"El chef": cine francés, tiempo para reír: Bon appétit!

He aquí una sabrosa comedia bien condimentada, graciosamente horneadita, jocosamente aliñada, de buen sabor y grata presencia visual. Se trata de la película francesa El chef (2012), dirigida por Daniel Cohen. El filme nos muestra al joven Jacky, nacido para disfrutar de la cocina: sus instintos y sentidos están al servicio de la alta cocina. Eso hace que Jacky no tenga trabajo. Por otro lado, tenemos al chef llamado Vauclair, marca famosa en los restaurantes, no importa el plato que el cliente exija. Vauclair está con problemas por la llegada de la nueva cocina molecular y necesita de un ayudante inspirado. Es cuando conoce a Jacky. Así, las más distintas situaciones humorosas saltarán de la pantalla para que los espectadores rían según sus antojos. Aquí es donde se lucen Michaël Youn (como Jacky) y, sobre todo, ese gran actor galo que es Jean Reno, gracioso contraste en sí mismo como Vauclair. Hay una ocasional presencia del actor español Santiago Segura, apenas para freír lágrimas de la risa. La madre Teresa de Calcuta decía que además del tiempo para pensar y del tiempo para rezar, se debe encontrar el tiempo para reír. El chef es espacio para gozar gracias al buen cine. Bon appétit!

Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/2013-05-13/Entretenimiento/Criticos.aspx?critico=W_b4_lliam%20Venegas

"Tu nombre es desconocido, tu hazaña es inmortal"...

Llama eterna a quienes dieron su vida por la derrota del fascismo, este 9 de mayo hace 68 años, cuando el Ejército Rojo de la entonces Unión Soviética entró a Berlín para la derrota definitiva de Hitler. Más de 20 millones de soviéticos murieron  en esa gesta. Cuando estuve en Moscú fui varias veces a la Tumba del Soldado Desconocido y fui testigo del amor y recogimiento con que la gente visita dicho lugar, silencio aplastante por el recuerdo de tantos soldados jóvenes, hombres y mujeres, que entonces murieron por vencer la terrible epidemia del nazi-fascismo. ¡Emoción inolvidable!

FOTO: La Tumba del Soldado Desconocido de Moscú, monumento en el Jardín Alexánder, frente al Kremlin. En el centro del monumento está la lápida memorial de granito con una estrella de bronce de cinco puntas. En el centro arde la Llama Eterna.

En la lápida está escrito: "Tu nombre es desconocido, tu hazaña es inmortal" (en ruso: "Имя твоё неизвестно, подвиг твой бессмертен").

Casi a escondidas llega a ciertos cines el filme "En trance"

El conocido director inglés Danny Boyle regresa con película interesante y demuestra su capacidad al sobreponerse a un guion poco convincente, con incoherencias fáciles de percibir y no tan vehemente, pero que, en manos de Boyle, logra ser un filme de logrado suspenso psicológico. En trance (2013), relata la historia de Simon (bien encarnado por James McAvoy), asistente de una casa de subastas, quien se asocia con una banda criminal para robar una pintura de Goya de millones de libras esterlinas. Luego de recibir un golpe en la cabeza, Simon no recuerda dónde escondió la pintura, por lo que el jefe de la banda recurre a la hipnoterapia para encontrar el dato en la psique de Simon. En esa medida, un verdadero baile de demonios salta desde la hipnosis, permeada de deseos ocultos, venganzas, lujuria erótica y “artículos” semejantes. Con manifiesto buen trabajo de los actores, se monta una especie de jeroglífico donde lo real se mezcla con lo onírico o surreal. Hay secuencias realmente neurálgicas e, incluso, algunas pretenden ser la expresión más actual del desnudo femenino que Goya trajo al arte con su maja desnuda. La música es vibrante, según se esté o no en los recovecos mentales de Simon.

Crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/2013-05-05/Entretenimiento/critica-de-cine--en-trance.aspx

"Que se mueran los feos", al menos bien muertos de la risa

Cuando en España se estrenó la película Que se mueran los feos, dirigida por Nacho G. Velilla, alguna crítica, para elogiarla, dijo: “La comedia española se reinventa”. No hay tal. El director Velilla se propone lograr un jacarandoso cuadro de costumbres con afilada crítica por ahí solapada. Lo logra con narración ágil, mientras hila disímiles entornos cómicos en un solo trasunto y manifiesta un válido cariño por los personajes. El director lo hace dentro de la tradición costumbrista española, que ha dado las obras de Carlos Arniches en teatro, que produjo el llamado “género chico” a la sombra de la zarzuela y que, en el cine, ha dejado una estela valiosa de guionistas y directores, con ese punto altísimo que es la película Bienvenido, míster Marshall (1952, de Luis G. Berlanga). La trama "de los feos" se da en un pueblo donde el chisme corre como manifestación del humanismo popular, con bondad, mucha gracia y donde nada es anormal, ni siquiera que el cura y una lesbiana tengan un hijo. El elenco asume con gran afinidad sus personajes y es casi injusto destacar a alguien. Es solo que Javier Cámara, como Eliseo, ¡está excelente! Lo demás funciona muy bien con este engranaje: a puro cine y a pura risa.

Crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/2013-04-28/Entretenimiento/jocosidad.aspx

Iron Man 3: la misma mona con distinto rabo y guion disuelto

Por insistencia boletera, estamos ahora ante la cinta Iron Man 3 (2013), dirigida con agitación y ruido por Shane Black, donde todo se reduce al combate entre el bien y el mal, como el choque de la piedra con el coyol. En Iron Man 3 al personaje le gusta tener trajes de hierro de los más distintos tonos y condiciones. Pelea con ellos o sin ellos. Lo que está en juego es si el hábito hace al monje o no. Hacia el final, aparecen tantas armaduras robóticas y ferrosas, que más semejan plaga de langostas. Si nos ponemos estrictos, más allá de si la cinta entretiene o no, lo real es que estamos ante más de lo mismo. La misma mona con distinto rabo. Pareciera que al actor Robert Downey Jr lo dejan improvisar sobre la marcha, porque su trabajo resulta disuelto, a tono con lo narrativo del filme: el guion parece escrito sobre la marcha. La holgura de medios técnicos es evidente, la de talento es deficitaria, aunque es filme hábilmente construido para el consumo masivo. Quédense hasta después de los créditos: esta película es narrada en primera persona por el héroe y ahí se sabrá ante quién.

Crítica completa en:
http://www.nacion.com/2013-04-27/Entretenimiento/critica-de-cine-sobre-iron-man-3--mas-hierro.aspx

"Amor": filme cálido y demoledor de Michael Haneke

Es casi increíble cómo un filme puede ser a la vez cálido y demoledor, tierno y devastador, tal y como Amor (Amour, 2012), dirigida por el austriaco Michael Haneke. No hay duda que en esa simbiosis o sinergia de elementos tan en contradicción, lograda con exultante calidad, está la mano de un director que conoce su oficio y que lo maneja como un artista radical. Su trama gira sobre el amor en la senectud, entendida la vejez como un momento tan igualmente maravilloso como humillante y triste, cuando se cruzan el amor de una pareja octogenaria con la impotencia ante eso mismo: las consecuencias negativas de la longevidad. Amor es una película eximia. Lo es por el sabio manejo de la elipsis narrativa, del corte drástico (ejemplar montaje de Nadine Muse y Monika Willi), de la cámara fija, de la pausa y la sorpresa, de lo dramático y lo emotivo, de la propia música (apenas la justa), de la riqueza fotográfica y, ante todo, por las sublimes actuaciones de Emmanuelle Riva y Jean-Louis Trintignant. No hay razón alguna para perderse este filme, cuyos méritos también están en sus valiosos diálogos e inteligentes silencios.
Crítica completa, CLIC en:

http://www.nacion.com/2013-04-22/Entretenimiento/critica-de-cine--amour---excelencia-.aspx

"El precio de la codicia": ¡el precio del buen cine!

Cuando el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York comenzó a elogiar la película El precio de la codicia (2011), dirigida puntualmente por J.C. Chandor, me armé de paciencia para esperarla en pantalla grande. Al fin llega esta película que sabe coger al toro por los cuernos y al gallo por la cresta. La cinta le entra a los laberintos de los tiburones corporativos, oscuro universo de la codicia del capitalismo parasitario y de quienes suelen llevarse “entre las patas” a quien sea por unos dólares más. Se trata de la primera película, como director, del guionista J.C. Chandor, quien se pule para exhibir ese mundillo de piratería y sinvergüenzadas cuando se trata de activos tóxicos. La supuesta frialdad de la película es reflejo de los elementos en juego. La fotografía, la música y –¡ojo!– el diseño de vestuario saben corresponderle a esa inteligencia del director para narrar y ser contundente a la vez. Este filme resulta meticuloso ejercicio de drama político.

Crítica completa, CLIC en:

http://www.nacion.com/2013-04-21/Entretenimiento/critica-de-cine--frialdad-del-dinero.aspx

"Oblivion" es "olvido" / "Poderes ocultos" es cine español

El director Joseph Kosinski echa mano a su experiencia para darnos un filme ampuloso, de gran factura visual y muy buena ambientación futurista titulado Oblivion: El tiempo del olvido (2013). Es una historia ambientada en el 2077, cuando la guerra nuclear ha destrozado al planeta Tierra y a su Luna por vencer a alienígenas. La raza humana triunfa sobre sus propias ruinas. Victoria pírrica. En el papel principal, tenemos a Tom Cruise, amo y señor de la pantalla: el resto del elenco solo le es comparsa. Crítica completa en: http://www.nacion.com/2013-04-14/Entretenimiento/critica-de-cine---space-opera-.aspx

El director salmantino Rodrigo Cortés Giráldez gusta del ritmo prudente y de sorpresivos puntos de giro. Con la presencia de un magnífico actor, el irlandés Cilliam Murphy, capaz de mutarse dentro de su papel con envidiable perfección, Poderes ocultos (2012) es cinta inquietante con el tema de lo normal o lo anormal en el conocimiento humano. Dos investigadores con doctorado académico, se dedican a buscar fenómenos paranormales para demostrar su origen fraudulento. La conformación estructural del relato es buena sobre la premisa de la relación entre los contrarios. Suspenso. Crítica completa en:  http://www.nacion.com/2013-04-15/Entretenimiento/critica-de-cine---magia-o-ciencia-.aspx

El cine y la historia sagrada: corto exhibido de Cinetrix.tv

Para ver el más reciente corto de Mi Butaca Vip.com con Cinetrix TV, titulado El cine y la historia sagrada (2013) dirigido por Gonzalo Montero Trejos, con cámaras de Marvin Soto Cordero y presentación de Wílliam Venegas Segura, lo pueden hacer en el siguiente enlace, CLIC en:

http://www.youtube.com/watch?v=KrEmX6ZqewE

Catharine Deneuve aún no se nos acaba: ¡POTICHE!

¡La francesa Catherine Deneuve es enorme como actriz! Ahora la vemos en la película gala Potiche: Mujeres al poder (2010), donde ella deshoja su propia imagen de diva, que la ha tenido. Desde el comienzo no más, sale como la señora burguesa por las calles vestida con un simple buzo. ¡Catherine Deneuve con chándal! Luego la veremos con su pelo lleno de rulos grandes, como tubos de cañería, mientras se pasea por su lujosa casa. Al decir de su esposo, machista impertinente, ella es el florero del hogar. Lo único es que ese “florero” decide romperse a sí mismo (como jarrón) para mostrarse como la mujer sagaz, o sea, como la mujer a la que le oprimían su inteligencia. Si se quiere ver como texto feminista, puede verse, pero la película Potiche: Mujeres al poder se arropa del ingenio de su director François Ozon (también guionista) para distanciarse de lo lineal, discursivo, machacón e ideologizante. El problema es que no todo el elenco está a la altura de la gran Catherine Deneuve, por donde pierden convicción los hechos. Está en la Sala Garbo.

Sarita Montiel, IN MEMORIAM, no solo por el cuplé. Bellísima

Gary Cooper, Sarita Montiel, Denise Darcel y 
Burt Lancaster. En "Veracruz", clásico del Oeste 
del gran  Robert Aldrich. ¡Podía rajar la Montiel!

Dos películas continuas pusieron a Sarita Montiel en pedestal alto del mundo de la canción. Fueron El último cuplé (1957) y La Violetera (1958). Esas películas mostraron el estilo lánguido, sinuoso y seductor de Sarita en aquellos tiempos del cuplé, al contrario de otras famosas cupleteras. De esa manera, Sarita Montiel logró un estilo propio que magnificó su carrera, levantó sus ventas discográficas y la convirtió en un mito del cuplé. La enorme belleza de Sarita Montiel la llevó a Hollywood, donde pudo participar en papeles recordados en Veracruz (1954) y Yuma (1957) con actores de la calidad de Burt Lancaster, Gary Cooper y Rod Steiger. Ese tono único que Sarita Montiel le dio al cuplé es la mejor herencia que dejó ella con su extrovertida sensualidad, como en el caso de "Fumando espero…”

Dos muertes tocantes con el hábito del cine: crítico; director

SOBRE LA MUERTE DEL CRÍTICO DE CINE ROGER EBERT:
Creo que en Estados Unidos hay mucho mejores críticos que Roger. Ebert, que cuando mueran no serán tan mencionados, porque no son críticos "dentro de la industria" ni "endogámicos" ni "mediáticos". Y ni qué hablar de los mejores críticos europeos o latinoamericanos. Ebert jamás fue tan bueno como el cubano Cabrera Infante, por ejemplo. Aún más, ni siquiera mejor que el costarricense Alberto Cañas, quien firmaba como O.M. en "La Nación". Ebert dominaba el paradigma del cine comercial hollywoodense, al dedillo, pero sufría de una relativa incultura universal, impropia de un crítico que se precie. +Roger Ebert: 18-06-1942 / 4-04-2013.

SOBRE LA MUERTE DEL DIRECTOR DE CINE ESPAÑOL BIGAS LUNA:

Como cineasta, tuvo el arrojo de expresarse desde un tratamiento muy personal de sus historias. Se atrevió a ser iconoclasta con sus imágenes, con las que jugó desde un supuesto erotismo hasta formas más duras cercanas al cine porno. Sin embargo, ese mérito fue también su talón débil, porque no siempre su crudeza erótica me pareció sincera, sino rupturismo como pose: simplemente por escandalizar, como en Las edades de Lulú. Aún así, otro tipo de cine suyo logra ser seductor en la pantalla, pienso en una película como La camarera del Titanic. +José Juan Bigas Luna: 19-03-1946 / 5-04-2013.

Dos películas distintas: se salva "Mentiras mortales"

La película G.I. Joe: El contraataque (2013), dirigida con malabarismo por parte de Jon Chu, viene ahora en 3D, mecanismo recurrente con ciertos refritos y con ciertas secuelas para esculcar el bolsillo del espectador. En esta secuela, se puede salvar una bien lograda secuencia de acción en las montañas, entre cimas y simas, con arte circense, la habilidad de los dobles y la afinada truculencia visual del cine contemporáneo. No más. El filme se consume a sí mismo con su ínfima categoría.

El escritor Nicholas Jarecki aprovecha bien la ocasión de pasarse al cine para contarnos una historia con su película Mentiras mortales (2012). Se trata de un relato meticuloso y puntual para ahondar en la vida fraudulenta que impone el capitalismo parasitario. Se trata de mostrar la vida como un fraude en esos círculos de millones de dólares. Mentiras mortales cuenta con muy buena actuación de Richard Gere como Robert Miller, magnate inescrupuloso. Es cine que da más de lo que parecía, bien acabado, por lo que vale la pena recomendarlo.

Esas dos críticas completas las encuentra dando CLIC en este enlace:
http://www.nacion.com/2013-04-05/Entretenimiento/Criticos.aspx?critico=W_b4_lliam%20Venegas

Estrenos de cine que se quedaron sin comentar antes

Anna Karenina (2012): Paradoja: la inventiva formal va en contra del buen desarrollo narrativo del relato y de sus emociones esenciales. La película, de manos de su director Joe Wright, se va por lo accidental y pierde la fuerza semántica del drama, su concepto. La actriz Keira Knightley se muestra desigual como Anna.

Jack, el cazagigantes (2013), filme dirigido por Bryan Singer, lo que por sí solo era un atractivo y ha resultado gran frustración. Este conocido director se coloca a mucha distancia de sus mejores filmes y no logra superar los malabares inútiles de un guion confuso que parece dividirse en dos películas, por falta de unidad dramática.

Las ventajas de ser invisible (2012), su director Stephen Chbosky busca indagar adentro de sus personajes adolescentes, de sus alegrías y fracasos, de sus tristezas, amores y traumas. No es simple, pero el resultado es bueno, aunque al guion le falta más complejidad y profundidad: se le siente su génesis de best-séller.

Los Croods es largometraje animado cercano a los estilos del género fantástico. Con un relato ubicado en una ingeniosa prehistoria, se atreve a decirnos, con gracioso énfasis, que no es momento de asustarse por los cambios. La fábula converge hacia esa moraleja. Escrita y dirigida por Chris Sanders y Kirk DeMicco.

Bebo Valdés: IN MEMORIAM a los ojos más brillosos

Tengo frente a mi computadora uno de los discos que más oigo y gusto: BEBO, dice en la portada, con la foto del cubano Bebo Valdés, quien nació el 9 de octubre de 1918 y murió ayer, viernes 22 de marzo del 2013, en la capital de Suecia, Estocolmo. En realidad, se llamaba Dionisio Ramón Emilio Valdés Amaro y es la estrella más brillante del jazz afrocubano, una de las tantas magias que brotan de esa isla tan particular que es Cuba. Bebo, padre de Chucho Valdés, también vivió en España, sin dejar de amar nunca a su Cuba, a la que miraba "con los ojos más brillosos", al decir de Diego, el Cigala, y de donde se alejó por diferencias políticas. Sin embargo, la primera noticia de su muerte la leí anoche en Cuba-debate, revista política cubana. Este enorme Bebo Valdés me enseñó a re-oír a Ernesto Lecuona, y me hizo "nostalgiarme" muchas veces con ese enorme guaguancó polirrítmico de Silvestre Méndez titulado Ya yo no vuelvo a querer... * Me retiro enseguida a oír de nuevo a Bebo, con agradecimiento, con respeto, con honradez intelectual y seducido por su arte. Su música sea con todos para siempre, amén.

El 23 de diciembre fue el 666; ahora le toca al 777...

El 23 de diciembre del año pasado (2012) escribí una entrada "medio supersticiosa" a propósito del seguidor número 666 que alcanzó este blog entonces. Dije: "Llegar al seguidor 666 no ha sido fácil, cuando hay que competir con la comodidad verbal de Féisbuk o de Tuiter, redes sociales a las que los propios poderes mediáticos le dan calculada importancia. Un blog es un ejercicio de algo más. En CR no hay mucha tradición bloguera, sí en otros países, por eso muchos abandonan los blogs que abren, pero yo sigo terco". Sin darme cuenta, llega este blog ahora a 777 seguidores, otro número supersticioso: el de la perfección, relacionado con el árbol de la vida y propio de los Illuminati. Esto no es lo importante. Pienso en la entrada del 666 a esta del 777 en menos de tres meses. Entonces sí que me siento agradecido con mis amistades blogueras: ¡necesito escribirlo! y, además, manifestar el deseo de mantener este blog, aunque me resulta difícil visitar tantos otros blogues que quisiera poder visitar siempre. Un abrazo.

"Oz el poderoso": cine emocionalmente hueco y plano

“Precuela”: palabreja que se usa para una película exhibida luego de un filme original, pero cuya trama se ubica antes de esa historia original. El estreno de Oz el poderoso (2013), de Sam Raimi, es “precuela” con respecto a esa película de culto titulada El mago de Oz (1939, de Víctor Fleming), con inolvidable actuación con Judy Garland. En cuanto a Oz el poderoso, narra la historia de un truculento mago, Oz, quien debe huir de un circo en un globo. En el aire, es atrapado por un tornado que lo lleva a un reino más allá del arcoíris. La aventura es narrada de manera desigual, como si el argumento se frenara ante su glosa plástica: puro boato y lujo visuales. El asunto es que el cine es narración. Eso es básico y no se cumple bien con este filme. Aún más, el cine es narración y representación y aquí las actuaciones van a la deriva sin que el director Sam Raimi haga ningún esfuerzo para evitarlo. Queda el exagerado cromatismo de las imágenes. Es cine pulcro, pero emocionalmente hueco.

Para leer la crítica completa, hacer CLIC en este enlace:
http://www.nacion.com/2013-03-11/Entretenimiento/critica-de-cine--vuelve-oz.aspx

"Sin salida" es película sin inteligencia y sin gracia...

¿Qué hace una actriz tan buena como Nicole Kidman en una cinta tan mala como Sin salida (2011), dirigida de peor manera por Joel Schumacher? Es cuando uno no entiende de los trasuntos en Hollywood. Del señor Nicolas Cage queda poco por decir. De una película a otra, él demuestra que puede ser el peor actor del Hollywood de hoy. ¡Pobre película! ¡Es tan estúpida! Se trata de una familia adinerada, pero donde no todo lo que brama es toro. Son el esposo, la esposa y la hija. La mansión donde habitan es una fortaleza; sin embargo, un día les tocan el timbre, el esposo abre la puerta desde adentro, con un botón, y deja entrar –sin saberlo– a una banda de asaltantes. ¿Y diay, para qué tanta seguridad? El guion se limita a repetir situaciones, con incoherencias, hilos sueltos y contradicciones (por ejemplo, la hija huye, pero en lugar de llamar a la policía, decide volver a la casa). Parece filme hecho a una sola secuencia.
Para leer la crítica completa, haga CLIC en:
http://www.nacion.com/2013-03-10/Entretenimiento/critica-de-cine--no-hay-salida.aspx

Martes 5 de marzo: estoy en el cine y me dan la noticia

Sean Penn: “Hoy la gente de Estados Unidos ha perdido un amigo que nunca supo que tenía y la gente pobre del resto del mundo ha perdido a un campeón".

Aunque esperada, la muerte de Hugo Chávez me produce un dolor que nunca imaginé sucediera. Lo de Chávez es morir en combate contra la inequidad, la injusticia social, el imperialismo y en favor de la unidad latinoamericana. Es uno de esos hombres que nos regala la historia para escarmiento de nuestras conciencias acomodadas. Él hizo suyo aquel texto de José Martí: 

"Con los pobres del mundo quiero yo mi suerte echar".
(wílliam venegas segura)

"La noche más oscura": la tortura "made in U.S.A."...

La noche más oscura (2012), filme de Kathryn Bigelow sabe avanzar desde sus propios hitos. Al basarse en hechos presuntamente reales, tiene la desventaja de contar con un final conocido: la muerte de Osama Bin Laden, asesinado por fuerzas especiales del ejército de Estados Unidos, luego de una misión secreta de la CIA. Bigelow muestra con habilidad el salvajismo bélico, ese que convierte en sujetos atroces a soldados que torturan, según creen, por sentido patriótico. Con agallas, el filme habla de los escondidos campos de concentración y tortura que el ejército de Estados Unidos mantiene en distintas partes. Lo que se exhibe pretende asquearnos, mientras por un televisor vemos al presidente de EE. UU., quien niega la práctica de la tortura. ¡Waooo!  La película es cuidadosa con los aspectos técnicos: asuntos como la composición del plano, el montaje de secuencias, la creación de atmósfera, el ritmo de la narración, el papel importante de la música, el de la fotografía (sobre todo, la nocturna) y el hacer creíbles a los personajes. Las buenas actuaciones colaboran a esto último, sobre todo la de Jessica Chastain (¡soberbia!).

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http://www.nacion.com/2013-03-05/Entretenimiento/critica-de-cine--noche-oscura.aspx

"Hitchcock" visto en cine de hoy a pura brocha gorda

La película Hitchcock (2012), de Sacha Gervasi, está muy lejos de ser un buen estudio de don Alfred. Al ubicarse solo en el período de Psicosis, mucha información queda por fuera para el espectador. El filme procura ser algo más que una simple mirada; pero es tan superficial que ahí se queda: en una simple mirada. Las constantes del cine de Hitchcock no están en este filme ni tampoco lo esencial de una cinta tan valiosa como Psicosis. Es como si los guionistas pasasen de puntillas por el tema. La película parece una caricatura del personaje con el esperpéntico maquillaje del actor Anthony Hopkins (como Hitchcock), en uno de sus peores trabajos. Quien sí destaca y le da alguna fuerza dramática a la película es la actriz Helen Mirren (como Alma, esposa de Hitch), intensa con su personaje. La acompañan bien Scarlett Johansson como Janeth Leight, por quien Hitch tenía una admiración abierta y sublimada a la vez. Visto este filme como un cuento otoñal de la relación de pareja en el matrimonio, lo pueden disfrutar tanto como su música.

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http://www.nacion.com/2013-03-04/Entretenimiento/critica-de-cine--hitchcock.aspx

"Mamá": el terror logra pasar de tres a cien minutos

A sala llena vi la película Mamá (2013), dirigida por Andy Muschietti, y me encontré con un público totalmente agarrado por el filme. Mamá se basa en un corto de poco más de tres minutos de su director Muschiettti, quien lo filmó en el 2008 con solo dos niñas, una escalera, una puerta y la “presencia” de un espectro. Guillermo del Toro lo animó a llevar ese corto a la cinta que ahora comentamos. No dudo que habría sido todavía más impactante con menos metraje, pero lo cierto es alcanza su objetivo con facilidad. El filme comienza muy bien. Conforme avanza su relato es que va perdiendo fuerza, porque se alarga innecesariamente e, incluso, de manera reiterativa. Es la historia sobre un papá que mata a su esposa y pretende matar a sus dos hijas en un bosque, pero algo o alguien las protege y entonces las niñas desaparecen. Un tío insiste en buscarlas. Las encuentra, pero algo monstruoso viene con las niñas. Pese a sus descuidos narrativos y a la caída del suspenso al final, hay razones para recomendar esta ópera prima de su director Muschietti, impecable en lo visual. Lo dije al principio: como cine de terror funciona bastante bien ante las emociones del público, porque sabe enganchar con sus imágenes.
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http://www.nacion.com/2013-03-03/Entretenimiento/critica-de-cine--la-gente-grita.aspx

"Cloud Atlas: La red invisible": trama en rompecabezas

Interesante película: Cloud Atlas: La red invisible, dirigida por un equipo igualmente atractivo de cineastas. Primero, la presencia del alemán Tom Tykwer, autor de filmes como Corre, Lola, corre (1998) o El perfume (2006), según la novela de Patrick Süskind. Junto con Tykwer están Andy Wachoski y Lana Wachowski (antes, Larry), autores de Mátrix (1999, 2002 y 2003). También está su elenco con nombres como Tom Hanks, Halle Berry, Jim Sturgess y Hugh Grant, entre otros. Cada uno de los histriones debe cumplir diferentes papeles y encarpetarse cada cual tras los más distintos y bien logrados maquillajes. Lo de tanto personaje se debe al carácter de rompecabezas (“puzzle-movies”) que tienen las distintas historias, que vienen desde arcaicos pasados, pasan por sugerentes presentes y se lanzan a futuros insospechados. Es oportunidad para insistir en la importancia del montaje (“edición”) en el cine. En este caso, responsabilidad bien cumplida por Alexander Berner. Su moraleja: nuestros actos influyen en los demás, no solo en quienes están más cerca o más lejos de nosotros, sino también en quienes nos sucederán en el futuro. Lo visual está asegurado, especie de provocación para los sentidos: imágenes en delirio.

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http://www.nacion.com/2013-02-27/Entretenimiento/critica-de-cine----es-un-puzzle-.aspx

"The Master": "Todo hombre necesita un guía", se dice

Aunque se anuncia como película sobre el origen de la cienciología, no es así; por más ejercicios dianéticos que muestre durante el desarrollo de The Master (2012), dirigida con vehemencia dramática por el buen director Paul Thomas Anderson. The Master es un tratado hundido en las llagas vaporosas de la conducta humana: un sujeto intenta que un “paciente” y amigo evoque su pasado con todos sus incidentes, que los relate cada vez con más detalle para alcanzar su sanación. Ese proceso es mezcla de pseudociencia con pseudorreligión y con pseudomagia, convertido en especie de ideología para obtener el dominio sobre las personas sujetas, con la ayuda de palabras altisonantes e incoherentes del maestro, gurú, chamán o sacerdote –lo que quieran– del caso. La anécdota que da lugar al contenido real de la película es, si se quiere, simple. La procesión va por dentro: por la interioridad compleja y dialéctica de los personajes. La puesta visual le corresponde con fuerza dramática al vigor conceptual, gracias a las eximias actuaciones de Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman y Amy Adams. Esa densidad dramática de la película no se agota en ningún momento.
Para leer la crítica completa, CLIC EN:
http://www.nacion.com/2013-02-25/Entretenimiento/-es-el-maestro-.aspx

Lo del "Oscar" es saco para otra espalda, ni fu ni fa...

Los vericuetos y entresijos de ese premio tan comercial que es el Oscar, son sacos para otra espalda, pero es imposible evitar las consultas que me hacen, cada año, distintos periodistas, para transcribir ellos en sus medios. Tengo claro que mi papel de crítico se refiere al análisis estético, conceptual y hasta histórico de una película. El Oscar no tiene ninguna importancia, es solo la alta industria de Hollywood premiándose a sí misma, con todos sus espurios intereses económicos en juego. Ni siquiera se atreven a tener uno o varios jurados. Es una actividad endogámica (como los matrimonios entre familiares) sujeta, incluso, a vaivenes políticos. Por ejemplo: Argo es buena película, pero su empuje hacia el Oscar procura magnificar la "inteligencia militar gringa" sobre el país iraní (su trama mantiene un presente histórico). Hollywood debiera premiar a esa película extraordinaria, independiente y eficazmente crítica, poesía hecha cine, como lo es Una niña maravillosa (Beasts of the southern wild). Sobre el Oscar, deseara tener el privilegio o poder para desaparecerlo. Así lo digo todo.

"Una niña maravillosa" o "Bestias del sur salvaje"...

A las pocas imágenes, uno sabe que se está ante una película dura como redoble de tambor; pero, a la vez, cargada de inquietante poesía, como si estuviéramos leyendo a César Vallejo con toda su fuerza lírica. Una niña maravillosa (2012) es filme igualmente maravilloso. Llamada en otros países Bestias del sur salvaje, estamos ante la primera película de un director de apenas 31 años: Ben Zeitlin, nacido en Manhattan. Su filme no es convencional, ni con su propuesta visual, intensa y cercana, ni con su guion literario, coescrito con Lucy Alibar, autora de la pieza dramática en un acto que le da sustento al guion. Con mirada del realismo naturalista, el filme observa la realidad desde sus llagas sociales y proclama la defensa de la armonía universal, armonía rota por la torpeza humana y amenazada por los deshielos polares, por las bestias de corazón duro, heraldos negros que "abren zanjas oscuras en los lomos más fuertes" (Vallejo). Es perdurable la actuación de la niña Quvenzhané Wallis como Hushpuppy (con apenas seis años durante el rodaje). Una niña maravillosa es película para absorberla y vivirla desde su autenticidad.
Crítica completa, para leerla hacer clic en:
http://www.nacion.com/2013-02-18/Entretenimiento/critica-de-cine--hushpuppy.aspx

Los miserables: musical llevado al cine con fluidez...

En 1980, en París, se estrenó la versión musical de la novela de Victor Hugo, Los miserables. Su autoría se le debe a Claude-Michel Schönberg (música) y a Alain Boublil (letra). Ahora llega al cine ese musical con filme dirigido por Tom Hooper. La novela se presta más para ser ópera que revista musical, tal su densidad dramática, y esa intención la tiene Hooper, con una versión más intimista, aún dentro de ciertas grandilocuencias. Es filme bueno en calidad, en fluidez narrativa y las imágenes van en beneficio de los contenidos expresados por los cantables, sin llegar a ser redundantes, con noble manejo del primer plano. Hay secuencias de gran pasión dramática (cuando Anne Hathaway nos da su aria I Dreamed a Dream, por ejemplo). El relato se enriquece con la exposición visual de coros como Red and Black, en tanto se afirma el sentimiento político y la denuncia social con Do You Hear the People Sing? La dirección actoral es buena. Quien se lleva las palmas es Hugh Jackman (Valjean), por la sensibilidad que le da a su personaje. Como Javert, Russell Crowe lo hace bien, pero su voz no lo ayuda al cantar, disonante. El filme seduce y logra darle actualidad a lo que sucede en el siglo XIX en París.
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http://www.nacion.com/2013-02-17/Entretenimiento/critica-de-cine--los-miserables.aspx

Los juegos del destino: para ir al cine con alguien...

He aquí la película exacta para ir al cine con aquella persona a quien usted siempre ha querido invitar: Los juegos del destino (2012), dirigida por David O. Russell. Es película que discurre con sutileza del drama a la comedia romántica, entreverándose no solo con buen gusto, sino también con talento narrativo con la historia de dos personas que, desde sus conductas bipolares, son capaces de encontrar el sentido del amor. Primero, gira alrededor de los aprietos para una nueva adaptación a lo cotidiano por parte de Pat, quien ha sido internado en un psiquiátrico luego de encontrar a su esposa en la bañera con uno de sus profesores. Luego, Pat conoce a la "problemática" Tiffany. Aquí, la película se desliza suavemente y con adhesión por sus personajes hacia la generosidad más positiva. El argumento cree en lo mejor del ser humano y apuesta con apego y ternura hacia ello. Aparece el papel importante del buen humor, especie de bálsamo sobre el cual la trama va ganando en presencia, en humanismo y en coherencia. La convicción narrativa pasa por las decisivas actuaciones de su elenco, con Bradley Cooper como Pat y Jennifer Lawrence como Tiffany. Hay que destacar a Robert de Niro, como el padre de Pat, libre de las muecas de siempre.

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Fuerza antigánster: aceptable regreso al "film noir"

Estreno en Costa Rica de Fuerza antigánster (2013), cinta dirigida por Ruben Fleischer, como si tuviera miedo de ponerse por encima de otros títulos inspiradores. Pienso en filmes como Los intocables (1987; de Brian de Palma) o L.A. Confidential (1997; de Curtis Hanson). El tratamiento del director Fleischer nos ubica en el llamado género negro (film noir), cine que adopta una determinada actitud estética y un compromiso por la denuncia social (del crimen organizado y de la corrupción en la policía). Estamos en Los Ángeles, 1949. El mafioso Cohen (Sean Penn) domina el mercado de drogas, armas, prostitución y apuestas al Oeste de Chicago, pero se le enfrenta un escuadrón especial de la policía. Eso pasa por todos los tópicos del cine negro, pero a la película le falta tensión dramática y más ardor con los duelos entre gánsteres y policías encubiertos. Aún así, el director maneja bien el relato para recrear una época y, también, el cine de entonces, de los años 50. Sin ser extraordinaria, esta película se acerca al realismo social y al tono literario. Eso produce diálogos sociopolíticos, con algún sarcasmo de por medio. Ahhh, ahí está la presencia de la mujer fatal, importante en este tipo de género, bien encarnada por la joven actriz Emma Stone.

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Lincoln según Spielberg, filme con nobleza intelectual

Steven Spielberg es un caso particular: su atrevimiento lo hace filmar películas muy distintas unas a otras. Ahora nos ofrece cine intimista, reflexivo y valioso, especie de estudio (biopic) sobre el presidente alentador de la Enmienda constitucional para abolir la esclavitud en Estados Unidos, Abraham Lincoln, y de las condiciones históricas presentes en dicho país en 1865. Aunque la película se titula Lincoln (2012), va más allá de una simple biografía. Spielberg no quiere ofrecernos una cinta frívola. Su esfuerzo ahonda en razones sociológicas, políticas y económicas de una guerra que casi parte en dos a Estados Unidos. Spielberg no es solo un tipo listo. También sabe rodar buen cine con sus cualidades como autor dramático. Es casi paradójico: la sobriedad visual de la película es también la brillantez formal de esta cinta, por su cuidado artístico y excelente fotografía de Janusz Kaminski. Lo que no le va bien es el sentido pedagógico que adquiere durante varios tramos. Es entendible, eso sí, porque se trata de una historia vertebral para Estados Unidos, pero le disminuye la tensión de su compás narrativo. La dirección actoral es de las mejores y la actuación de Daniel Day-Lewis, como Lincoln, sobrecoge por su fuerza y finura. Cine de cámara, Lincoln es para recomendar.
Crítica completa, puede  leerla desde este enlace (clic):
http://letras-uruguay.espaciolatino.com/aaa/venegas_william/lincoln_2012__obra_madura.htm

La Traviata en cine: hasta pude cantar, lean por qué

Por obra y gracia de la inspiración melódica de Giuseppe Verdi, La Traviata es una de las óperas más conocidas. Ahora nos llega a la cadena Cinépolis, en cine, la versión del teatro La Scala de Milán, según arte de la italiana Liliana Cavani. Se ofrece la representación del 2007, tan tradicional como es. Lo bueno de este filme es cómo las cámaras juegan entre planos medios y cortos para mostrar las actuaciones de sus intérpretes. También se maneja bien el plano general para las escenas grandilocuentes. Como cine, la ópera está bien lograda, la disfruté mucho, aunque no logra superar la versión de Franco Zeffirelli de 1983, con Plácido Domingo. En esta de ahora, el papel de Alfredo lo hace el tenor mexicano Ramón Vargas, voz liviana, lírica y agradable, pero no el mejor actor. Por su parte, la rumana Angela Gheorghiu parece no estar en su mejor momento con su gran voz, pero es magnífica actriz con su Violeta. El barítono italiano Robert Frontali es quien destaca por su voz intensa en lo dramático y por su excelente actuación. La película me fue mostrada en función privada, yo solo ahí, por lo que me di el gusto hasta de cantar esas arias que le llegan a uno con sensibilidad, sin que nadie reclamara.

Mi regreso con los cisnes al teatro Bolshói... en cine

Al entrar a la sala de Cinépolis Terramall, no sabía que la presentación en cine de El lago de los cisnes, música de Chaikovski, versión del teatro Bolshói, sería tan lineal. No es que sea un defecto. Lo cuento por los 15 minutos introductorios que son un paseo por Moscú, como quien se alista para ir al teatro, y por otros 15 minutos entre un acto y otro, como quien camina por el Bolshói gracias a las cámaras de esta producción francesa. Eso me llenó de nostalgia de mis días en el Moscú de la época socialista. Fue como ver el mismo árbol, pero con distintas hojas. La presentación del ballet, como era de suponerlo, es magnificente; pero sin la calidad de la que vi entonces en ese mismo teatro. Por supuesto, los bailarines (ellos y ellas) no son los mismos: me parecen mejores los de mi ayer. ¿Prejuicio ideológico? Espero que no; sin embargo, no le sentí el mismo amor al arte que sentí cuando anduve por esas calles para ir al Bolshói, en un invierno que se pegaba a mi piel con la firma del cisne negro.

Esta versión cinematográfica de El lago de los cisnes en el Bolshói fue filmada el 26 de setiembre del año 2010, con la participación de Maria Alexandrova, Rusland Skvortsov, Nikolay Tsiskaridze y Vyacheslav Lopatin.

"Django sin cadenas": experimentar con el exceso...

El cine de autor es el de constantes que, al paso de las películas y del tiempo, definen e identifican a un cineasta. El de Quentin Tarantino es cine de autor. Su más reciente película, Django sin cadenas (2012), se ubica dentro de su autoría y es buena película. Tarantino vuelve a lo que le gusta: nutrirse de pasados estilos del cine, ser cruel cuando quiere serlo, reírse cuando también lo quiere e igual ser atroz con su sátira o desparpajo. Conjuga la parodia con la más brutal violencia, sin que haya siquiera un puente narrativo. Ahora ofrece un género difícil: el Oeste. Tarantino impone su estilo al narrar y acercarse al “spaghetti western”, registro italiano para vaqueros con otra estética. No creo que el señor Tarantino haya querido hacer un clásico del Oeste. Él se deja llevar por sus pasiones. Las actuaciones son muy buenas y excelentes la de Christoph Waltz y la de Samuel L. Jackson. El propio Tarantino tiene un personaje: ¡es la única actuación mala! Es parte de su carácter: el de experimentar con los excesos sin miedo alguno. Aquí llega a plantear a su héroe vaquero como un sujeto wagneriano, pero con tonos de ópera italiana, a lo Rossini.

Crítica completa, CLIC en:

http://www.nacion.com/2013-01-28/Entretenimiento/tarantino-vaquero-.aspx

Hansel y Gretel: cazadores de brujas: filme rebuscado

La película Hansel y Gretel: Cazadores de brujas (2013), dirigida por Tommy Wirkola, juega a ser novedosa, con los personajes del cuento escrito por los hermanos Grimm ya grandes, quienes andan, más bien, en cacería peligrosa y violenta de brujas. En esta cinta, la reacción de Hansel y de su hermana Gretel es tan violenta como el apremio grosero de las arpías, sin saber que han sido traídos al mundo por una bruja buena (existen). Solo que la cinta trata todo con superficialidad. Concebida como mezcla de terror y comedia busca de manera forzada mostrarse como cine gore (subgénero del terror) y a la vez humorosa. No lo logra, resulta un arroz con mango de situaciones forzadas. Agreguen la falta de temple del director. El filme no tiene convicción, ni en su guion literario ni con su puesta en imágenes. El resto de la película se resiente de su artificiosa construcción y de la debilidad orgánica de su propuesta. La intensidad la procura a golpes de efectos rebuscados.
Crítica completa en:
http://www.nacion.com/2013-01-27/Entretenimiento/critica-de-cine--hansel-y-gretel.aspx

"12 horas" o "Sin rastro": cine que se desinfla pronto

El director brasileño Heitor Dhalia aparece con su primera cinta estadounidense: 12 horas (2012), que en España titularon Sin rastro. 

El resultado no ha sido el mejor para el brasileño. La película tiene buen comienzo: envidiable manejo de cámaras, afortunada fotografía, música oportuna y una figura que camina hacia algún sitio entre la montaña. El personaje femenino aparece en la ducha con sugerente desnudo tras una cortina. De manera intuitiva, se abre una condición de suspenso. El director muestra talento para el manejo de cámaras.El problema de 12 horas es su guion. La falta de ideas. Es una historia que acaba por perder su suspenso y deviene argumento rutinario con la historia de una muchacha que fue secuestrada, que ahora le secuestran a la hermana y la policía no hace nada. Las actuaciones son malas, excepto la de la joven Amanda Seyfried. He aquí una muestra de cómo un filme es capaz de desinflarse conforme transcurre.

Para leer la crítica completa, CLIC en:

http://www.nacion.com/2013-01-22/Entretenimiento/critica-de-cine--en-12-horas.aspx

"S.O.S.: Familia en apuros": es cine masificado...

Se le atribuye al académico español Martín de Riquer la frase “dejé de ir al cine cuando se retiraron los hermanos Marx”. No es mala decisión, sobre todo si repasamos el descenso de la comedia en Hollywood. Para confirmar dicho hundimiento, ahora se exhibe S.O.S.: Familia en apuros (2012), perpetrada, no dirigida, por Andy Fickman y con pésimas actuaciones de Billy Crystal y Bette Midler. La historia es del todo predecible. Un matrimonio con una hija y dos hijos está cansado de su rutina. Ante un nuevo alborozo de sus hormonas eróticas, la pareja parte de vacaciones. Es cuando llaman a la gentil abuela y al conservador abuelo para que cuiden a sus hijos y los abuelos le dan lugar a la alcahuetería. Decía el pensador Ortega y Gasset que lo que más vale en el hombre es su capacidad de insatisfacción. Esta crítica la tiene ante una comedia sosa, narrada a empellones, mal hilvanada, sin creatividad y con diálogos tontos. Dicen que un guion ortopédico solo puede derivar en un filme minusválido y es lo que sucede con S.O.S.: Familia en apuros, donde el único S.O.S. es el que debe pedir el espectador inteligente ante este tipo de cine masificado.
Para leer la crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/2013-01-21/Entretenimiento/critica-de-cine---en-apuros-.aspx

La madrugada es pagana y el pecado es engaño...

La madrugada es incitación, así como el calor llama a las salamandras. La madrugada nos alienta a dejar prejuicios para descifrar la vida con el ardid de la bohemia, para correr las horas sin el salto del minutero y para amarnos hasta la sombra de la sexualidad. Por ser borrosa, bajo luces faroleras, la vida es efervescente para los noctámbulos, con sus bares, mujeres, hombres, músicas, bailes y conductas fuera de los cánones. La noche es hora de palabras nunca dichas, mientras los cigarros se apagan bajo un zapato ebrio. Es tiempo de creatividad para los artistas. Nos guste o no, los días son expresión de lo tradicional, los días son mojigatos. En cambio, las noches son teatrales: se inventa la libertad y se viven las transgresiones. Son ricamente paganas, las madrugadas, cuando el placer corre por la seducción de los cuerpos. En las noches entendemos que el pecado es engaño predicado por religiones oficiales. En la noche somos ritmo; en el día, rutina zoológica. En la madrugada el demonio no existe: somos nosotros mismos.

Una de cal y otra de arena: Sammy y, uff, el Gringo...

SAMMY: He aquí una película para güilas de verdad, llegada de Bélgica. Se titula Sammy 2: El gran escape (del 2012) y su director es Ben Stassen. El argumento pasa por una feliz solidaridad entre distintos animales, cuando dos tortuguitas se convierten en la mejor ayuda para que sus abuelos y otras especies marinas puedan escapar hacia la libertad de mares abiertos. La trama es fresquita y fácil de entender, exalta la bondad y la solidaridad por encima de vanas competencias, defiende el interés social o colectivo por encima del egoísmo individual. Es algo muy distinto a lo que la sociedad contemporánea estimula como modo de vivir en las actuales relaciones de producción. La sensación de mar es contagiosa.

Crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/2013-01-13/Entretenimiento/vuelve-sammy.aspx

EL GRINGO: Cuando alguien vestido de payaso es perseguido por la policía y se quita la máscara, vemos al personaje encarnado por Mel Gibson. Así somos notificados de un filme para expresión exclusiva de dicho actor, como un gringo que va a parar a una infernal cárcel mejicana. Se titula Atrapen al gringo (2012), de Adrian Grunberg. El argumento y lo visual se plagian a sí mismos con total descaro y peores resultados, con música que cansa y la actuación insoportable de Gibson. Es cine sin un mínimo de dignidad artística, enfangado en sí mismo. De lo peor.

Crítica completa, CLIC en:

http://www.nacion.com/2013-01-14/Entretenimiento/gringo-en-fuga.aspx

Hombres al dente y el asunto de la homosexualidad

Nacido en Estambul en 1959, el guionista y director turco Ferzan Özpetek saltó al reconocimiento fílmico gracias a su primera película titulada El baño turco (1997). El cotarro aumentó con la segunda cinta de Özpetek, El último harem (1999). Con las siguientes películas de Özpetek la agitación no fue tanta y, así, hasta llegar a la que se considera su obra menor: Hombres al dente (2010), filme sin tono ni entono, sin arte ni gracia, ni camagua ni elote, que reitera el tema preferido de dicho director: el de la homosexualidad. El argumento, moraleja: la importancia que tiene el definir y defender ante los demás la respectiva orientación sexual. Más simple: la importancia de salirse del clóset. Hombres al dente, como película, no pasa de ser un plato mal preparado: su punto de cocción no es el óptimo, ni mucho menos; por eso, es filme poco nutritivo y pierde su sabor natural: ¡de “al dente”, nada!
Crítica completa, CLIC en:
http://www.nacion.com/2013-01-07/Entretenimiento/critica-de-cine---al-dente-.aspx

La voz dormida: el cine despierta ante la historia...

Llega a Costa Rica la película española La voz dormida (2011), dirigida por Benito Zambrano, hábil narrador y estupendo director de actores. El cine español vuelve al tratamiento dramático de su guerra civil, donde los falangistas encabezados por Franco acabaron con el sueño republicano. El filme se coloca en el período inmediato al triunfo del fascismo franquista y muestra la represión sin eufemismo alguno. La trama describe hechos alrededor de una mujer republicana quien es encarcelada y condenada a muerte. Ella está embarazada, por lo que la pena no se puede cumplir de inmediato. Su hermana llega desde Córdoba para ayudarla y se verá mezclada en las tareas clandestinas de algunos republicanos que por ahí resisten. El relato transcurre con buena narración y puntos de giro bien manejados. Benito Zambrano hace gala, otra vez, del sentido pictórico que él busca con sus imágenes. Las actuaciones son espléndidas, sobre todo las de Inma Cuesta y María León como las hermanas ante el abismo del sufrimiento. Filme intenso, tan desgarrador como amoroso, tan pesimista como esperanzador, resulta cine que hemos de ver y no dudo en recomendar.

Crítica completa, CLIC en:

http://www.nacion.com/2013-01-06/Entretenimiento/critica-de-cine--duerme-la-voz.aspx

Una aventura extraordinaria: las vidas de Pi y un tigre

El director de cine taiwanés Ang Lee es un realizador “todo terreno”. Ahora vuelve con el filme Una aventura extraordinaria (2012). En España se titula La vida de Pi. Estamos ante una buena fábula sobre la relación del ser humano con la Naturaleza y sobre la creencia o no en dios o en dioses diferentes. El carácter narrativo gira hacia un expresivo realismo mágico con el mejor uso de los avances tecnológicos. Este filme tiene una plasticidad realmente seductora, de ostentosa imaginación y útil para el argumento. Aquí lo formal está al servicio de la historia, como debe ser. La película narra la vida de Piscina (Pi), quien, en un momento dado, se encuentra a la deriva en el mar, en un bote salvavidas con ¡un tigre de bengala!, con quien tendrá una apasionante aventura. Es película que alimenta mi fe en el cine, en el llamado cine alternativo, en el sétimo arte. No quiero terminar sin agradecerle al joven Suraj Sharma su trabajo como Pi. Él él se echa sobre sus hombros la película y entre él y el tigre me dieron una fábula inolvidable.
Lea la crítica completa con CLIC en este enlace:
http://www.nacion.com/2012-12-31/Entretenimiento/critica-de-cine---enorme-aventura-.aspx