo que nos corresponde, debemos ver más hacia el tratamiento de una historia que hacia su singularidad. Valga esto para Jazmín Azul (2013), reciente filme de Woody Allen. Así, entre más se piensa en la trama de la película de Allen, más nos acordamos del argumento de ese gran drama teatral escrito por Tennessee Williams, Un tranvía llamado Deseo (1947), llevado al cine con igual título, en 1951, por el director Elia Kazan. No es de extrañar que ahora Woody Allen recurra a esa fuente de inspiración para darnos una de sus películas más redondas sobre la decadencia de la burguesía. Lo simbólico de dicha película se sostiene sobre la excelente labor histriónica de Cate Blanchett (Jasmine). Así, es el viejo Woody Allen cada vez más nuevo. Parece decir poco y nos expone mucho. Parece superficial y es profundo a cada momento: con sus diálogos e imágenes.
Crítica completa en:

lunes, 24 de marzo de 2014

"Ella" ["Her"]: es cine desde el valor de los sentimientos


El director Spike Jonze gusta de indagar en el deseo humano por la pasión del amor. Su breve filmografía lo demuestra y ahora retoma el guante con su película Ella (2013). El guion es del propio Spike Jonze y su concepto básico ha sido tratado por el llamado género fantástico. Trata de la dependencia física o emocional que se establece entre un ser humano y el adelanto propio de la revolución científico-tecnológica: el amor entre un hombre a las puertas del divorcio con ¡un sistema operativo que lo corresponde!
Por esa ruta, el guion diseña tan bien sus personajes, cuenta con tan buena actuación de Joaquin Phoenix, se concentra de manera tan sólida con su núcleo argumental, se aposta tan de manera vehemente en las situaciones y se expresa de manera tan precisa con sus diálogos, que el resultado no puede ser otro que el obtenido: una película valiosa. Desde este punto de admiración por el filme, uno como crítico, explorador majadero, puede sentir que a Ella, en un momento dado, le falta eso que el estructuralismo llama “nudos dramáticos”, momentos que incentivan el proceso dramático de un texto. Sin embargo, también debe uno aceptar que ese “vacío de acontecimientos” nos seduce desde adentro, o sea, desde el valor de los sentimientos. El director Jonze nos proclama algo importante: lo emocional tiene tanto valor de historia como la historia misma. Si la miran con pasión, sentirán –con Ella– que el cine tiene alma y, por el alma, tiene poesía.
Crítica completa, CLIC en:

miércoles, 12 de marzo de 2014

"La piedra paciente" y "300: El nacimiento de un imperio"

En el filme La piedra paciente (2012), dirigida por Atiq Rahimi, tenemos una mujer que, ante el cuerpo inválido de su esposo, por culpa de una bala en el cuello, desgarra ella su propia vida. Desde la interioridad del drama interior, así habla y se muestra La piedra paciente. Lo hace con rigor dramático, con honradez conceptual, con valentía, con arte del monólogo, desde muy adentro de la piel. Las emociones de la mujer son el ropaje del ahogo femenino. El esposo en coma es lo que se llama la piedra de la paciencia, donde ella expone su discurso sufrido, por momentos lírico, pero siempre trágico. Desde el guion se potencia lo brutal de la historia y también lo más humano de la misma. Con inolvidable actuación de la actriz Golshifteh Farahani y, en boca de ella, con este buen filme se tiene la gran posibilidad de usar la tristeza para crear una máquina con grandes alas para volar.

El sino de un crítico: arriba no más recomiendo una buena película afgana, La piedra paciente (2012, de Atiq Rahimi) y, aquí, he de escribir sobre otro filme nada importante. Se titula 300: El nacimiento de un imperio (2014), dirigido por Noam Murro, con Zack Snyder de coguionista, director del primer filme de la saga, titulado 300 (2007). Aquí, los combates entre persas y griegos dan materia para hacer toda la morcilla universal. Todo es exageración en esta película. La textura y tratamiento de 300: El nacimiento de un imperio es puro retocado. Tanta simulación digital hace, de esta película, un mediocre simulacro de cine.

lunes, 10 de marzo de 2014

"El club de los desahuciados" y "El lobo de Wall Street"

El director canadiense Jean-Marc Vallée (Quebec, 1963) convence con su película El club de los desahuciados (2013). Es drama, pero matizado con humor satírico, con ese odio presente en toda sátira rigurosa. Ese rencor es lo que mejor expresa el filme, sin cederle espacio a ninguna actitud melodramática. Narra la historia de Ron Woodroof (Matthew McConaughey), vaquero moderno de rodeos, mujeriego, adicto a drogas fuertes, a quien se le avisa que tiene el virus del sida, cuando los enfermos infectados con VIH son tan solo cobayas de laboratorios farmacéuticos poderosos. Es película que muestra valentía para hablar. Con excelentes actuaciones de McConaughey y de Jared Leto, hasta el humor virulento –sátira– es camino para el desarrollo de lo trágico, sin acciones gratuitas ni diálogos vacíos.

La pregunta es: ¿acaso para representar una vida excéntrica, irresponsable, histérica, desordenada y bulliciosa la película debe tener iguales características con falso halo de cine irreverente? Creo que no y pienso que esa es la debilidad del filme El lobo de Wall Street (2013), dirigido por el afamado Martin Scorsese. Pasados los momentos de genialidad narrativa, otras secuencias son reiterativas, aquellas son más lentas y algunas sufren de excitación innecesaria. Scorsese asume una falsa posición de irreverente, en detrimento del contenido del filme. La vorágine se le contagia a los actores, sobre todo a Leonardo DiCaprio, quien no pasa de sobreactuar plano a plano.